Qu'est-ce qui rend les petits musées insolites si attrayants? C'est peut-être parce qu'ils remontent à l'Antiquité, lorsque les temples gréco-romains exposaient à la fois des œuvres d'art merveilleuses et des reliques païennes: la lance d'Achille, la sandale d'Helen of Troy ou les "os de géants" (généralement des restes de mammouth pétrifiés). Les cathédrales médiévales perpétuent la tradition: des coquilles de tortues ou des "oeufs de griffon" (en réalité ceux des autruches) peuvent être placés à côté des reliques de saints. À la Renaissance, les princes italiens ont commencé à assembler des cabinets de curiosités, des expositions éclectiques pouvant inclure toute création de l'homme ou de la nature: momies égyptiennes, perles, sculptures classiques, insectes, coquillages géants ou "cornes de licorne" (le plus souvent de narvals). La manie des collectionneurs italiens s'est répandue, de sorte qu'à la fin du XVIIIe siècle, il y avait des milliers de galeries privées dans des foyers aisés de toute l'Europe. Lors de leurs grandes tournées sur le continent, les voyageurs pouvaient se déplacer d’un salon à l’autre en parcourant des objets magnifiques et mystérieux.
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Au milieu des années 1800, des institutions publiques telles que le Louvre, le British Museum et le Prado de Madrid avaient commencé à acquérir ces collections privées, dont beaucoup avaient été héritées par des membres de la famille qui n'avaient ni les fonds ni l'enthousiasme nécessaires pour les entretenir. Pourtant, malgré l'avantage financier des grands musées, les petits musées ésotériques ont tenu bon. En fait, l'Europe en est toujours pleine et suscite un dévouement que leurs homologues plus grands n'ont souvent pas.
Beaucoup de ces petites collections sont toujours hébergées dans les maisons d'origine de leurs propriétaires et reflètent leur personnalité. Un certain nombre d’entre eux possèdent des collections qui occuperaient une place de choix dans les grands musées, mais les environnements domestiques permettent un sentiment d’intimité difficile à trouver dans de vastes galeries. Et malgré leurs particularités, ces musées de la maison constituent souvent une entrée rare dans l'histoire et le caractère d'une ville. Voici quatre favoris:
Londres
Musée Sir John Soane
C'était une soirée humide à Londres lorsque j'ai traversé la grande place verdoyante de Lincoln's Inn Fields vers une rangée de bon goût de maisons de ville de couleur géorgienne. En regardant de plus près, la façade du n ° 13 annonçait qu'il ne s'agissait pas d'une maison ordinaire: quatre socles gothiques encastrés dans la loggia ou véranda italienne en pierre de Portland crémeuse, tandis qu'une paire de répliques de caryatides grecques anciennes était montée au-dessus. Mais ces fleurissements ne faisaient que faire allusion au monde merveilleux qui se trouvait dans l'ancienne maison de Sir John Soane (1753-1837), l'un des architectes les plus distingués de Grande-Bretagne et des collectionneurs assidus. Soane a non seulement transformé sa maison en un musée privé somptueux, mais il a assuré que rien ne pourrait être modifié après sa mort. En conséquence, le musée Sir John Soane est peut-être la destination la plus excentrique dans une ville qui regorge d'attractions excentriques. En le visitant, vous avez l’impression que Soane lui-même pourrait s’immiscer à tout moment pour discuter des classiques au-dessus d’un brandy. Pour préserver l'intimité de l'expérience, seuls 50 visiteurs sont autorisés à l'intérieur à la fois. Et l'évocation d'un temps passé est encore plus intense si vous visitez - comme je l'ai fait - le premier mardi soir du mois, lorsque le musée est presque entièrement éclairé par des bougies.
