Écoutez attentivement le moindre bruit: le 29 mai 1913, le choc de la nouvelle a éclaté dans un théâtre parisien lorsque Ballets Russes de Diaghilev a interprété le Sacre du printemps de Stravinsky. Le public décoré et décoré de bijoux du Théâtre des Champs-Élysées a éclaté devant la danse folklorique et la musique discordante qui les ont confrontés. Au lieu de la grâce et de la tradition de ballets comme le lac des cygnes de Tchaïkovski , la chorégraphie décousue de Spring et le décor païen russe ont lancé un chœur de scandales qui se sont transformés en bagarres. Où étaient les tutus de la tradition? À la surprise et à la consternation du public, le «modernisme» venait d'arriver avec un crash de cymbale géant.
Serge Diaghilev et Igor Stravinsky avaient l'intention d'utiliser cette performance comme une proclamation du modernisme - un spectacle destiné à dépasser les frontières traditionnelles de l'art, de la musique et de la danse pour présenter quelque chose de totalement nouveau et innovant. L'idée de la danse en tant que spectacle est quelque chose qui m'a intriguée, car j'ai organisé le 4 octobre une exposition de portraits sur la danse en Amérique. Sans émeutes fomentantes, le spectacle a joué un rôle déterminant dans la danse, de Ziegfeld's Follies à Beyonce's. spectacles sur scène; le public est toujours fasciné par les plumes, les paillettes et les beaux mouvements. Comme l'écrivain et compositeur Kander et Ebb l'ont écrit dans le thème de Razzle Dazzle à Chicago , "Donnez-leur un numéro avec beaucoup de flash / Et la réaction sera passionnée."
Igor Stravinsky par Alvin Langdon Coburn. Tirage argentique à la gélatine, 1921 (Photo: gracieuseté de la National Portrait Gallery) J'aime être ébloui. Et en tant qu'explorateur culturel invétéré, je suis toujours à l'affût du facteur «wow», cette chose magique qui fait briller vos yeux. Dans le domaine des arts de la scène, cela peut être un moment de spectacle sur scène ou à l'écran, le magnifique saut de la danseuse dans l'ozone ou une voix palpitante qui vous coupe le souffle. Ce sont des moments cristallins qui marquent votre psyché pour toujours.
Dernièrement, j'ai été impressionné par deux performances extraordinaires - un concert de l'Orchestre de Philadelphie sous le nouveau chef électrisant, Yannick Nézet-Séguin, et une performance de gala au Kennedy Center de My Fair Lady dans laquelle Jonathan Pryce et Laura Michelle Kelly vous ont confié Je pense qu'ils ont créé les rôles du professeur Higgins et d'Eliza pour la première fois.
Mais j'ai aussi été ébloui par une méga-exposition qui vient d'ouvrir à la National Gallery of Art: «Diaghilev et les ballets russes, 1909-1929: quand l'art dansait avec la musique». Baz Luhrmann a peut-être utilisé beaucoup de glamour et Glitz dans sa nouvelle version 3D du film The Great Gatsby, mais la galerie a créé le monde scintillant de Diaghilev dans un somptueux spectacle de l'art réel, de l'art, de la musique, de la danse et des costumes qui exprimaient la «recherche du nouveau» il y a un siècle . Comme l'explique Sarah Kennel, co-commissaire de l'exposition, Diaghilev «n'a jamais voulu se reposer sur ses lauriers. Il a toujours innové et repensé.
