Le travail de Diane Arbus a été inclus dans une poignée d'expositions de musées avant sa mort, à l'âge de 48 ans en 1971, de son propre chef. Néanmoins, elle avait déjà acquis une renommée avec une série d'images inoubliables: un «géant juif» imminent. Au-dessus de ses parents à lunettes, un couple âgé assis nu dans une cabane de camp de nudistes, un garçon grimaçant tenant une grenade, qui semble refléter nos peurs les plus profondes et nos souhaits les plus privés.
La première grande rétrospective du travail d'Arbus a eu lieu en 1972, un an après sa mort, au Museum of Modern Art (MOMA) de New York, où elle a passé la plus grande partie de sa vie. Le spectacle a attiré des foules immenses et des éloges pour l'humanité et la beauté formelle de son travail. Mais certaines ont trouvé ses images troublantes, voire répugnantes: la critique Susan Sontag, par exemple, a qualifié ses portraits de «monstres assortis et d’affaires à la frontière». . . . Sontag écrivait dans le travail d'Arbus: «montre des personnes pathétiques, pitoyables et repoussantes, mais ne suscite aucun sentiment de compassion».
Aujourd'hui, Arbus, qui a dit une fois que ses images cherchaient à capturer "l'espace entre quelqu'un et ce qu'il pense être", est devenue l'un des photographes les plus connus et les plus controversés des États-Unis. Mais ses réalisations en tant qu'artiste ont été quelque peu éclipsées par son suicide et par l'étrangeté troublante qui jaillit de ses images. Célèbre en tant que "photographe de monstres", elle a été considérée comme une sorte de monstre elle-même.
Maintenant, une nouvelle génération de spectateurs et de critiques débatte du sens et de la signification des images fascinantes et troublantes d'Arbus, grâce à «Diane Arbus Revelations», une exposition de près de 200 de ses images exposées au musée d'art de Los Angeles County jusqu'au mois de mai. 31. Première rétrospective Arbus depuis le MOMAshow de 1972, «Revelations» la place au centre de la photographie américaine du XXe siècle.
«Incarner Arbus dans le rôle d'une figure tragique qui s'identifie à des monstres, c'est banaliser son accomplissement», a déclaré Sandra S. Phillips, conservatrice en chef de la photographie au Musée d'art moderne de San Francisco (SFMOMA), à l'origine du spectacle. “C’était une grande photographe humaniste qui était à l’avant-garde de ce qui est maintenant reconnu comme un nouveau type d’art photographique.”
L'exposition a déjà suscité de fortes réactions critiques. Kenneth Baker, critique d'art au San Francisco Chronicle, a loué le travail d'Arbus pour son intelligence et sa compassion, et Arthur Lubow, écrivant dans le New York Times Magazine, l'a qualifiée de «l'une des plus puissantes artistes américaines du XXe siècle». Mais d'autres l'ont rejetée comme culpabilisé et morbide. "Arbus est l’un de ces bohémiens sournois", écrivait Jed Perl de The New Republic, "qui célèbre les excentricités des autres et grandit tout en élargissant leur vision narcissiquement pessimiste du monde".
Les avis seront probablement encore plus profondément divisés à mesure que le spectacle se déplacera à travers le pays - à côté du musée des beaux-arts de Houston (du 27 juin au 29 août), puis du Metropolitan Museum of Art de New York (du 1er mars au 29 mai)., 2005). Le musée Folkwang à Essen, en Allemagne, le Victoria and Albert Museum à Londres et le WalkerArtCenter à Minneapolis.
Jeff Rosenheim, conservateur adjoint de la photographie au Metropolitan, estime que les images d'Arbus restent provocantes, car elles soulèvent des questions troublantes sur la relation entre photographe, sujet et public. "Son travail implique vous et l'éthique de la vision elle-même", dit-il. «Notre licence pour avoir cette expérience de voir une autre personne est modifiée, mise au défi, soutenue et enrichie. Je suis fermement convaincu que ce sera peut-être la plus importante exposition photographique sur un seul artiste que notre musée organise. "
Jusqu'à récemment, le mystère entourait de nombreux détails de la vie et du travail d'Arbus. Pendant des décennies, sa succession a refusé de coopérer dans le but de rédiger une biographie d'Arbus et a permis au public de ne voir qu'une infime partie de son travail. Tout cela a changé avec la nouvelle exposition, développée avec la coopération du domaine et de son administrateur, Doon Arbus, l'aîné des deux filles d'Arbus. L'exposition comprend non seulement les images les plus célèbres d'Arbus, mais également des photographies anciennes et des œuvres de maturité jamais exposées auparavant. De plus, des étalages de livres, d'appareils photo, de lettres et de cahiers de travail transmettent un sens puissant de la personnalité du photographe - fantaisiste, intelligent et curieux à l'infini.