Quand j'ai sonné, l'imposante porte en bois s'est ouverte pour révéler un monsieur aux cheveux gris qui aurait très bien pu être le majordome de Soane. Pendant que je signais dans le registre des invités, un préposé s'est emparé de mon manteau et de mon parapluie pour le prendre en lieu sûr. J'ai ensuite été introduit dans un salon rouge pompéien.
"J'espère que vous apprécierez la maison", murmura la préposée.
Sur chaque table et sur chaque cheminée, des bougies flambaient dans des cylindres de verre. Alors que je descendais avec précaution dans un passage, mes yeux se sont ajustés à la lumière et j'ai commencé à faire des arrangements d'objets et de meubles qui ont à peine changé en 170 ans. La maison est un labyrinthe au design complexe, rempli d'art: bustes classiques, fragments de colonnes et frises grecques, vases chinois et statues de dieux grecs et romains, y compris un casting du célèbre Apollon Belvedere . À peine un pouce d’espace mural a été gaspillé, et pourtant l’effet n’est pas claustrophobe: arches et dômes s’élèvent vers le haut, miroirs convexes offrant une vue imprenable et balcons bâillant au-dessus des cours intérieures. Comme tout bon cabinet de curiosité, les étalages incluent également des curiosités telles qu'un "grand champignon provenant des roches de l'île de Sumatra" (comme Soane l'a décrit dans son propre inventaire de 1835) et une branche d'aspect particulier d'un frêne. Ajoutant au sens du mystère, et conformément aux souhaits de Soane, il n’ya pas d’étiquettes sur les artefacts, bien que certaines informations soient maintenant fournies sur des "chauves-souris" en bois tenues à la main qui sont discrètement posées sur des tables dans chaque pièce.
"Les gens réagissent vraiment aux soirées aux chandelles", a déclaré Tim Knox, directeur du musée. En fait, les gardiens, comme on appelle les gardes du musée, ont commencé à éteindre les lumières pendant la journée, me dit-il, "pour améliorer l'ambiance d'époque. La pénombre permet aux gens de vraiment regarder les expositions".
Soane a été le principal architecte britannique pendant près de cinq décennies et ses nombreuses commandes ont été réparties dans tout Londres: la Dulwich Picture Gallery; l'Hôpital Royal de Chelsea; Manoir de Pitzhanger. (Même les emblématiques cabines téléphoniques rouges britanniques ont été inspirées par la conception de Soane pour la tombe de sa femme à St. Pancras Gardens.) Mais c'était dans sa propre maison - conçue pour souligner ce que Soane appelait les "effets fantaisistes qui constituent la poésie de l'architecture" - sa créativité a été laissée libre. De 1792 à 1824, Soane a acheté, démoli et reconstruit trois hôtels particuliers situés le long de la place, du n ° 12 au 13 et au 14. Au début, ils étaient à la maison pour lui-même, sa femme et leurs deux fils, mais à partir de 1806, lorsqu'il fut nommé professeur d'architecture à la Royal Academy, il commença à les utiliser pour afficher ses conceptions et modèles architecturaux. Avec le temps, sa collection croissante d’antiquités est devenue plus importante et, avec une inventivité sans fin, il a redessiné ses intérieurs pour mettre en valeur les artefacts.
Les objets ont été placés de sorte que chaque tour offre une découverte. Une minute, vous affrontez une splendide statue romaine en marbre de Diane d'Éphèse. Le lendemain, vous entrez dans la salle des images, bordée de peintures telles que Hogarth's Rake's Progress, une série de huit images retraçant le déclin d'un jeune aristocrate hédoniste. À peine avez-vous fini d'admirer une série de dessins piranés de ruines romaines qu'un gardien ouvre un panneau dans le mur pour révéler un groupe de peintures de Joseph Michael Gandy, le dessinateur de Soane. Peter Collins, le gardien aux modèles gris, porte un œillet dans son revers et un mouchoir rouge dans sa poche supérieure. Il travaille au musée depuis dix ans et connaît son public. Il marque une pause avant d'ouvrir un autre panneau, révélant cette fois un balcon donnant sur la collection médiévale, appelée Par-Lour du moine, remplie de fragments gothiques et de gargouilles grimaçantes. Dans une alcôve à proximité, une nymphe de bronze aux seins nus pose timidement à la hauteur des yeux au-dessus d'un modèle réduit de la plus impressionnante réussite architecturale de Soane, la Banque d'Angleterre. (La banque, sur laquelle il a travaillé pendant 45 ans, a été démolie comme démodée dans les années 1920 - un geste que beaucoup d'historiens de l'architecture considèrent comme une parodie.)
