Peu de temps après que le Japon ait officiellement décidé de commencer à commercer avec l'Occident dans les années 1850, la photographie est également arrivée dans la nation insulaire. Les deux ont marqué une nouvelle ère de la modernité.
La quête de comprendre et de représenter l'âme du Japon, qui est passé d'impérialiste, agraire et isolationniste, à plus populiste, mondial et urbain, est le thème de deux expositions présentées aux galeries Smitherian Freer et Sackler à Washington, DC Les deux expositions, «Japan Modern: Photographies de la collection Gloria Katz et Willard Huyck» et «Japan Modern: Estampes à l’ère de la photographie», ont beaucoup en commun, explique Frank Feltens, conservateur du salon des estampes.
Ni l’un ni l’autre ne sont classés par ordre chronologique, mais les deux images de groupe partagent des thèmes communs, avec une ville et un pays dominant. Le spectacle photographique est hautement documentaire; beaucoup sont en noir et blanc. Les impressions, réalisées avec des blocs de bois sculptés, sont audacieuses, visuelles et colorées. Mais, dit Feltens, «entre les deux séries, vous commencez à trouver de plus en plus de points communs» - un intérêt pour les surfaces, les angles, les fragments.
Les artistes «regardent le monde extérieur, mais le réinventent une fois, l’objectif puis les blocs de bois», dit Feltens.
Comme dans le monde occidental, la photographie projette une grande ombre. Les empreintes de blocs de bois existaient depuis au moins un millénaire, principalement pour communiquer quelque chose au sujet de la culture: raconter des histoires. À la fin du 19e siècle, la gravure était morte - victime de la photographie plus facile et moins chère.
La première photographie connue prise au Japon date de 1848, dit Feltens. Les daguerrotypes étaient populaires au Japon - comme ils l'étaient en Europe et aux États-Unis - mais la photographie a vraiment pris son envol dans les années 1920, avec la montée en puissance d'équipements portables, comme l'appareil photo de poche de Kodak, explique Carol Huh, commissaire de l'exposition. La poche du gilet, qui a à peu près la taille d’un appareil photo moderne, avec une lentille comme un accordéon, a été fabriquée entre 1912 et 1926 et est devenue extrêmement populaire au Japon, donnant naissance à des clubs de photographes et au centre de photographie de l’école Besu-Tan. style.
L’exposition de photos a été rendue possible grâce au don partiel, en mai 2018, d’une collection de quelque 400 photographies rassemblées par Gloria Katz et Willard Huyck, aficionados et scénaristes du Japon, mieux connus pour American Graffiti et Indiana Jones et le Temple of Doom . La collection avait en grande partie été exposée sur les murs de leur maison à Brentwood, en Californie. Huh a sélectionné pour le spectacle 80 gravures de deux douzaines d'artistes, en se concentrant sur celles qui ont influencé la trajectoire de la photographie japonaise.
Simmon: Un paysage privé (# 1), par Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Seikan Ferryboat, de la série Karasu (Ravens) de Fukase Masahis, 1976 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Yokosuka, Kanagawa, de Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Koen Dori, Shibuya, de la série Karasu (Ravens), de Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Sommets des volcans Takachiho, des préfectures de Kagoshima et de Miyazaki, par Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Kamaitachi # 8, de Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Homme dans un imperméable traditionnel de Minobashi, préfecture de Niigata, par Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Ma femme sur les dunes, par Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Boku To Neko (Le chat et moi), par Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) 
Evening View, de Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, achat et cadeau partiel de Gloria Katz et Willard Huyck) La galerie initiale - avec des impressions des années 1920 et 1930 - montre à quel point les photographes japonais ont été profondément influencés par les contemporains européens, en particulier par les pictorialistes au flou artistique. «Nous sommes sur le point d'affirmer que la photographie est un moyen d'expression, un moyen d'art et une transition vers une esthétique plus moderniste», a déclaré Huh. Les premières photos documentaient la ville et le pays: un canal; blé ondulant dans la brise. Barn Roof, l'étude d'ombre et de lumière datant des années 1930 et datant des années 1930 à Ishikawa Noboru, s'intègre parfaitement dans un fragment de coupole à fond brumeux.
