Pour beaucoup, Isamu Noguchi est l'inventeur de la table basse classique du milieu du siècle, celle au verre épais et à la base en bois élégamment incurvée qui fait partie de la collection permanente du Museum of Modern Art et qui est convoitée par les amateurs de design du monde entier. Noguchi est en effet une icône du design et est également considéré comme l'un des artistes les plus influents aux États-Unis. Ce que l’on sait moins, c’est que pendant la Seconde Guerre mondiale, Noguchi s’est volontairement interné pour essayer d’améliorer les conditions de vie de ses compatriotes américano-japonais, bien qu’il ait été personnellement exempté parce qu’il vivait sur la côte est.
Ce mois de février marque le 75e anniversaire de la signature du décret exécutif n ° 9066 par le président Franklin D. Roosevelt, obligeant les personnes d'ethnie japonaise de la côte ouest à se rendre dans des centres de relocalisation dans les terres pendant la durée de la guerre. Les deux tiers des personnes envoyées dans ces camps étaient des citoyens américains. Ils ne disposaient que de quelques jours pour régler leurs affaires - fermer leurs entreprises, vendre leurs maisons - et rassembler les objets personnels qu’ils pouvaient emporter.
Signé près de deux mois après Pearl Harbor, le décret 9066 est un fléau douloureux pour la démocratie américaine, synonyme d’une sombre période de xénophobie et de racisme. Considérés comme une menace pour la sécurité nationale, près de 110 000 Américains d'origine japonaise, y compris des nourrissons et des enfants, ont été évacués de chez eux, enfermés dans un fil de fer barbelé et gardés sous la menace d'un des dix camps d'internement de sept États.
Plus tard cette année-là, Noguchi, à l'époque un artiste reconnu qui avait déjà construit l'emblématique sculpture News sur la façade du 50 Rockefeller Center, alors «bâtiment de l'Associated Press», a rencontré John Collier, chef du bureau national des affaires indiennes. et a fini par se rendre au Poston War Relocation Center, dans le sud-ouest de l’Arizona. (Avec plus de 18 000 habitants, Poston était situé dans une réserve indienne du Colorado Tribe sous la juridiction de Collier.) Noguchi espérait contribuer de manière significative à la situation critique des Américains d'origine japonaise par le pouvoir social de l'art et du design - selon ses propres mots: faites partie de l’humanité déracinée. »Il a proposé d’enseigner l’artisanat japonais traditionnel et d’aménager plusieurs parcs, jardins et cimetières dans les camps. Après tout, personne ne savait combien de temps dureraient la guerre ou les camps.
Au début, écrit le biographe Hayden Herrara dans Listening To Stone: L'art et la vie d'Isamu Noguchi, l'artiste était «fasciné par le vaste paysage stérile de Poston» et «est devenu un chef de file des incursions dans le désert pour trouver des racines de bois de fer pour sculpter».
Mais au fil des semaines, l'objectif social plus large de son internement ne s'est pas déroulé comme prévu. Le matériel artistique pour ses classes ouvrières sur la céramique, l'argile et le bois n'est jamais arrivé; il n'a pu exécuter aucun des espaces publics qu'il a conçus. Et lorsque Noguchi a demandé à partir (car il s'était porté volontaire), les responsables du camp ont initialement rejeté sa demande en raison d '«activités suspectes».
Cette semaine, à l'occasion de l'anniversaire de l'EO 9066, le musée consacré à la carrière de Noguchi ouvre Self-Interned . Il explore la décision complexe prise par l'artiste d'entrer dans Poston, où il a vécu de mai à novembre 1942.
«Nous ne voulons pas donner l'impression que l'histoire de Noguchi est représentative de l'expérience américano-japonaise pendant l'internement», a déclaré Dakin Hart, conservateur en chef du musée Noguchi. Après tout, il a choisi son internement. Selon la biographie de Herrera, les autres prisonniers n'avaient pas le sentiment d'avoir beaucoup en commun avec lui, un célèbre artiste de Manhattan. «Mais son expérience est prismatique», ajoute Hart. "Et bien sûr, les choses ont changé pour Noguchi une fois sur place et il ne pouvait pas partir facilement."
«Noguchi était un patriote intense», dit Hart. «Mais un patriote de l'humanité d'abord, de la planète et de la communauté mondiale.» À bien des égards, son histoire personnelle est celle d'une «américanité» profondément typique qui sillonne les cultures et le paysage physique du pays. Né à Los Angeles d'une mère Brooklynite et d'un père qui était un poète japonais itinérant, Noguchi a fréquenté le collège et le lycée à La Porte, dans l'Indiana. Il est, selon la description de Hart, «un vrai Hoosier», au sens ancien du terme. d'être «autonome et enclin à l'efficacité». À cette époque, il s'appelait «américanisé» «Sam» Gilmour (d'après la famille de sa mère). Les biographies décrivent les années d'adolescence de la classe moyenne de Noguchi comme assez typiques, complétées par l'itinéraire papier tout américain nécessaire. De cette manière, explique Hart, la deuxième guerre mondiale était bouleversante sur le plan émotionnel, car elle opposait les deux moitiés de son identité alors qu'elles commettaient entre elles les choses les plus inhumaines et imaginables qui soient.