Le clou de la collection se trouve au sous-sol, où l'art funéraire encombre le sarcophage en albâtre du pharaon égyptien Seti I - la fierté et la joie de Soane, achetée en 1824 pour la somme de 2 000 £ (environ 263 000 $ aujourd'hui) à l'aventurier italien Giovanni Belzoni. . En 1825, Soane organisa une série de «parties de sarcophage» aux chandelles pour célébrer son arrivée. Des personnalités comme le duc de Sussex, l'évêque de Londres, le poète Samuel Coleidge et le peintre paysagiste JMW Turner ont assisté à ces extravagances sociales. Barbara Hofland, une invitée, aurait écrit que lors de l'événement, des personnages émergeaient comme des fantômes des "masses d'ombres profondes" et des bougies brillaient "comme des halos lustrés autour de têtes de marbre, créant un effet" comme dans un rêve de l'elysium du poète. "
Parmi les nombreuses statues du musée, il est facile de rater le buste de 1829 de Soane lui-même au premier étage, placé au-dessus des statuettes de Michel-Ange et de Raphaël. Fils de briquetier, Soane est issu de modestes origines. pour son habileté à dessiner, il a remporté une bourse pour effectuer une tournée en Europe, ce qui lui a permis de visiter l'Italie et de développer une passion pour l'art gréco-romain. Lorsqu'il mourut à l'âge de 83 ans, Soane était l'un des personnalités les plus distinguées de Grande-Bretagne. Comme l'a écrit Hofland, il parle des invités du sarcophage, apparemment "épargnés des maux communs de la vie, mais éveillés à toutes ses sensibilités généreuses. "
Cette heureuse impression est renforcée par un dessin de la famille réalisé par Gandy en 1798: Soane et son épouse, Elizabeth, mangent des petits pains beurrés, tandis que leurs deux jeunes fils, John et George, se pavanent à proximité. Bien sûr, Soane n'était pas plus à l'abri des caprices du destin que le reste d'entre nous. Son ambition la plus chère était de fonder une "dynastie d'architectes" par l'intermédiaire de ses fils, mais John a été frappé par la consommation et George a grandi pour devenir un véritable pirate, accumulant d'énormes dettes et même publiant des attaques anonymes contre l'architecture de son père. . De plus, Soane n’a peut-être pas été le père le plus facile. "Il pourrait être un homme de grand charme", dit l'archiviste du musée Susan Palmer, "mais il était aussi très motivé, très susceptible et très maussade, avec une vraie puce sur l'épaule de ses pauvres origines."
Craignant que George vende sa collection à sa mort, Soane s'en servira pour le perpétuer dans son testament et réussit à obtenir une loi du Parlement en 1833 afin de s'assurer que sa maison resterait, comme il l'écrivait, pour "Amateurs et étudiants en Peinture, sculpture et architecture. " En conséquence, la Soane Foundation gère le musée de Soane à ce jour. Toutefois, dans les années 1940, le gouvernement britannique a pris en charge les coûts de maintenance afin de le rendre gratuit pour le public, comme il l'a été depuis la mort de Soane en 1837. " Dieu merci, M. Soane n’a pas discuté avec le jeune George, "observa l’un des gardiens en riant. "Je serais sans emploi!"