«C’est une nouvelle vision d’Arbus, selon ses propres mots», a déclaré Elisabeth Sussman, commissaire indépendante, qui a organisé la rétrospective avec Phillips, de la SFMOMA. "Elle était extrêmement intelligente et spirituelle et incroyablement perspicace, et les photographies ne sont qu'une partie de cela."
Le catalogue de l'exposition, Diane Arbus Revelations (Random House), offre non seulement la sélection la plus complète d'images d'Arbus jamais insérée, mais aussi une fascinante chronologie illustrée de 104 pages de la vie d'Arbus, agrémentée d'extraits de ses lettres et d'autres écrits. La chronologie, réalisée par Sussman et Doon Arbus, est effectivement la première biographie autorisée de la photographe et la première à pouvoir s’appuyer sur ses papiers.
Arbus est née Diane Nemerov en 1923. Sa mère, Gertrude, a choisi le prénom de sa fille et l'a baptisée «Dee- Ann». Le talent abondait dans la famille Nemerov, un riche clan new-yorkais qui gérait Russek, un grand magasin à la mode sur la Cinquième Avenue. Le frère aîné de Diane était Howard Nemerov, poète lauréat du Prix américain Pulitzer décerné en 1988. Sa sœur cadette, Renée Sparkia, devint sculpteur et designer. Après avoir pris sa retraite de Russek, leur père, David Nemerov, a entamé une deuxième carrière de peintre.
Les dons artistiques et littéraires de Diane sont apparus très tôt. Son père l'a encouragée à devenir peintre et elle a étudié l'art au lycée. À l'âge de 14 ans, elle est tombée amoureuse d'Allan Arbus, le neveu de 19 ans de l'un des partenaires commerciaux de son père. Ses parents désapprouvaient son engouement, mais la romance fleurissait en secret. Bientôt, Diane perd son intérêt pour la peinture et pour aller à l'université, affirmant que sa seule ambition était de devenir la femme d'Allan. «Je détestais peindre et je cessais de fumer après le lycée, car on me disait constamment à quel point j'étais formidable», a-t-elle déclaré de nombreuses années plus tard. "J'avais le sentiment que si j'étais si formidable, cela ne valait pas la peine d'être fait."
Diane et Allan se sont mariées dès l'âge de 18 ans, en 1941, avec l'acceptation réticente de sa famille. Le couple a poursuivi un intérêt commun pour la photographie, transformant la salle de bain de leur appartement à Manhattan en une chambre noire à temps partiel. David Nemerov leur a confié des photos de mode pour les publicités de Russek.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Allan a servi de photographe militaire. L'une des premières photographies de l'exposition «Revelations» est un autoportrait de 1945 que Diane a réalisé pour Allan lorsqu'il était dans l'armée. Bien que enceinte de Doon, qui serait née plus tard cette année-là, sur la photo, elle est toujours mince et très belle, avec des yeux sombres et un air mélancolique et surnaturel.
Après la guerre, la carrière des Arbuses en tant que photographes commerciaux a pris son envol. Ils travaillèrent bientôt pour les plus grands magazines et agences de publicité féminins. D'habitude, Allan a photographié les images pendant que Diane proposait des idées et des accessoires intelligents. Diane s’occupe également de Doon et de leur deuxième fille, Amy, née en 1954. (Doon, 59 ans, est devenue écrivain, a collaboré à plusieurs projets de magazines avec sa mère et a ensuite publié deux livres avec le photographe Richard Avedon. Amy a suivi celle de sa mère. des pas et est devenu photographe.)
Une photo d'un père et de son fils lisant un journal, réalisée par Allan et Diane pour le magazine Vogue, figurait dans la populaire exposition «The Family of Man» du Museum of Modern Art en 1955. Mais ils étaient tous deux frustrés par les contraintes et les contraintes de la mode. travail. Diane voulait être une artiste, pas seulement une styliste, alors qu'Allan rêvait de devenir acteur. Leur mécontentement croissant a mis à rude épreuve leur mariage. Il en a été de même pour les épisodes dépressifs qu'a connus Diane, à l'instar du désespoir qui avait périodiquement paralysé sa mère. En 1956, Diane a quitté les affaires du couple afin de faire des photographies elle-même. Allan a continué à travailler sous le nom de Diane & Allan Arbus, tout en prenant des cours de théâtre et en entamant une carrière dans le théâtre.
