Lorsque le conservateur du Smithsonian, Abraham Thomas, s’est rendu compte que le Renwick Invitational de 2018 serait ouvert juste après les élections de mi-mandat, il savait qu’il souhaitait que l’exposition devant jury ne se limite pas à la présentation d’artistes en plein essor ou émergents. Il a estimé que cela devrait dire quelque chose à propos de l'époque - et les quatre artistes sélectionnés pour «Disrupting Craft», visibles jusqu'en mai 2019, font de grandes déclarations sur leur position.
Thomas, avec la commissaire indépendante Sarah Archer et Annie Carlano, conservatrice principale du Mint Museum, ont choisi les artistes en grande partie à cause de leur activisme politique et de leur engagement communautaire. La galerie Renwick, dit Thomas, est le cadre idéal pour encourager les visiteurs à approfondir certains des grands débats du moment.
Les musées du Smithsonian "sont des espaces civiques importants où nous devrions pouvoir créer un environnement sûr où nous pourrons avoir des conversations différentes", déclare Thomas. Il espère que l'émission touchera le public à propos des «questions qu'elle soulève au sujet de l'immigration ou de l'identité culturelle complexe».
Une masse de têtes humaines en céramique désincarnées empilées au hasard dans la première galerie constitue un exemple frappant. Le spectateur est confronté aux figures chauves, toutes avec une physionomie légèrement différente et dans les différentes nuances de la peau humaine - marron et noir et parfois blanc. L'assemblage du céramiste Sharif Bey, intitulé Assimilation? Destruction? porte principalement sur la mondialisation et l’identité culturelle. C'est aussi une référence à l'identité de Bey en tant que potier et artiste de couleur.
Un assemblage d' assimilation? Destruction? par le céramiste Sharif Bey, traite principalement de la mondialisation et de l'identité culturelle. C'est aussi une référence à l'identité de Bey en tant que potier et artiste de couleur. (SAAM, photographie de Libby Weiler) La pièce n’est jamais la même dans aucune exposition: les quelque 1 000 têtes de pincement sont amenées dans une poubelle dans une galerie et sont «vidées sans ménagement», explique Bey, qui présente une vidéo du processus. Les têtes se cassent, se cassent et se font pilonner en petits fragments. Au fil du temps, dit-il, la pièce qu'il a créée pour son projet de thèse de maîtrise en 2000 sera transformée en sable. En fin de compte, l' assimilation? Destruction? signifie que «vous êtes tout et que vous n'êtes rien en même temps». Avec ses formes collectives et individuelles changeantes, l'assemblage est aussi «un commentaire sur ce que signifie être une personne transitoire», dit-il.
Bey, 44 ans, a fait ses propres migrations - sortant d'un quartier ouvrier de Pittsburgh vers les incubateurs artistiques de cette ville, prenant des cours au Carnegie Museum of Art et ayant été sélectionné pour un prestigieux apprentissage parascolaire à la Manchester Craftsmen's Guild. Il s'agissait d'un nouveau cheminement de carrière, peut-être jusqu'alors méconnu, pour un enfant de 11 frères et sœurs dans une ville industrielle. Actuellement double professeur au Collège des arts et de l'éducation de l'Université de Syracuse, il n'a jamais perdu le contact avec son premier amour: fabriquer des pots fonctionnels, dont certains sont inclus dans le spectacle Renwick.
Pot sculpté bleu de Sharif Bey, 2007 (Collection de l'artiste) «Nous avons tous des antécédents en tant que décideurs», explique Bey. «Mon orientation est le navire», dit-il, ajoutant que, aussi loin que se souviennent ses souvenirs, travailler avec de l'argile a été thérapeutique. Il travaille souvent dans son salon tout en veillant sur ses enfants - cela l'aide à éviter la culpabilité qu'il ressent en studio, ce que sa femme dit être comme ses petites vacances, dit-il en riant.
Tanya Aguiñiga, 40 ans, a également utilisé son art pour examiner son histoire. Américaine d'origine mexicaine, née à San Diego et qui a grandi au Mexique à une distance de la frontière américaine, elle est une activiste sans vergogne et énergique - un élément nourri de son expérience au sein de l'atelier d'art frontalier / Taller de Arte Fronterizo lorsque elle était une étudiante de 19 ans. Après avoir obtenu son Master en design de mobilier de la Rhode Island School of Design, Aguiñiga a raté son pays natal. Une bourse d’artistes américains ciblée en 2010 lui a donné la liberté de retourner apprendre le tissage et la broderie d’artisans autochtones.