Je traînai dans la pénombre, récupéra mon manteau et mon parapluie et me dirigeai vers la Ship Tavern, un pub du XVIe siècle au coin de la rue. En fouillant dans une tourte de berger, je me suis rappelé les mots de Benjamin Robert Haydon, un autre invité du parti des sarcophages: "C’était amusant de voir les gens entrer dans la bibliothèque après avoir erré au-dessous, parmi les tombeaux, les chapiteaux et les arbres, et des têtes nues, avec une sorte d'expression de soulagement ravi de se retrouver parmi les vivants, avec du café et des gâteaux. "
Paris
Musée Jacquemart-André
Il existe des dizaines de petits musées disséminés dans tout Paris et leurs clients les plus dévoués sont les parisiens eux-mêmes. Certains ont d'importantes collections, comme le musée Carnavalet, spécialisé dans l'histoire dramatique de la ville, qui abrite notamment un buste de Marat, un modèle de la Bastille et des mèches de cheveux de Marie-Antoinette. D'autres sont d'anciennes résidences d'artistes et d'écrivains français sacrés - l'atelier de Delacroix, l'appartement de Victor Hugo et la séduisante Maison Balzac, dont l'exposition la plus illustre est la cafetière monogrammée de l'auteur.
Mais aucun n'inspire autant de fidélité que le Jacquemart-André.
Si le musée Sir John Soane distille le génie excentrique de Londres, le musée Jacquemart-André est à la hauteur du bon goût, du bon goût. Plus qu'un musée de maison qu'un musée de maison, il abritait néanmoins les connaisseurs Édouard André et sa femme, Nélie Jacquemart, un couple fabuleusement riche qui, dans les années 1880 et 90, construisit son propre univers d'art et de beauté sur le boulevard Haussmann. - une avenue à la mode sur la rive droite, non loin des Champs-Élysées - regorgeant de chefs-d'œuvre que les conservateurs du Louvre convoitent sans aucun doute à ce jour.
À première vue, le musée ne pourrait être plus différent de celui de Soane. Débordant de couleurs, il dégage une sensation d'espace luxuriante. Mais pas moins que celui de Soane, il ramène les visiteurs à une autre époque - en l'occurrence, le Paris de La Belle Époque, lorsque la ville s'épanouit en tant que capitale de l'élégance de l'Europe, et jusqu'à l'âge d'or encore plus ancien de Louis XV et de Louis XVI.
À peine un pas de l'ancienne allée de carrosses dans une cour traditionnelle que le bruit de la circulation parisienne s'estompe. En montant de larges marches de pierre ornées de lions sculptés, on ressent un privilège, comme un invité invité à une soirée privée. À l'intérieur, on aperçoit un portrait en trois-quarts du maître lui-même, Édouard André, une figure fringante en uniforme de la garde impériale sous l'empereur Napoléon III, avec brocart en or et culotte écarlate. Une gardienne soignée fait entrer les invités dans la galerie de photos, où la séduction continue. André se passionnait pour l'art français du XVIIIe siècle, alimenté par sa nostalgie des temps d'avant la Révolution, et le premier étage lui est consacré. Sur des toiles aux cadres dorés, des déesses voluptueuses flottent nues sur des nuages et des enfants à joues roses posent avec des oiseaux et des chatons. Un visiteur quitte le grand salon doré pour se rendre dans la flambée de la salle de musique, où des invités formels se sont une fois rassemblés pour des concerts, puis dans le jardin d'hiver au toit de verre, rempli de plantes exotiques et de marbre étincelant, où se déploie un double escalier extravagant qui mène au deuxième étage.