Bien que des magazines tels que Life, Look et Saturday Evening Post aient créé un marché florissant pour la photographie, il n’ya guère d’intérêt pour les images dont le seul objectif est d’être une œuvre d’art plutôt que de documenter des réalités sociales ou de vendre des produits. Néanmoins, Robert Frank, William Klein et d'autres réfugiés du monde de la mode poursuivaient leur propre vision de ce que pourrait être la photographie. La photographie de rue, qui a découvert une beauté et une signification inattendues chez les gens et les lieux ordinaires, était une approche préférée.
Plusieurs des premières photographies de Diane Arbus dans l'exposition actuelle la montrent en train d'essayer sa propre version de la photographie de rue. Mais elle n'avait pas encore trouvé son sujet. Un tournant a été pris lorsqu'elle a suivi un cours avec la photographe viennoise Lisette Model à NewSchool à New York.
"Elle est venue vers moi et m'a dit:" Je ne peux pas photographier "", a dit plus tard Model à Doon Arbus. «Et j'ai dit: pourquoi pas? Et elle a dit: 'Parce que ce que je veux photographier, je ne peux pas photographier.' ”Model a dit à Diane de rentrer chez elle et de déterminer ce qu'elle voulait vraiment prendre en photo. «Et à la session suivante, elle est venue me voir et elle a dit:" Je veux photographier ce qui est mal. " Et c'était fini, dit Model.
"Je pense que ce qu'elle voulait dire n'était pas que c'était mal, mais que c'était interdit, que cela avait toujours été trop dangereux, trop effrayant ou trop laid pour que quelqu'un d'autre puisse le regarder", a écrit Doon dans une réminiscence publiée peu après. la mort de la mère. "Elle était déterminée à révéler ce que les autres avaient appris à tourner le dos."
Fascinée par la prise de risques, Diane embrasse depuis longtemps les attitudes de la vie à la pointe du monde de l'art à New York concernant l'argent, le statut social et la liberté sexuelle. Maintenant, elle a poursuivi le même genre de frisson dans ses photographies. «J'ai toujours pensé que la photographie était une activité coquine. C’était l’une de mes choses préférées à ce sujet. Au début, je me sentais très pervers», se souvient-elle plus tard. Model avait souvent pris des photos des quartiers les plus huppés de la ville, notamment de Coney Island et du musée d'Hubert, une manifestation de Times Square. Arbus alla encore plus loin, explorant les musées de cire, les dancings et les galeries d'art. «Mon truc préféré, cite souvent Arbus, est d'aller où je ne suis jamais allé.
Nous avons un aperçu de sa sensibilité omnivore dans les étalages de documents personnels de l'exposition. Il existe des ouvrages d'art bien écrits (sur Delacroix, Picasso, Bérénice Abbott, El Greco) et des textes à la fois pesants (essais philosophiques de Schopenhauer) et branchés (poème épique de Allen Ginsberg, Howl ), ainsi que des listes d'idées de projets («séance, gypsies, tatouage, etc. opéra ouvrant dans les coulisses »), recueils de coupures de journaux (« Une femme torturée par un ITCH agonisant ») et des souvenirs de personnages étranges (« Le dirigeable humain », d'une capacité de 942 livres). La création d’un de ses tableaux d’affichage associe ses propres photographies (d’un monstre de cirque à trois yeux et de sa femme, d’une jolie fille et de sa mère) à des cartes postales, des instantanés, des photos de tabloïd (une momie non emballée, un hargneux J. Edgar Hoover). et un panneau déchiré par un avertissement de la bande dessinée "Orphan Annie": "Les meilleures choses qui vont trop loin sont mauvaises."
En 1959, les Arbus se séparèrent et Diane s'installa dans une petite remise à Greenwich Village avec leurs deux filles. Sa nouvelle situation et sa détermination à être indépendante ont créé une pression sur elle pour augmenter ses revenus. Heureusement, de nouvelles opportunités s'ouvraient. Certains magazines commençaient à publier un type de journalisme plus personnel et romanesque, qui nécessitait un nouveau type de photographie délibérément astucieux pour le compléter. À l’automne 1959, Diane obtient son premier article de magazine, un essai photographique sur New York City pour Esquire, qui comprend les portraits d’un excentrique de Skid Row, un artiste du spectacle indirect connu sous le nom de Jungle Creep, un jeune homme mondain et un cadavre anonyme.
