Porter votre art sur votre manche

L'art de porter occupe une place unique dans l'univers créatif. À cheval entre mode, artisanat et art, cette classification hybride a toujours cherché à faire passer la robe au-dessus de son rôle pratique. Des préraphaélites des années 1890 aux forgerons surréalistes des années 1930 aux éco-designers d'aujourd'hui, ces artisans reconnaissent que les vêtements que nous portons représentent des idées et des opinions.

De cette histoire

Art à porter

Erte: L'art de porter: le bijou complet

Souvent liés aux préceptes du surréalisme ou du dada, ces artistes ont commencé à expérimenter les formes, les motifs et les matériaux des bijoux et des vêtements. En fait, le surréalisme en tant que mouvement a gagné l'estime du public grâce à ses incursions dans la mode.

Au sommet de cette fusion d'art d'avant-garde et de haute couture, une designer italienne renommée, Elsa Schiaparelli, a collaboré avec des personnalités surréalistes telles que Jean Cocteau et Salvador Dalí. Avec Dali, Schiaparelli a créé l'un de ses vêtements les plus remarquables: la robe Lobster, une robe en organza de soie couleur crème rehaussée de crin synthétique, créée par Schiarparelli, que Dali a ensuite ornée d'un grand homard tacheté de persil.

Aussi appelé le mouvement de l'artisanat-à-porter, et comprenant l'art de la fibre, l'artisanat du cuir, des bijoux de tous matériaux, et tout ce qui est imaginable pour se parer, le mouvement de l'art vestimentaire ne s'est pas identifié comme tel avant les années 1960. Cependant, beaucoup reconnaissent que les artistes modernistes et les bijoutiers qui créent entre 1920 et 1950 comptent parmi les premiers producteurs d'artisanat.

Cette semaine, les œuvres de 50 artistes vendant des bijoux, des vêtements, des foulards et des sacs à main sont exposées à la collecte de fonds annuelle de la Smithsonian Institution organisée par le Craft2Wear au National Building Museum à Washington, DC Les produits de l'exposition, produits par le Comité des femmes de la Smithsonian, soutiennent subventions et dotations pour la recherche à l'établissement.

Trois artistes, Starr Hagenbring, Susan Sanders et Kathleen Nowak Tucci, travaillant dans divers matériaux et avec des décennies d’expérience dans le design, feront partie des objets proposés à la vente lors de cet événement. Leur art est apparu dans le monde entier - d'une couverture de Vogue Italia à l'épaule de Margaret Thatcher à la télévision.

L'union de ces trois artistes et du salon Crafts2Wear témoigne d'un intérêt constant pour la combinaison d'art et de matériaux de haut en bas, conformément à la mission perturbatrice du mouvement de l'art vestimentaire soucieux de l'environnement des années 1960-1970.

Hagenbring transforme des punaises largement répudiées en tapisseries complexes et irisées, transformant «le vilain en beau». Tucci se réjouit de créer «une valeur exceptionnelle à partir de quelque chose qui aurait abouti dans nos sites d'enfouissement». Et Sanders, développant la juxtaposition entre et matériaux bas, travaille dans une plate-forme ultra-technologique - impression 3D - avec des matériaux industriels peu coûteux, rencontrant l'art où on ne pouvait pas s'y attendre.

Starr Hagenbring: La beauté des insectes

Hagenbring, basé à New York, perpétue la tradition de Dali et Schiaparelli dans le domaine des fibres peintes, utilisant le tissu comme toile, imbriquant des fils colorés et appliquant des peintures vives et opalescentes pour créer des tableaux saisissants. Son art, que l'on peut voir et acheter dans sa boutique Art & Eyes à la Nouvelle-Orléans, aborde de nombreux sujets: silhouettes classiques et exotiques, conceptions abstraites et, plus récemment, insectes réalistes et abstraits.

Sa créativité découle d'un désir de surmonter les aversions personnelles.

Dans son enfance, les araignées l'ont paniquée jusqu'à ce qu'elle se lance un défi de s'engager profondément dans leur monde. Elle a trouvé leur beauté complexe. Et l'expérience a suscité une fascination pour toute la vie.