Et ainsi la maison se dévoile, offrant une galerie éblouissante après une autre. La bibliothèque, où Édouard et Nélie ont parcouru les catalogues d'art et consigné leurs achats, abrite un ensemble de peintures hollandaises de classe mondiale, dont trois Rembrandt et trois Van Dyck. Céramiques japonaises et antiquités perses animent le fumoir, où Édouard se retirerait après le dîner avec ses compagnons masculins pour fumer des cigares et discuter des problèmes du jour, tandis que le Tapestry Room, utilisé pour les réunions de travail, est rempli de scènes de la vie paysanne russe par la tapisserie de Beauvais en 1767. Une fresque espiègle de Tiepolo sur le mur de l'escalier monte au deuxième étage et montre l'arrivée d'Henri III à Venise. L'étage supérieur est consacré au "Musée italien" du couple - une pièce pour la sculpture de la Renaissance, une seconde pour l'art florentin, comprenant deux peintures de Botticelli, et une troisième pièce pour la collection bien-aimée d'André sur l'art de Venise.
Le manoir, conçu pour André par l'architecte Henri Parent, a été achevé en 1875. Le boulevard Haussmann était l'une des nouvelles adresses chics de Paris et André, l'un des célibataires les plus éligibles de la ville. Héritier d'une énorme fortune bancaire, il était devenu désillusionné de la vie publique et avait décidé de se consacrer à la collecte d'art et à la publication d'un journal sur les beaux-arts. En 1881, alors qu'il avait presque 50 ans, il épousa Nélie Jacquemart, la femme qui avait peint son portrait neuf ans plus tôt. À bien des égards, elle était un match improbable pour ce boulevardier aristocratique. Près de 40 ans, Jacquemart n'était pas une belle bourgeoisie. C’était une femme indépendante issue d’un milieu modeste - manifestement illégitime - qui s’était imposée comme portraitiste, ce qui était tout à fait inhabituel pour une femme de l’époque.
C'était un mariage basé sur des goûts partagés. Au cours de leurs 13 années de vie commune, le couple s'est rendu une partie de chaque année, le plus souvent en Italie, où il a assisté à des ventes aux enchères avec l'aide d'experts du Louvre, motivés à gagner des œuvres d'art pour la France. Après la mort d'Édouard en 1894, à 61 ans, Nélie continua de parcourir le monde, allant jusqu'en Birmanie pour ses achats. À sa mort à l'âge de 71 ans en 1912, elle fit don de la maison à l'Institut de France (organisme universitaire qui gère des fondations et des musées) à condition que la collection reste intacte, afin que le public français puisse voir, a-t-elle déclaré dans son testament, "Un couple d'amateurs d'art amateurs a vécu une vie de plaisir et de luxe."
En effet, il y a un plaisir énorme à voir les peintures et les sculptures du couple se mêler à leurs objets d'art et à leur beau mobilier dans un cadre domestique. Après un certain temps, cependant, même le meilleur goût peut être un peu dominateur. Les visiteurs ne peuvent s'empêcher de parler à voix basse pour ne pas perturber l'équilibre exquis.
Mais le manoir déborde de vie exubérante dans la salle à manger - l'ancien cœur du manoir d'origine - qui a été transformée en l'un des cafés-restaurants les plus somptueux de Paris. Dans cette chambre aérée, où le couple a diverti des amis sous de somptueuses tapisseries, on peut désormais déguster une salade niçoise et un verre de sauvignon blanc. Il y a un sentiment étrange d'être observé ici, et pas seulement par les autres convives: le plafond est une blague merveilleuse, une autre fresque de Tiepolo - celle-ci représentant une foule de nobles vénitiens se penchant sur une balustrade, montrant et souriant les convives.
Sur la cheminée se trouve un buste de Nélie Jacquemart. Elle ne correspondait souvent pas au décor branché de la ville. Plus tard dans la vie, elle s'est retirée dans son château rural, Chaalis, qui est aujourd'hui un autre grand musée de la maison à 30 miles de la ville. Mais elle était très fière de sa collection. l'imagine encore baignée dans le plaisir qu'elle crée.