Border Quipu / Quipu Fronterizo de Tanya Aguiñiga, 2016 (Collection de l'artiste) Sa dernière pièce, Quipu Fronterizo / Border Quipu est issue de son projet, AMBOS - Art Made Between Opposite, et d'un jeu de mots - ambos signifie «nous deux» en espagnol - et est une collaboration artistique le long de la frontière. Quipu signifie un système d’organisation historique de l’enregistrement des Andes précolombien. Aguiñiga a commencé son Quipu au poste-frontière de San Ysidro à Tijuana en août 2016, après les déclarations désobligeantes du candidat à la présidence Donald Trump au sujet des Mexicains.
Elle et les membres de l'équipe AMBOS ont circulé parmi la plupart des Mexicains qui attendaient de traverser pour se rendre aux États-Unis, ou qui vivaient ou travaillaient à proximité, et leur ont demandé de prendre deux bandes de tissu de rayonne extensible coloré pour nouer des nœuds dans une sorte de réflexion sur les relations entre les deux pays., et pour répondre à une carte postale qui demandait: ¿Que deviendrais-nous? / Quelles sont vos pensées lorsque vous traversez cette frontière?
L'artiste avait ses propres sentiments concernant la frontière - qu'elle traversait chaque jour pour aller à l'école à San Diego, où elle était née et où sa grand-mère la veillait pendant que ses parents travaillaient en ville. En créant le Quipu, explique Aguiñiga, «j’ai pensé à combien d’entre nous effectuons ce trajet tous les jours et combien c’est si stigmatisant.» L’attente pour les passages à niveau est longue et les Mexicains sont interrogés de manière exhaustive avant d’être autorisés à entrer aux États-Unis. cette chose vraiment étrange où vous sentez que vous faites quelque chose de mal, même si vous n'êtes pas », dit Aguiñiga.
Untitled (Driftless) de Tanya Aguiñiga, 2013 (Collection de l'artiste) «Je voulais avoir une idée de ce que les gens ressentaient parce qu'il y avait tellement de haine qu'on nous jetait dans la rue», a déclaré Aguiñiga, qui a publié les cartes postales sur un site Web. Les brins noués ont été recueillis auprès des navetteurs et affichés sur un panneau d'affichage au poste frontière. L'assemblage de nœuds - reliés entre eux en de longs brins - et de cartes postales est à la fois méditatif et émouvant. Une réponse par carte postale a canalisé les pensées d'Aguiñiga: «Deux pays indivisibles à jamais liés par un 1.»
Aguiñiga a depuis recréé le projet Quipu aux passages frontaliers le long de la frontière. «Pour l’essentiel, les États-Unis pensent que la frontière est un endroit vraiment séparé, noir et blanc, et ce n’est pas le cas. C'est comme une famille qui va et vient », dit Aguiniga.
Stephanie Syjuco, 44 ans, née aux Philippines, perce également les perceptions sur la culture et les «types», utilisant souvent la technologie numérique pour commenter, de façon légèrement insolente, la façon dont les téléspectateurs considèrent les images générées par ordinateur comme étant «réelles». The University of California, Berkeley Le professeur assistant de sculpture n’est pas un artiste artisanal traditionnel, mais a été choisi, dit le conservateur Thomas, pour «la manière dont l’artiste exploite la boîte à outils conceptuelle de l’artisanat et l’utilise pour interroger les questions relatives à l’identité culturelle et à l’histoire culturelle».
Cultes du fret: paquet de têtes par Stephanie Syjuco, 2016 (Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, Philadelphie) Syjuco se moque de la façon dont l’Occident perçoit et consomme l’ethnie dans Cults Cargo: Bundle Head et Cults Cargo: Java Bunny . Syjuco, en tant que sujet, est vêtue d'une variété de tissus à motifs ressemblant à des motifs «ethniques» et de «bijoux» élaborés. Les tissus ethniques sont des imitations de fiction, souvent numérisées. Les tissus ont été achetés chez des détaillants de centres commerciaux et l'un des «bracelets» autour de ses bras est un cordon acheté dans un magasin d'électronique. Dans Java Bunny, Syjuco est posé contre divers tissus à motifs noirs et blancs, mais une balise «Gap» est visible. L'artiste dit avoir été inspirée par une technique graphique - le camoflauge éblouissant - utilisée sur les cuirassés de la Première Guerre mondiale pour confondre les artilleurs ennemis.