Il y a environ 25 ans, lors d'une visite en Birmanie, Hagenbring a rencontré un mur d'abri d'auto, presque entièrement recouvert d'insectes de types et de tailles multiples. C’est comme elle se souvient «une exposition de bogues de la Smithsonian Institution». Trop surprise de se sentir dégoûtée, elle a plutôt examiné l’affichage et a découvert une diversité de tailles, de formes d’ailes, de motifs géométriques, de porte-à-faux cachés et de beauté générale. Maintenant, la multiplicité et la force de cette créature imprègnent une grande partie de son art vestimentaire.

Les insectes ont inspiré la création d'objets d'art pendant des siècles, des masques africains traditionnels aux peintures cubistes de Picasso, un héritage reconnu par Hagenbring. En se concentrant sur leur beauté inattendue et en ne craignant pas les détails volumineux et réalistes, Hagenbring affirme avoir surmonté le «nouveau facteur» que beaucoup de gens associent aux insectes. Son objectif est d'inciter les gens à trouver la beauté inattendue et de nourrir un désir plus large d'encourager les gens à, comme elle le dit avec insistance: «Arrêtez, arrêtez, arrêtez. Regardez ce que nous avons autour de nous. "

Kathleen Nowak Tucci: Esthétique écologique

Dans les années 1960 et 1970, le nouveau mouvement appelé Wearable Art Movement a également intégré la conscience environnementale dans le cadre de sa mission, en mettant l'accent sur les textures et les qualités des matériaux naturels et durables. Les membres de la communauté naissante ont fusionné l'esthétique avec la fonction, cherchant à perturber les classements traditionnels ou les hiérarchies au sein des communautés artistiques qui élèvent l'art «fin» au-dessus des métiers utilisables. L'accent mis sur le travail du textile - jadis exclu de la légion de grands artistes comme étant du "travail de femmes" - était en harmonie avec le mouvement croissant de libération des femmes.

Les travaux récents de Kathleen Nowak Tucci, également imprégnés de politique, ont trait aux préoccupations croissantes à l’égard de la destruction de l’environnement, du gaspillage et de la pollution, et élargissent l’intérêt des artistes vestimentaires traditionnels pour les matériaux «à faible» ou «outré» aux chambres à air capsules de café Nespresso usagées. Ses bijoux recyclés ont commencé avec des chambres à air «libérées» des corbeilles à poussière des ateliers de réparation de vélos.

Touchée par la quantité de déchets humains qu’elle a rencontrés en glanant des pierres dans des magasins de vélos et d’ateliers de motos Harley-Davidson à Pensacola, en Floride, Tucci a tout d’abord été attirée par le travail du caoutchouc car «les matériaux sont si fabuleux». les qualités de protection de l'acier créent un look nerveux rappelant le cotte de mailles médiévale, mais beaucoup plus portable.

En 2010, Vogue Italia a présenté les bijoux de Tucci sur la couverture d'un numéro sur la récente marée noire de BP dans le Golfe. En tant que témoin des mares graisseuses qui maculent l'eau, Tucci était reconnaissant de pouvoir concrétiser un message de résilience et d'espoir de résurrection à travers ses ornements récupérés. Peu de temps après, Tucci aperçut une boîte de capsules Nespresso de couleur bonbon dans le bureau de son graphiste et commença à compléter le noir mat des chambres à air avec les tons étincelants de bijou d'aluminium anodisé récupéré des poubelles de bureau. Finalement, elle réalisa que les capsules Nespresso tenaient leurs promesses et créaient des pièces autonomes extrêmement lumineuses. En mai 2015, Tucci a remporté le Saul Bell Design Award dans la catégorie des matériaux alternatifs, catégorie comprenant tout matériau autre qu'un métal précieux. La prochaine étape pour l'éco-designer? Tucci aimerait bien voir une pièce de déclaration recyclée défiler sur le tapis rouge d'Hollywood lors d'un événement majeur (Maggie Gyllenhaal ou Tilda Swinton pourraient très bien l'emporter).