Madrid
Museo Sorolla
Madrid est une ville aux façades extravagantes dont les véritables attraits se cachent derrière des portes closes. Caché derrière un mur de pierre dans l'ancien quartier ouvrier de Chamberí, à dix minutes en taxi de l'agitation de la Plaza Mayor au centre-ville de Madrid, se trouve le Museo Sorolla, baigné de soleil. Joaquín Sorolla y Bastida, l'un des peintres les plus aimés d'Espagne, est un ancien jardin de plantes et de fleurs exubérantes, une explosion de couleurs méditerranéennes et de joie de vivre .
De 1911 à 1923, cette maison de style andalou fut la résidence de l'un des artistes les plus connus au monde. Né en 1863 dans une famille modeste de Valence, Sorolla a gardé ses distances avec les mouvements avant-gardistes européens, mais a acquis une renommée internationale pour sa technique subtile, évoquant le jeu de soleil sur ses scènes de plages méditerranéennes et ses images de la vie quotidienne espagnole.
Entrer dans les limites séduisantes de l'enceinte, où Sorolla a vécu avec sa femme et ses trois enfants, est comme entrer dans l'une des peintures lumineuses de l'artiste. Avec ses fioritures maures, ses piscines tranquilles et son son d'eau toujours présente, le jardin était l'endroit où il aimait le plus peindre. Lors de ma visite, l'Arcadia privée de Sorolla était remplie d'étudiants en art sérieux qui expérimentaient l'aquarelle dans des recoins ombragés. Des marches en mosaïque mènent à la maison, dont les premières salles exposent ses œuvres, comme elles le faisaient il y a 80 ans pour des acheteurs potentiels. Les espaces de vie de la maison contiennent le mobilier Art nouveau d'origine de la famille et des lampes Tiffany. Mais le cœur émotionnel de la maison est l’atelier de Sorolla, une grande salle voûtée peinte en rouge rosé et baignée de soleil. Les chevalets de Sorolla sont prêts, comme s'il venait de faire la sieste; ses palettes, ses pinceaux et ses tubes de peinture à moitié utilisés sont à proximité. Un petit lit turc occupe un coin de la pièce et un livre de chansons du XVIe siècle est ouvert sur un support. Un dessin de Sorolla, tiré du célèbre portrait du pape Innocent X par Velázquez, préside à tous.
Sorolla a emménagé dans la maison qu'il avait construite en 1911, à l'apogée de sa carrière. Il avait alors exposé son travail de Londres à St. Louis (Missouri), plébiscité de récompenses internationales, d'intellectuels et d'artistes sympathisants, dont John Singer Sargent, peint le portrait du roi espagnol Alfonso XIII et du président américain William Howard Taft et, le patronage d’Archer Huntington, héritier de la fortune du chemin de fer, avait été chargé de peindre une vaste peinture murale de la Hispanic Society of America à New York.
Après sa mort à 60 ans en 1923, Sorolla perdit sa réputation internationale, éclipsée par le travail de post-impressionnistes tels que Cézanne et Gauguin. Comme avec son ami Sargent, de nombreux critiques ont décidé que Sorolla était trop conservateur et commercial. Mais à Madrid, le statut artistique de Sorolla n’a jamais été ébranlé et, depuis son ouverture en 1931 par sa veuve et son fils, le Museo Sorolla, qui abrite également la plus grande collection d’œuvres de son monde, a connu une profusion de pèlerins. Aujourd'hui, leur foi est justifiée; Sorolla est en train d'être réévalué par les critiques, qui le placent comme un pont entre les anciens maîtres espagnols tels que Velázquez et Goya et les post-impressionnistes. En 2006, le prestigieux musée Thyssen-Bornemisza de Madrid a accueilli "Sargent / Sorolla", une exposition retraçant les carrières parallèles du couple.