Cependant, les images ne présentaient pas l’aspect distinctif que nous associons généralement à Arbus. Dans les années 50 et au début des années 60, elle utilisait une caméra 35 millimètres et un éclairage naturel. Son travail de cette période montrait l'influence de Model, Robert Frank et d'autres praticiens de la photographie de rue. Comme eux, elle a privilégié les surfaces floues et les textures granuleuses, bien loin du style soigné des photographies commerciales classiques.
Puis, vers 1962, elle a opté pour un appareil photo au format 2 1/4, ce qui lui a permis de créer des images plus nettes avec des détails brillants. Décrivant cette période plusieurs années plus tard, elle a rappelé qu'elle en avait assez des textures granuleuses et qu'elle souhaitait «voir la différence entre la chair et la matière, la densité de différentes choses: l'air, l'eau et le brillant». Elle a ajouté: «J'ai commencé à être terriblement excité par la clarté. "
Ce changement n'était pas simplement une question de taille de la caméra ou de choix d'éclairage (elle a plus tard ajouté un flash stroboscopique). De plus en plus, Arbus a noué des relations intenses avec les personnes à qui elle a photographié le sujet de son travail - sa curiosité pour les détails de leur vie, leur volonté de partager leurs secrets et le malaise palpitant qu'elle a ressenti au cours de ces rencontres. "Je pourrais jurer, dit-elle, hypnotiser les gens", aurait déclaré un collègue photographe, Joel Meyerowitz, dans la biographie non autorisée d'Arbus publiée par Patricia Bosworth en 1984. "Elle commencerait à leur parler et ils seraient aussi fascinés par elle que par elle." Ce sens de la mutualité est l'un des éléments les plus frappants et originaux des photographies d'Arbus, leur donnant une lucidité et une focalisation qui sont autant psychologique comme photographique.
Lecteur du traité sur la religion et la mythologie de Freud, Nietzsche et James Frazer, The Golden Bough, Arbus observait les artistes de cirque, les excentriques, les nids et les travestis qu'elle photographiait à la fois comme des personnages fascinants de la vie réelle et des personnages mythiques. À travers eux, elle a trouvé le moyen de toucher encore plus de gens et de lieux, loin de son propre passé. "J'ai appris à franchir la porte, de l'extérieur vers l'intérieur", écrit-elle dans une demande de bourse en 1965. «Un milieu en mène à un autre. Je veux pouvoir suivre.
Son intelligence et sa beauté elfique se sont révélées des atouts précieux. Et son enthousiasme pour ceux qui la trouvaient extraordinaire lui permettait d'entrer dans le boudoir d'une femme imitatrice, dans la chambre d'hôtel d'un nain et dans d'innombrables autres endroits qui auraient été fermés à un photographe moins persistant et moins attrayant. Une fois qu'elle a obtenu l'autorisation de prendre des photos, elle risque de passer des heures, voire des jours, à photographier ses sujets encore et encore.
Ses sujets sont souvent devenus des collaborateurs dans le processus de création, parfois pendant de nombreuses années. Par exemple, le nain mexicain qu'elle a photographié dans une chambre d'hôtel en 1960 apparaît encore dans ses photographies dix ans plus tard. Et elle a d'abord photographié Eddie Carmel, qu'elle a appelé le géant juif, avec ses parents en 1960, dix ans avant qu'elle ne réalise enfin le portrait qu'elle cherchait.