Susan Sanders: l'impression 3D de son travail captivant

Dans les années 1980, l'art vestimentaire reflétait l'esthétique pop et les matériaux artificiels populaires de l'époque. Les styles graphiques et les applications d’applications à plat mettent l’accent sur les images de surface. À l'aube du XXIe siècle, les créateurs d'art à porter ont continué à expérimenter des techniques et des matériaux, notamment l'impression 3D. Susan Sanders, originaire de Washington, DC, a commencé sa carrière dans le médium il y a quelques années après avoir perfectionné son esthétique sur de nombreux matériaux, notamment l'argent, l'or, la soie, la microfibre et la pierre. Son travail est apparu dans des galeries à travers le monde et a été vendu à un large éventail de clients.

Il y a des années, lorsque Sanders fabriquait de grandes broches d'insecte entièrement articulées à partir de métaux précieux, elle produisit un moustique particulièrement gros et saisissant. Peu de temps après la vente de la création par le magasin du Whitney à New York, la secrétaire d’État des États-Unis, Madeleine Albright, est apparue à la télévision. L'épinglette apparaît également dans le livre d'Albright intitulé Lisez mes épingles : Les histoires d'un écrin de diplomate et dans le cadre d'une exposition itinérante, qui est arrivée à la Smithsonian Institution en 2010.

Sanders a utilisé tant de matériaux disparates au cours de ses 42 années de carrière - tout au long de sa carrière à Alexandria, l'usine Torpedo de Virginia - parce qu'elle aime rafraîchir périodiquement sa perception artistique. Ainsi, quand elle a vu pour la première fois des bijoux imprimés en 3D, il y a quelques années, son intérêt a été piqué. Après un cours d'informatique dans un collège communautaire, un atelier d'un week-end, d'innombrables vidéos pédagogiques sur YouTube et encore plus de suppositions et d'expérimentations, Sanders a commencé à produire ses propres bijoux imprimés en 3D, d'abord en noir mat, puis peints à la main dans des teintes brillantes renfor de nombreux angles imbriqués de son travail captivant. Sanders, diplômée en design industriel de Carnegie-Mellon, affirme que son "goût se penche vers les formes géométriques" et que le processus abstrait de formulation de ses conceptions donne l'impression d'être "rentrée à la maison".

Ses créations 3D sont toutes créées en une seule pièce mais comportent souvent de nombreuses pièces en mouvement: joints invisibles, charnières et balles curieusement en cage. Le plastique nylon léger utilisé dans le processus d’impression permet à Sanders de créer de plus grandes pièces encore très faciles à porter et à un prix abordable. Le coût relativement faible du processus lui permet d’atteindre un public plus vaste, ce qui constitue un changement intéressant par rapport au travail avec des métaux précieux.

Les trois femmes s'accordent sur le fait que les clients qui portent leurs produits doivent être possédés et prêts à être vus. La tenue vestimentaire, qu'il s'agisse d'un pantalon de survêtement ou d'un manteau recouvert de coléoptères brillamment illustré, est performative. Ce que nous portons, c'est le lien toujours fascinant entre notre moi privé et la perception du public. Les artistes de cette année à Craft2Wear proposent une myriade de moyens pour combler ce fossé avec humour, talent et individualité.

Le spectacle Smithsonian Craft2Wear 2015 aura lieu du 1er au 3 octobre au National Building Museum de Washington, DC Le spectacle débute le jeudi 1er octobre avec le défilé Advance Chance Party & Fashion Show de 17 h 30 à 21 h. Les billets coûtent 75 $ être acheté à l'avance. L'entrée quotidienne pour le vendredi de 10h à 20h et le samedi de 10h à 17h est de 10 $ (en espèces seulement), payable à la porte. Le 2 octobre, de 17 h 30 à 20 h, Artful Happy Hour (17 h 30 à 20 h) donnera aux acheteurs l'occasion de porter un toast au talent des artistes et de célébrer le soutien de longue date du Smithsonian Women's Committee aux sciences et aux arts. . Vous pouvez acheter des billets de loterie pour une paire de boucles d'oreilles en mica nacrées noires offertes par l'artiste Keith Lewis et un sac à main en maille de paon offert par les artistes Bozenna et Lukas Bogucki au prix de 5 $ ou de 20 $ chaque jour du spectacle.