Au Museo Sorolla, comme dans tous les musées de la maison, une corde mélancolique s’intrigue: nous apprenons que l’artiste peignait un portrait dans son jardin bien-aimé en 1920 quand, à 57 ans, il a été victime d’un accident vasculaire cérébral. Bien qu'il vécut encore trois ans, il produisit peu de nouveaux travaux. Mais de telles méditations sombres ne conviennent pas à la maison, ni à l'esprit sensuel du Madrid moderne. La meilleure solution - et Sorolla lui-même l'aurait probablement accepté - consiste à se rendre dans un café voisin pour siroter un verre de vino blanco et se prélasser au soleil d'Espagne.
Prague
La maison de la Vierge noire: le musée du cubisme tchèque
Le coeur de Prague, indemne de deux guerres mondiales, ressemble à un fantasme de la vieille Europe. Des clochers gothiques encadrent des cafés Art nouveau et sur l'horloge astronomique médiévale, à côté de la maison d'enfance de Franz Kafka, sur la place de la vieille ville, une statue de la mort tire toujours sur la cloche pour marquer l'heure. Mais si vous refusez une rue baroque appelée Celetna, vous affrontez un aspect très différent de la ville: la maison noire et surprenante Black Madonna House, l'un des premiers bâtiments cubistes au monde et abritant aujourd'hui le musée du cubisme tchèque. Conçue par l'architecte praguois Josef Gocar, la maison était incroyablement moderne, voire révolutionnaire, lors de son ouverture en tant que grand magasin en 1912 - et cela semble encore être le cas aujourd'hui. La forme générale est convenablement semblable à une boîte et prévisible austère, mais en regardant de plus près, la façade est brisée par l'utilisation inventive des angles et des plans. De grandes baies vitrées font saillie comme des cristaux de quartz et une ornementation angulaire projette des ombres subtiles. L'intérieur n'est pas moins inhabituel, la ville utilisant pour la première fois du béton armé permettant la construction d'espaces ouverts généreux. Le nom particulier de la maison vient de la statue de la Vierge et de l'Enfant noires du XVIIe siècle, sauvée d'une structure précédente sur le site et désormais perchée comme une figure de proue sur un coin du bâtiment.
Mais pas même la Madone n'a pu protéger la maison des aléas de l'histoire tchèque. Après la Seconde Guerre mondiale et la montée au pouvoir des communistes, le grand magasin a été progressivement vidé et divisé en espaces de bureaux. Après la fin de la révolution de velours de 1989 sous le régime communiste, le bâtiment eut une brève vie en tant que centre culturel, mais ce n’est qu’en 2003 qu’il trouva son rôle logique dans le tissu de Prague - en tant que sanctuaire à la gloire du cubisme tchèque.
La plupart d'entre nous pensons que le cubisme est un mouvement d'avant-garde ésotérique mis au point par les artistes parisiens Pablo Picasso, Georges Braque et d'autres dans les années qui ont précédé la Première Guerre mondiale. Mais le mouvement a balayé l'Europe et a également été adopté par les capitales russes et orientales. nulle part plus avidement qu'à Prague, où le cubisme a été saisi, ne serait-ce que pour un moment incandescent, comme une clé possible pour l'avenir.
"À Paris, le cubisme n'a touché que la peinture et la sculpture", explique Tomas Vlcek, directeur de la Collection d'art moderne et contemporain de la Galerie nationale du pays, qui supervise le Musée du cubisme tchèque. "Ce n’est qu’à Prague que le cubisme a été adapté à toutes les autres disciplines des arts visuels - mobilier, céramique, architecture, graphisme, photographie. Le cubisme à Prague était donc une grande expérience, la recherche d’un style moderne qui puisse être distinctement Tchèque."