Un après-midi à la montagne, une épreuve à la gélatine argentique de 1931 de Shiotani Teiko, pourrait être une peinture abstraite. Un skieur solitaire et minuscule semble se frayer un chemin sur la pente grise fortement inclinée qui coupe le bas du quart de la photo, la séparant du ciel également gris. Teiko a principalement tourné dans la préfecture de Tottori, sur la côte ouest du Japon, à partir de ses immenses dunes et montagnes. «Le paysage devient une opportunité pour ces études de forme», explique Huh.
Teiko a également réalisé des empreintes fantaisistes d'objets déformés de manière non naturelle, un précurseur du surréalisme qui est devenu si évident dans le travail de son élève Ueda Shoji. Ma femme sur les dunes de Shoji, en 1950, représente son épouse vêtue d'un kimono, coupée aux genoux, regardant au premier plan à droite; à sa droite, se tiennent trois hommes en costume, faisant face dans des directions différentes avec d'énormes ombres derrière eux. Comme surréaliste, il dépeint également un Japon coexistant avec son héritage antique et ses images modernes.
De nombreuses photos examinent cette interaction, en particulier lorsque le Japon a regardé à l'intérieur et a fait face à la dévastation de la Seconde Guerre mondiale et à la manière dont le pays se reconstruirait et se reconstruirait.
Le Japon est le seul pays à avoir connu la colère d’une bombe atomique. L'émission touche Nagasaki, où les Américains ont lancé une bombe sur la ville de 200 000 habitants, le 9 août 1945 à 11h02. Le Japon a interdit la photographie à la suite de Nagasaki et d'Hiroshima, mais 16 ans plus tard - en 1961 - Le Conseil japonais contre les bombes atomiques et à l'hydrogène a chargé Tomatsu Shomei de documenter le relèvement de la ville. «À l'époque, il n'était pas rare que de nombreux Japonais n'aient pas vu ce qui s'était passé là-bas», explique Huh. Cela comprenait Shomei. Il a fouillé dans le tissu de Nagasaki, photographiant la vie actuelle, les survivants de la bombe et des objets dans ce qui est maintenant le musée de la bombe atomique.
Un de ceux-ci, tourné sur un fond simple: une montre-bracelet s'est arrêtée à 11h02. Une bouteille qui a été déformée par l’explosion prend une forme humaine troublante. «Cela ressemble à une carcasse», dit Huh. Le livre de Shomei 11:02 Nagasaki est un calcul personnel et un document clé de cet horrible événement.
Il était également obsédé par - et photographiait son point de vue - sur l'occupation du Japon par les Américains après la guerre, qui prit officiellement fin en 1952. Les effets furent toutefois durables. La plupart des images montrent la curiosité et la consternation des photographes vis-à-vis de ces étrangers qui se sont intégrés dans leur pays. L'émission comprend des estampes de la série 1959-1962 de Yamamura Gasho sur Washington Heights, une zone résidentielle militaire américaine à Tokyo. Dans l'un d'entre eux, un groupe d'enfants noirs et blancs d'aspect malicieux se pressent contre une clôture grillagée. Gasho est littéralement «en dehors de la barrière regardant cette étrange greffe au milieu de Tokyo», a déclaré Huh.
Le spectacle se termine avec le Diorama Map of Tokyo 2009, un collage moderniste de Nishino Sohei, un artiste de 36 ans. Il marchait à Tokyo, prenant une vue imprenable sur la rue, faisant écho à un projet similaire de la fin du 19ème siècle qui avait créé les premières cartes mesurées du Japon. Sohei a découpé de minuscules empreintes dans les planches de contact, les a posées côte à côte et les a ensuite photographiées pour l'impression finale. «Le fait de les réunir est un souvenir de ce voyage», dit Huh.