«Ils sont une projection de ce à quoi la culture étrangère est censée ressembler», dit-elle, tout comme des images ethnographiques du XIXe siècle. Ces images représentaient souvent de «vrais» natifs, mais la notion de «natif» n'est pas simple. L'idée d'authenticité "est toujours en mouvement", dit Syjuco. Les Philippines, par exemple, sont un hybride de ses colonisateurs: l'Espagne, le Japon et l'Amérique. «Je ne dis pas que toute la culture est faite. C'est juste qu'il y a une lentille à travers laquelle la culture est filtrée, donc le spectateur raconte beaucoup. »
Études d'étalonnage neutres (ornement + crime) par Stephanie Syjuco, 2016 (Collection de l'artiste et Nion McEvoy. Photo de Libby Weiler) Dustin Farnsworth, 35 ans, a récemment commencé à mettre l'accent sur les stéréotypes culturels. L'artiste a passé une partie de sa carrière à examiner l'impact du déclin de l'industrie et de la récession sur son Michigan natal.
Il a construit des pièces architecturales massives qui se sont agencées au-dessus de têtes de jeunes sculptés ressemblant à des mannequins. L’effet était de transmettre de manière éclatante les conséquences lourdes du déclin industriel et civilisationnel sur les générations à venir. Plusieurs sont en vedette dans le spectacle Renwick.
Mais une résidence d'artiste en 2015 à Madison, dans le Wisconsin, a changé d'orientation. Il est arrivé peu après que la police eut tiré sur l'afro-américain Tony Robinson, âgé de 19 ans et non armé. Puis, en 2016, alors qu'il se trouvait dans une résidence d'artiste similaire à Charlotte, en Caroline du Nord, la police a tué Keith Lamont Scott, également un homme noir. Les deux fusillades ont intensément résonné dans les communautés.
«C’était comme si c’était tellement plus important que ce que j’avais inventé et projeté», dit Farnsworth, portant un chapeau de camionneur orné du logo «Dismantle White Supremacy».
Promontory de Dustin Farnsworth, 2013 (Collection de l'artiste) Peu de temps après ces résidences, il crée WAKE . Avec ses rayures noires en diagonale faisant référence au drapeau américain, il comporte des dizaines de masques en forme de crâne sculptés dans de l'Aqua-Resin et affichés en rangées répétitives sur un fond blanc. C'était la réponse puissante de Farnsworth à l'effet paralysant de multiples fusillades dans les écoles. WAKE, dit-il, rappelle les multiples définitions et utilisations du mot - il peut s'agir d'une veillée pour les morts ou pour sortir d'un sommeil; et l'expression «réveillé» est un terme utilisé dans les cercles de justice sociale pour signifier être au courant, un usage qui découle du mouvement Black Lives Matter.
Farnsworth a collaboré avec le peintre d'enseignes Timothy Maddox pour créer WAKE II, une pièce massive de 9, 5 mètres sur 26 pieds dans l'exposition de Renwick. Les masques de mort-crâne reviennent, avec des centaines de personnes sur un fond coloré de banderoles de slogans qui se chevauchent: «Démantèlement de la suprématie blanche», «Pas de justice, pas de paix» et, entre autres, «Aucune police raciste». La taille immense de la pièce n'est pas un hasard.
«Les monuments commémoratifs m'intéressent beaucoup», déclare Farnsworth. WAKE II était également censé être dans la peau de votre visage, une façon de faire parler de lui en matière de fusillades par la police et de justice sociale. «Nous sommes nombreux à le faire sous le tapis», dit-il.
Il s'éloigne maintenant des morts pour élever les vivants. La Reconstruction des Saints est sa première tentative. C'est son David, destiné à confronter les Goliaths des monuments confédérés, dit Farnsworth. Le buste héroïque en bronze d'un garçon afro-américain qui reflète le ciel est sa tentative de sanctifier la jeunesse d'une minorité, dit Farnsworth.
WAKE II de Dustin Farnsworth et Timothy Maddox (Collection de l'artiste) Les réactions aux saints à l'époque où elle se déroulait - principalement dans les Carolines - étaient extrêmement fanatiques, dit-il. Cette attitude "est quelque chose qui doit être affronté, et je cherche toujours le meilleur moyen de le faire", dit Farnsworth.
Thomas explique que lui et ses collègues conservateurs ont choisi Farnsworth et les trois autres artistes en grande partie pour leur volonté de faire face aux attitudes et aux conventions établies.
«Le travail présenté ici nous offre des moments de contemplation sur le monde en mutation rapide qui nous entoure et bouleverse le statu quo pour nous rapprocher, modifier nos perspectives et nous conduire vers un avenir plus empathique et compatissant», a-t-il déclaré.
"Artisanat perturbateur: le Renwick Invitational 2018", organisé par Abraham Thomas, Sarah Archer et Annie Carlano, est présenté jusqu'au 5 mai 2019 à la Renwick Gallery du Smithsonian American Art Museum, située à Pennsylvania Avenue, à 17th Street NW, à Washington, DC
