Gene Davis a passé sa carrière dans les salles de presse, du Washington Daily News à United Press International, en passant par le Fredericksburg Freelance Star, et a même servi de relais en copiant au New York Times .
Et bien qu’il se passionne pour la peinture abstraite dans les années 1940 et qu’il participe à quelques expositions locales, il ne réussit jamais à consacrer tout son temps à l’art. Après 35 ans de journalisme, il s’y tourna finalement vers 1968.
"L'idée que je gagne toujours ma vie en peignant était la chose la plus éloignée de ma pensée", a-t-il déclaré dans une interview de 1981.
Mais il a trouvé quelque chose - un défilé de rayures aux couleurs vives et bord à bord - qui a non seulement forgé son nom, mais aussi changé sa carrière, mais qui l'a placé au premier plan du seul grand mouvement artistique émanant de la capitale nationale, l'école de couleur de Washington.
La Smithsonian Institution, qui a bénéficié d'une somme généreuse de son travail donné au musée après sa mort en 1985, à l'âge de 64 ans, a peut-être manqué le 50e anniversaire de la célèbre exposition «Washington Color Painters» de l'année dernière, mais le rattrape avec le «Gene Davis: Hot Beat» récemment ouvert à son musée d'art américain Smithsonian.
Dans une galerie aux murs peints aussi brillants que le jaune le plus brillant que Davis ait pu choisir pour ses œuvres, 15 de ses grandes toiles datant des années 1960 sont exposées, certaines d'entre elles n'ayant pas été vues publiquement depuis des décennies.
Gene Davis au travail sur sa peinture Franklin's Pathpath, sa peinture créée dans la rue à l'extérieur du Philadelphia Museum of Art en 1972. (Getty Images / Henry Groskinsky) Le résultat est un ensemble de toiles de la taille d'un mur, dont les bandes d'un pouce ou plus (généralement la largeur du ruban de masquage qui l'aidait grandement) se sont révélées assez ondulées avec un rythme et des motifs inattendus.
Tandis que certaines œuvres s'étendent sur plus de 18 pieds, d'autres œuvres surprennent par leur taille inhabituelle, telles que certaines d'un pied et demi de large mais de sept pieds et demi de hauteur.
Trois ensembles de toiles rayées de 9 pouces de hauteur sur 91 pouces ressemblent davantage à la bande passante que nous connaissons depuis ce siècle.
Et tandis que ses peintures à rayures étaient différentes de tout ce qui se trouvait dans le monde de l’art abstrait, tout comme les gens en attendaient davantage, il a adopté une approche totalement différente en produisant en 1966 des dizaines de «micro peintures» de la taille d’un pouce carré et transportées dans des boîtes Sucrets. . Celles-ci ont été placées au hasard sur les murs, les plafonds et les planchers des galeries, mais jamais avec une étiquette de prix, car il était trop gêné pour les faire payer.
Les noms fantaisistes de Davis pour ses peintures - Dr. Peppercorn, Gothic Jab et Raspberry Icicle - ont été inspirés par la fantaisie des titres de Paul Klee et sont venus une fois les peintures terminées.
Et bien que son agencement de couleurs vives semble certainement provenir d’une planification minutieuse, Davis écrivait en 1972: «Je ne planifie jamais ma couleur plus de cinq bandes en avant et change souvent d’avis avant d’atteindre la troisième bande."
En effet, la couleur était parfois due à tout ce qui se trouvait dans son studio de DC. «Parfois, j'utilise simplement la couleur que j'ai le plus souvent et je m'inquiète de pouvoir me sortir de l'ennui plus tard», a-t-il déclaré.
Tout semblait marcher.
Davis a été l'un des premiers mentors de Jacob Kainen, alors conservateur des arts graphiques au Smithsonian et artiste lui-même. Kainen emmènerait Davis à la Phillips Collection et à la Corcoran Gallery of Art à Washington pour discuter d'art moderne et l'encourager.
Gene Davis, ca. 1982 (Archives of American Art) Même si une première exposition dans une galerie de théâtre de Dupont Circle en 1961 attirait l’attention de certains spectateurs qui comparaient ses peintures à des auvents ou à des housses, Davis a finalement vendu sa première œuvre de cinq planches horizontales en 1962.
Une œuvre similaire figure parmi les premières œuvres de «Gene Davis: Hot Beat», qui ne dure que huit ans. Et, selon le commissaire-conseil du spectacle et ami de Davis, Jean Lawlor Cohen, les planches ont peut-être influencé le sculpteur minimaliste Donald Judd qui les a commentées favorablement dans un spectacle de 1963 à New York.
Mais Wall Stripes No. 3, comme il est intitulé, est la seule des grandes œuvres à rayures horizontales plutôt que verticales qui deviendrait sa marque de fabrique. Cohen a dit que leur ascension était plus ambitieuse et qu'ils ne seraient jamais confondus avec un paysage.
Les rayures verticales avaient elles aussi quelque chose d’aspirant et leurs couleurs souvent vives reflétaient l’époque entière. «Il y avait quelque chose, un dénominateur commun qui a traversé les années 60», a-t-il déclaré à un intervieweur en 1981. «Ce fut une période passionnante. L'ère Kennedy, l'optimisme était dans l'air, l'excitation, la rébellion du campus. . . vous ne pouvez en isoler aucune.
Le critique d'art influent, Clement Greenberg, a choisi Davis pour un spectacle mettant également en vedette Frank Stella, Ellsworth Kelly et Kenneth Noland pour le spectacle influent «Post-Painterly Abstraction» au Museum of Art de Los Angeles County en 1964. Tous les coups de peinture épais ou visibles évités et célébré la couleur vive. Et soudain, il y a eu un mouvement et un changement de carrière.
Bien qu'il ait attiré l'attention et attiré par la galerie par son travail, ce n'est que lorsqu'il a reçu une commission de 40 000 $ pour un tableau de 60 pieds pour la collection d'art Empire State Plaza à Albany qu'il a quitté son dernier emploi régulier en tant que rédacteur en chef du AAA Magazine, pour se concentrer sur la peinture à temps plein.
Bien que renommé dans le monde de l'art, certaines de ses plus grandes œuvres ont complètement disparu. Il a peint la rotonde à deux reprises à la Corcoran Gallery of Art, ce qui lui a donné l’un de ses premiers spectacles et a enseigné plus tard.
En 1972, il a également tracé un sentier de Franklin sur la rue menant au Philadelphia Art Museum et une pièce encore plus grande, Niagara, sur un parking à Lewiston (New York) en 1979, dont la superficie était de 43 680 pieds carrés. le temps.
L’occasion du nouveau spectacle au Smithsonian impliquait de remodeler certaines toiles et de les retoucher. Avec les murs jaunes vives, le spectacle renforce l'intention que Davis avait autrefois dit chercher: «une intensité de couleur qui faisait presque mal."
L'émeute de couleurs est si vive que la réception d'ouverture de l'émission a été qualifiée de «Hot Beat Dance Party».
«Gene Davis: Hot Beat» se poursuit jusqu'au Smithsonian American Art Museum de Washington, jusqu'au 2 avril 2017.
En 2007, la Commission des arts et des sciences humaines de Washington, DC, a rendu hommage à l'artiste Gene Davis. Mokha Laget, un assistant de studio de Davis, a conçu une peinture à rayures géantes sur 8th Street NW (Wikimedia Commons / dbking)