Quand Arbus se rendit à San Francisco en 1967, le photographe Edmund Shea lui présenta des "poussins hippies" qui travaillaient comme danseuses aux seins nus. Il n'était pas surpris qu'Arbus ait réussi à les convaincre de poser pour elle. «Certaines personnes aiment penser qu’elle est cynique. C'est une idée fausse totale », dit-il. «Elle était très ouverte émotionnellement. Elle était très intense et directe, et les gens s'y rapportaient. »Arbus elle-même avait des sentiments mitigés quant à sa capacité à faire ressortir ses sujets. «Une sorte de double visage», a-t-elle déjà décrit elle-même: «Je m'entends dire:« C'est génial. . . . Je ne veux pas dire que je voudrais ressembler à ça. Je ne veux pas dire que j'aimerais que mes enfants ressemblent à ça. Je ne veux pas dire dans ma vie privée je veux t'embrasser. Mais je veux dire que c'est étonnamment, indéniablement quelque chose. "
Pendant plusieurs années, les photographies distinctives d'Arbus ont rencontré un franc succès auprès des éditeurs de magazines. Après ce premier essai photographique Esquire, elle a publié plus de 250 photos dans Harper's Bazaar, le Sunday Times Magazine de Londres et plus d'une douzaine d'autres magazines, et a généré des centaines d'autres photos attribuées mais non publiées. Elle a également effectué un petit nombre de commandes privées, l'une d'entre elles constituant la base d'une exposition plus petite, Arbus, qui parcourt également le pays cette année et l'année suivante. Intitulée «Diane Arbus: Family Albums», l'émission a été créée au Mount Holyoke College Art Museum, dans le Massachusetts, et présente certains portraits de célébrités publiés dans le magazine Arbus, ainsi que les feuilles de contact complètes d'une séance photo récemment découverte avec une famille de Manhattan. Le spectacle comprend des arrêts dans le Maine, l'Oregon et le Kansas.
Bien qu'Arbus considérait une grande partie de ses photographies comme une simple œuvre payante, elle a souvent convaincu les rédacteurs de magazines d'aider à financer et à obtenir l'accès à ses projets artistiques. Certaines de ses photographies les plus personnelles et les plus connues, par exemple le portrait du roi et de la reine d'une danse pour personnes âgées datant de 1970, ont été publiées pour la première fois dans des magazines à grand tirage. Dans le même temps, le monde des beaux-arts a commencé à reconnaître que les images d'Arbus étaient plus qu'un journalisme de magazine intelligent. En 1967, 32 de ses photographies ont été choisies par le MOMA pour son exposition «Nouveaux documents». Le spectacle incluait également le travail de deux autres jeunes photographes importants, Lee Friedlander et Garry Winogrand, mais Arbus attira le plus l’attention. Le magazine new-yorkais a qualifié son travail de «brutale, audacieuse et révélatrice» et Newsweek lui a attribué «la vision claire et généreuse d'un poète». Mais le critique du New York Times, Jacob Deschin, a écrit que son travail «parfois». . . frontières proches de mauvais goût », et d'autres téléspectateurs ont trouvé ses images énervantes.
«Je me souviens d’avoir consulté« Nouveaux documents »quand j’étais à l’université et avoir vu un homme cracher sur son travail», déclare Phillips de la SFMOMA. «Les gens n’avaient pas vu une image sans ambiguïté d’un homme en bigoudis avec de longs ongles fumant une cigarette, et à l’époque, cela semblait conflictuel. Maintenant, à cette distance dans le temps, cela semble plus élégant et empathique que menaçant. »Arbus trouva l'attention difficile à supporter. «La série était magnifique, mais trop d'appels et de lettres et de personnes pensant que j'étais un expert ou incroyablement aimable», a-t-elle écrit à un ami. «J'ai besoin d'être anéantie et anonyme pour être vraiment heureuse.» Elle a confié à un intervieweur de Newsweek : «J'ai toujours pensé que j'attendrais d'avoir quatre ans pour avoir un spectacle. . . Je voulais attendre d'avoir tout fait. "
Perversement, sa notoriété grandissante a coïncidé avec une baisse du nombre de missions, en partie à cause du changement de mode, en partie parce que les célébrités avaient peut-être peur d'être photographiées par une femme qui était en train de devenir renommée (comme le disait un critique) Pour compliquer encore les choses, Allan, avec qui elle est restée proche, a déménagé en Californie en 1969 pour poursuivre une carrière d'actrice à temps plein. Il a finalement travaillé dans des dizaines de films et, à partir de 1973, il a joué un long rôle dans la série télévisée populaire «M * A * S * H» en tant que psychiatre, le Dr Sidney Freedman.
Dans l’espoir de gagner un revenu, Diane a lancé son projet de vendre une édition limitée de dix de ses photographies, enfermée dans une boîte en plastique transparent pouvant servir de cadre, pour 1 000 dollars par série. Cependant, le projet était en avance sur son temps et quatre jeux seulement se sont vendus au cours de sa vie: l'un à l'artiste Jasper Johns, les trois autres à des amis proches. «Elle essayait de faire de la photographie une forme d'art avant qu'elle ne soit vraiment acceptée comme telle», déclare Phillips. Récemment, l'un des ensembles a commandé 380 000 $ aux enchères.