Michel Fokine de Clara Sipprell. Tirage argentique à la gélatine, 1923, legs de Phyllis Fenner (Galerie nationale des portraits) Collaboration entre la National Gallery of Art et le Victoria and Albert Museum, l'exposition a été inaugurée à Londres en 2010. Cette exposition hybride comprend 80 œuvres de la collection V & A et environ 50 nouveaux objets. «Diaghilev» met en valeur les étonnants partenariats artistiques forgés par l’impresario russe et met en lumière des compositeurs tels que Stravinsky, Prokofiev et Satie, ainsi que des artistes comme Bakst, Picasso et Matisse. Deux grands chorégraphes de Diaghilev, Michel Fokine, qui a travaillé avec lui dans les premières années, et George Balanchine, qui a travaillé avec les Ballets Russes à la fin de la vie de Diaghilev, émigrerait aux États-Unis; Fokine a créé une école de ballet à New York et Balanchine aurait un impact emblématique sur la danse américaine, à la fois à Broadway et dans le ballet.
Costume de Pablo Picasso pour le Conjuror chinois de Parade, v. 1917 (© Victoria and Albert Museum, Londres) Organisées chronologiquement, les cinq grandes sections de l'exposition racontent l'histoire de la carrière de Diaghilev: «Les premières saisons», «Vaslav Nijinsky - Danseur et chorégraphe», «L'avant-garde russe», «L'avant-garde internationale» et «Le modernisme». Néoclassicisme et surréalisme. »Il existe également une composante audiovisuelle fascinante qui comprend des séquences rares des Ballets Russes et de Nijinski, Rudolf Noureev jouant dans l’ après-midi d’un faune et Mikhail Baryshnikov dansant Le fils prodigue.
Il y a trente ans, cette fabuleuse exposition aurait été qualifiée de «blockbuster». Dans le jargon des musées contemporains, ce mot est fâché. murs gris et moquette grise plutôt que des approches plus flamboyantes. En tant que personne qui a débuté à l’ère des superproductions, j’ai trouvé que le manque d’éblouissement aujourd’hui est un commentaire troublant sur la distance à laquelle les musées se sont éloignés d’un public avide d’inspiration.
Costume d'Henri Matisse pour le deuil du Chant du rossignol, 1920 en feutre de laine et salopette en velours (V & A, Londres) Mais l'exposition Diaghilev m'a fait sourire au moment où je suis entrée dans son étreinte: du costume perlé de Boris Godounov que portait Chaliapine en 1908 au rideau de scène géant de The Blue Train (1924) , le spectacle de Diaghilev rappelle ce que peuvent être les expositions.
Mark Leithauser est le chef du design et conservateur en chef de la National Gallery of Art. Il a créé ici un monde immense de wow. Responsable de la conception de nombreux spectacles historiques de ce musée, il m'a expliqué que la notion de «blockbuster» ne concerne pas vraiment la taille, mais bien un phénomène. Le premier film à succès, "King Tut", n'avait que 52 objets. Lors de son ouverture à la Galerie en 1976, les gens ont fait la queue pendant des heures. Le directeur, J. Carter Brown, a déclaré que la série était populaire en raison de la "qualité visuelle absolue" et de "l'âge à couper le souffle" des objets, ainsi que de la sensation titrifiante d'être sur une chasse au trésor. D'autre part, «Les trésors de la Grande-Bretagne» en 1985 comptaient plus d'un millier d'objets et aidaient à relier «la grandeur» à l'idée populaire du blockbuster.
Leithauser croit fermement qu'une exposition doit être ancrée dans la narration. Dans «Treasure Houses», l'histoire a duré environ 500 ans en Grande-Bretagne, mais aussi environ 500 ans de transformation architecturale dans la maison de campagne britannique - une transformation évoquée dans les scènes architecturales et l'environnement créés dans l'exposition.
Serge Diaghilev (© Victoria and Albert Museum, Londres) Pour le spectacle de Diaghilev, Leithauser a déclaré que le design devait être aussi théâtral que l'histoire, l'installation devait créer une expérience théâtrale englobant le monde de Diaghilev. La vérité, selon Leithauser, est que les expositions «doivent être ce qu'elles sont».
La capacité du designer à préparer la scène avec brio permet aux visiteurs de comprendre les collaborations artistiques de Diaghilev à la fois intellectuellement et viscéralement. Leithauser est un showman qui aime le spectacle: bravo pour un coup de foudre!