La pré-photographie, ce type de cartographie de Tokyo aurait été réalisée à une échelle moins grande grâce à l’impression sur bloc de bois. Mais les imprimeurs ont eu du mal à prouver leur pertinence face à la popularité croissante de la photographie. Dès les années 1870, ils ont commencé à changer leur façon de travailler. La gare de Shinbashi, une copie lumineuse et multicolore réalisée en 1873, est un exemple de ce nouveau style: elle montre des bâtiments en briques et un train qui tourne au ralenti devant la gare de Yokohama.
Les proportions entre les figures et les bâtiments étaient exactes, et il y a un sens photographique de perspective, dit Feltens. Mais les couleurs criardes étaient «catégoriquement non photographiques» - une tentative de concurrence avec le support alors limité au noir et blanc.
L’effort a cependant échoué lamentablement - et l’imprimerie a échoué. Dans les années 1920, deux nouveaux mouvements tentèrent de redonner vie aux impressions. Dans l’école de la «nouvelle estampe», un éditeur pensait pouvoir attirer les Occidentaux - qui prenaient des clichés photographiques idéalisés présentant un Japon à la fois moderne et ancien - avec des estampes sur blocs de bois offrant des portraits sentimentaux similaires.
Shin-Ohashi, à partir de 1926, tente cela. C'est une scène de nuit avec le scintillement d'une lampe à gaz réfléchie par le tréteau en acier d'un pont de chemin de fer; Pendant ce temps, un homme au chapeau de paille traditionnel tire un pousse-pousse, tandis qu'une femme en kimono tenant un grand parasol se tient derrière lui. C'était une offre nue à la fois de surpasser la photographie (les photos ne pouvaient pas être prises la nuit) et de satisfaire les étrangers. «Ce type de tirages n'a pas été vendu aux Japonais, même aujourd'hui», dit Feltens. Ils ont également été créés en tant qu’objets d’art à collectionner - une nouvelle direction pour les estampes.
Dans les années 1930, le mouvement «créatif» a commencé à prendre son essor. Les graveurs japonais ont assimilé à l'art occidental l'idée que le génie du créateur soit visible. Ainsi, les graveurs ont commencé à ajouter des signatures - souvent en anglais - et des numéros d'édition à leurs travaux. Celles-ci n'étaient plus la production d'une armée de sculpteurs qui confiaient leur travail à une imprimerie.
Les imprimeurs utilisaient encore des blocs de bois, mais de plus en plus sophistiqués. La couleur était une caractéristique importante. Et la perspective était encore très photographique.
1938 Mt Ito Shinsui Fuji de l'observatoire de Hakone est un chef-d'œuvre de la perspective et de la sensation photographiques. Le seul qui compte, ce sont les bleus, les blancs et les bruns.
La plupart des 38 estampes du spectacle sont étonnantes par la profondeur de leur sens artistique - un point que Feltens espérait faire valoir. «Nous voulions montrer l'étendue des couleurs et des nuances et cette explosion de créativité qui se produisait», en particulier à partir des années 1930, a-t-il déclaré. «Ces personnes, en termes de créativité, ne connaissaient aucune limite», déclare Feltens.
Comme pour la série de photographies, les gravures démontrent que les artistes avaient «un regard analytique sur le Japon», explique Feltens. Mais contrairement aux photographes, les imprimeurs ne se sont livrés à aucun commentaire politique direct ou indirect sur la Seconde Guerre mondiale.
Mais il y a un lien avec cette guerre, dit Feltens. De nombreux collectionneurs d'imprimés - y compris Ken Hitch, qui a prêté à Freer | Sackler un grand nombre de copies du spectacle - ont vécu au Japon pendant l'occupation américaine.
Les graveurs et les photographes ont du mal à être acceptés comme arts plastiques au Japon, dit Feltens. Ironiquement, les estampes, presque totalement éteintes par la photographie, ont été les premières à être reconnues comme une véritable forme d'art, dit-il.
«Japan Modern: Photographies de la collection Gloria Katz et Willard Huyck», organisées par Carol Huh, et «Japan Modern: impressions à l'ère de la photographie», organisées par Frank Feltens, sont exposées à la Galerie Smithsonian des galeries Freer et Sackler à Washington, DC jusqu'au 24 janvier 2019.