Porte, Isamu Noguchi, 1964, en acier inoxydable (© Fondation Isamu Noguchi et Garden Museum, New York / ARS. Photographie de Kevin Noble) 
Mère et enfant, Isamu Noguchi, 1944-1947, Onyx (© Fondation Isamu Noguchi et Garden Museum, New York / ARS. Photographie de Kevin Noble) 
Double montagne rouge, Isamu Noguchi, 1969, travertin rouge persan sur pin japonais (© Fondation Isamu Noguchi et Garden Museum, New York / ARS. Photographie de Kevin Noble) 
Parc Poston et zones de loisirs de Poston, Isamu Noguchi, Arizona, 1942, plan (© Fondation Isamu Noguchi et Garden Museum, New York / ARS. Photographie de Kevin Noble) 
Sans titre, Isamu Noguchi, 1943, bois, ficelle (© Fondation Isamu Noguchi et Garden Museum, New York / ARS. Photographie de Kevin Noble) 
Lily Zietz, Isamu Noguchi, 1941, plâtre (© Fondation Isamu Noguchi et Garden Museum, New York / ARS. Photographie de Kevin Noble) En plus du travail sculptural, Self-Interned présente des documents de listes de diffusion et de groupes d'activistes rassemblés par Noguchi, explique Hart. «À partir de ces documents écrits, vous réalisez la présomption fondamentale [des autorités gouvernementales] selon laquelle une personne d'origine japonaise ne fait pas partie de la communauté américaine», a-t-il déclaré. C'est cette hypothèse intrinsèque de culpabilité ou d '«altérité pernicieuse» qui a frappé Noguchi à 3 000 kilomètres de New York. (Le Smithsonian American Art Museum présente actuellement une rétrospective de la carrière de Noguchi.)
Noguchi est certainement le plus célèbre des Américains d'origine japonaise à créer de l'art dans ces conditions sombres. Mais il existe un ensemble plus vaste d'œuvres récupérées dans les camps d'internement, témoignant de la force de la transcendance et de la dignité de l'art en ces temps d'extrême précarité. Par exemple, une exposition du Smithsonian America Art Museum 2011 à la galerie Renwick, organisée par Delphine Hirasuna et basée sur son livre, The Art of Gaman, a présenté plus de 120 objets - théières, meubles, jouets, pendentifs et instruments de musique - réalisés par des Américains d'origine japonaise, entre 1942 et 1946, à partir de déchets et de matériaux trouvés en captivité. Et en 2015, The Art of Gaman s'est rendu au musée de l'Holocauste à Houston. Fait remarquable, des Juifs vivant dans certaines des conditions les plus inhumaines de l’histoire peignaient et dessinaient encore secrètement dans les ghettos et dans les camps de concentration. L'hiver dernier, le Musée historique allemand a exposé 100 œuvres d'art créées par des juifs au milieu de l'Holocauste à partir de la collection de Yad Vashem, le Centre mondial de la mémoire de l'Holocauste à Jérusalem. Beaucoup de mages évoquent un monde alternatif, preuve d'une force et d'un esprit inimaginables face à la mort et à la torture.
Pendant qu'il était à Poston, Noguchi participait également à l'organisation d'une rétrospective de son travail avec le San Francisco Museum of Art (prédécesseur du SFMOMA actuel). L’exposition a été inaugurée en juillet 1942, l’artiste étant toujours confiné dans un camp d’internement et à San Francisco, comme l'explique Hart, aux prises avec «une paranoïa raciste généralisée qui sanctionnait des abominations telles que la vente de licences de« chasse japonaise »». Après Pearl Harbor, une partie du musée a débattu de l'opportunité de continuer avec l'exposition. La directrice du musée, Grace McCann Morley, a écrit dans une lettre au conseil d’administration du musée: «Le mélange racial et culturel incarné par Noguchi est l’antithèse naturelle de tous les tenants de l’axe du pouvoir».
"Les nouveaux arrivants continuent d'arriver", a écrit Noguchi dans un essai inédit publié dans Poston. “Des bus grouillent d'hommes, de femmes, d'enfants, de forts, de malades, de riches, de pauvres… Ils prennent leurs empreintes digitales, se déclarent loyaux, s'enrôlent dans le corps de travail de relocalisation de la guerre… et se présentent dans leur nouveau domicile, 20 x 25 pieds de cabane en papier goudronné, dans laquelle ils doivent vivre cinq minutes dans une pièce. "
Au 21ème siècle, l'art est trop souvent considéré comme accessoire ou complémentaire - un sous-produit du confort et de la sécurité de la société. Et ainsi, les objets d'art perdent leur conséquence légitime. Les peintures deviennent de jolies images; les sculptures sont simplement décoratives ou ornementales. Mais Self-Interned rappelle aux téléspectateurs que l’art est une question de survie. Les artistes créent toujours, même lorsque les règles de la société civile sont suspendues et que les choses s’écroulent autour d’elles (peut-être alors seulement plus). Ils le font pour témoigner, comme le décrivent les archivistes de l’Holocauste, et pour donner à leurs communautés l’espoir et la noblesse avec créativité et beauté esthétique, peu importe à quel point leur gouvernement ou leurs voisins les ont trahis. Des décennies plus tard, des sculptures comme celle de Noguchi de cette époque en particulier nous montrent les points communs de l'humanité, dont l'histoire montre inévitablement qu'elles échappent de notre mémoire collective.
En fin de compte, c'est le pouvoir de l' auto-interné. Il réussit à la fois comme une exposition d’art ambitieuse et comme un récit édifiant au milieu des discussions modernes sur un registre des immigrants musulmans. Il peut toujours y avoir de la haine et de la peur de «l'autre», mais il y aura aussi des artistes qui parviendront à créer des choses de beauté - à nous élever de notre environnement et à nous rappeler notre identité - quand nous en avons le plus besoin.