Mais si l'argent lui échappait, la reconnaissance n'en était pas une. Les musées ont inclus son travail dans des spectacles et les éditeurs ont demandé en vain à publier un livre de ses images. En 1971, elle a été choisie pour représenter les États-Unis à la Biennale de Venise en 1972 - le premier photographe américain à être honoré de cette manière lors de cet événement artistique prestigieux. Mais elle semble avoir considéré ces preuves de succès comme une distraction de son désir de continuer à ajouter à son catalogue photographique - elle l’appelait sa collection de papillons - des personnes étranges et intrigantes. La proposition de bourse A1971 (qui n’a pas été acceptée) décrivait le désir de photographier «La différence. Ceux de la naissance, de l'accident, du choix, de la croyance, de la prédilection, de l'inertie. ”Le défi, a-t-elle écrit, était“ de ne pas les ignorer, de ne pas les regrouper tous ensemble, mais de les regarder, de prendre conscience, de faire attention. ”
Une série de photographies de résidents d'établissements publics pour handicapés sévères a été créée en 1969. Cherchant un nouveau look, elle a eu du mal à utiliser la lumière naturelle, en combinaison avec un flash stroboscopique ou seule, "essayant de rendre mes photos nettes floues mais pas trop", a-t-elle écrit à August, son ex-mari. À la fin de l'année, elle obtenait des résultats qui l'excitaient. «J'ai pris les plus belles photos», a-t-elle raconté dans une autre lettre à Allan, les appelant «lyriques, tendres et jolies». Ces images marquent une nouvelle direction, avec leur éclairage tamisé et leur composition plus décontractée - «comme des instantanés mais en mieux». Diane a écrit. Jamais montrées de son vivant, elles figurent parmi ses photographies les plus émouvantes et les plus puissantes. Mais ni la reconnaissance qu'elle obtenait ni le travail lui-même ne pouvaient prévenir les périodes de dépression, probablement aggravées par plusieurs épisodes d'hépatite, qui la tourmentaient. En 1968, elle a décrit ses humeurs sombres à un ami comme «chimiques, j'en suis convaincu. L'énergie, une sorte d'énergie particulière, coule à flot et il ne me reste plus la confiance en moi même pour traverser la rue. »À l'été 1971, elle fut à nouveau submergée par« le blues ». Cette fois, ils furent fatals. Le 26 juillet, elle a pris une grande quantité de barbituriques et s'est ouvert les poignets. Une amie a découvert son corps dans la baignoire de son appartement WestVillage deux jours plus tard.
La mort d'Arbus et le spectacle de 1972 qui a suivi l'ont rendu célèbre comme elle ne l'avait jamais été de son vivant. Mais certains critiques ont trouvé dans son suicide des preuves que ses images reflétaient plus la pathologie que l'art. En effet, le drame de sa vie a parfois menacé d'éclipser la réputation de son travail. Cependant, quelle que soit la fusion de son art et de sa vie, l'impact des photographies d'Arbus et leur capacité à fondre le mythique avec un sens intensément personnel sont plus forts que jamais.
En donnant au public la chance de rencontrer un nombre sans précédent de ses tableaux, l'exposition «Revelations» démontre qu'elle était une artiste de premier rang et une pionnière dans la destruction des murs séparant la photographie de la peinture et du reste beaux-Arts.
L'émission demande également si l'intimité inquiétante qui est encore parfois perçue comme une faiblesse n'est pas une source de pouvoir artistique dans les images d'Arbus. Dans son essai de catalogue, Phillips note la grande valeur que le monde de l'art des années 1960 place dans un travail «assertif, voire arrogant et méfiant vis-à-vis du contenu», en particulier du contenu qui sentait l'émotion ou la narration. Selon cette norme, le travail d'Arbus pourrait facilement être rejeté comme trop personnel, trop névrotique. Au 21ème siècle, cependant, avec son identité personnelle et ses problèmes narratifs essentiels pour les artistes, Arbus est devenu un innovateur audacieux.
«Je n'ai jamais été touché par aucun autre artiste comme par Arbus», explique Rosenheim, du Metropolitan Museum. «Ses images ont ce pouvoir qui est la corrélation exacte de la relation intime qu'elle a dû avoir avec ses sujets. Elles affectent à jamais votre façon de regarder le monde. »Qu'il s'agisse d'un homme tatoué, d'un drag queen ou d'un bébé en pleurs, Arbus photographie plus d'elle, plus nous regardons ses images, plus nous avons le sentiment qu'elles nous regardent.