La coterie de cubistes tchèques - principalement Gocar, Otto Gutfreund et Bohumil Kubista - se sont réunis pour la première fois en 1911, fondant un magazine appelé Artistic Monthly et organisant leurs propres expositions dans les années précédant la Première Guerre mondiale. Ce fut une période d'intense optimisme et d'énergie. Prague. Cette petite métropole d'Europe de l'Est, l'une des plus riches de l'empire austro-hongrois, s'est inspirée de ses vibrantes traditions tchèque, allemande et juive pour une explosion créative. Des artistes expatriés revenaient de Paris et de Vienne pour partager de nouvelles idées radicales dans les salons; Kafka écrivait ses premières histoires cauchemardesques; Albert Einstein donnait des conférences dans la ville en tant que professeur. "C'était un peu le paradis", dit Vlcek, l'air mélancolique.
Aujourd'hui, le musée du cubisme tchèque est un sanctuaire dédié à l'apogée du mouvement (1910-19), avec le bâtiment lui-même comme exposition principale. L'entrée est une étude angulaire en fer forgé. A l'intérieur, on monte immédiatement un escalier de conception cubiste. Contrairement aux escaliers du Nu descendant un escalier de Marcel Duchamp, les marches sont heureusement égales, mais la balustrade en métal est un jeu complexe de formes géométriques. Il y a trois étages d'expositions cubistes, remplies de formes d'art uniques à Prague. Canapés élégants, coiffeuses et chaises longues partagent des lignes radicalement obliques. Il y a des sculptures et des peintures abstraites, des graphiques audacieux et zigzagants, ainsi que des vases, des miroirs et des coupes de fruits en forme de verre
Bien que ce ne soit peut-être pas strictement une maison-musée, il a une atmosphère domestique. Les nombreux portraits en noir et blanc d'artistes obscurs portant chapeaux melons et noeuds papillons révèlent une pléiade de personnages bohèmes et florissants: un canapé, nous apprenons, a été "conçu pour l'acteur Otto Boleska, " un autre pour "le professeur Zaviska. " Ce qui ressemble à une parodie d’absorption culturelle de Woody Allen reflète la nature idiosyncratique de Prague même, une ville fière de son histoire la plus mystérieuse. Et comme tous les petits musées liés par leurs origines, des caractéristiques uniques ont redonné vie aux fantômes. Les visiteurs peuvent désormais se retirer dans le restaurant cubiste d'origine, le Grand Café Orient, conçu par Gocar en 1912. Ce lieu de rencontre d'artistes, qui était autrefois très populaire, a été fermé dans les années 1920 et éviscéré pendant la période communiste, mais des chercheurs méticuleux ont utilisé les rares des photographies pour le recréer. Maintenant, après une pause de huit décennies, une nouvelle génération de bohémiens peut s'installer sous des lustres cubistes dans des chaises cubistes (pas aussi inconfortables qu'ils le paraissent) pour se disputer la politique autour d'une pinte de Pilsener non pasteurisé. Enfin, au rez-de-chaussée, le magasin du musée a reconstitué une gamme de tasses à café, vases et services à thé cubistes à partir des dessins originaux de l'architecte et artiste Pavel Janak, et propose des reproductions de meubles cubistes de Gocar et d'autres.
Après un après-midi plongé dans tous ces angles, j'ai commencé à remarquer de subtiles traces cubistes dans la corne d'abondance architecturale des rues de Prague - sur le seuil d'un ancien siège du syndicat, par exemple, et sur une élégante arche encadrant une sculpture baroque adjacente à une église. . Inspiré, j'ai décidé de chercher un lampadaire cubiste dont j'avais entendu parler, conçu en 1913 par un certain Emil Kralicek. Il a fallu lutter un peu avec les noms de rues tchèques, mais je l’ai finalement trouvé dans une ruelle de la Nouvelle Ville: cela ressemblait à une pile de cristaux placés en bout.
J'imaginais que Sir John Soane - transporté dans Prague moderne - s'arrêtait devant lui avec une admiration sans faille.
Le dernier livre de Tony Perrottet, Les Privés de Napoléon, une collection d'histoires excentriques de l'histoire, est sorti ce mois-ci chez HarperCollins.
