Rita Coolidge se produit cette semaine au Smithsonian à New York et à Washington, DC Image reproduite avec l'aimable autorisation de l'artiste
Joann Stevens, de l'American History Museum, est responsable du programme Jazz Appreciation Month (JAM). Elle a écrit pour la dernière fois à propos de Gil Goldstein et de Bobby McFerrin.
L'atmosphère de Rita Coolidge est belle, dynamique et intemporelle, à l'image des chansons qu'elle chante et des histoires qu'elle raconte. Au cours d'une carrière musicale de plus de 40 ans mêlant tous les genres, elle a acquis une renommée en tant que tête d'affiche et chanteuse dans les domaines du rock n 'roll, de la country, du blues, de la musique contemporaine pour adultes et de la pop. Des busters de graphiques comme "Higher and Higher" et "Me and Bobby McGhee", avec son ex-épouse Kris Kristofferson, constituent toujours sa signature sonore. Mais des interprétations du jazz et de la musique roots exprimant son héritage écossais-cherokee et Walela (le nom du groupe vocal qu'elle a fondé avec sa soeur Priscilla et sa nièce Laura) la représentent également. Coolidge est une musicienne pour toutes les époques, quelle que soit sa carrière.
Elle attribue son endurance artistique à une nature de Walela, faisant référence au mot cherokee qui signifie colibri et aux caractéristiques du petit oiseau irisé qui vont de la capacité de voler en arrière et de changer de direction à tout moment pour devenir la seule espèce capable de survivre à long terme. en vol stationnaire. La créativité de Coolidge est également adaptative. Elle dit que ces instincts la guident autant aujourd'hui qu'elle l'était quand elle était la plus jeune des quatre enfants, un peu timide mais active, bourdonnant autour de la maison de son enfance à Lafayette, dans le Tennessee.
Dans la contre-culture hippie des années soixante, les maisons de disques ont essayé de faire de la princesse pop dégingandée avec chapeau de cow-boy, jeans et lunettes noires un artiste populaire. Au lieu de cela, elle chante musicalement partout et cajole son label A & M pour la laisser enregistrer un album avec Barbara Carroll, idole du jazz. Ils l'ont fait, mais n'ont pas sorti le disque. Coolidge a joué l'album chéri de son ami Willie Nelson. Il l'a aimé et a trouvé l'inspiration pour son album Stardust. Aujourd'hui, l'album de Nelson est certifié multi-platine.
Coolidge ne prétend pas que son album aurait aussi bien réussi, mais estime que l’authenticité et la fidélité à soi sont des atouts essentiels. La créativité du colibri, explique-t-elle en riant, "est probablement la raison pour laquelle je ne suis jamais devenu un grand artiste, mais c'est pourquoi j'ai été stable."
En août, les visiteurs du Musée national des Amérindiens du Smithsonian entendent parler de ce pionnier de la musique lorsque Coolidge se produira les 8 et 10 août au musée de New York et de Washington, respectivement, pour une série de concerts gratuits en l'honneur de l'exposition. «Là où nous croyons: les musiciens autochtones dans la culture populaire.» Les expositions (qui doivent s'achever à New York le 11 août) rendent hommage aux artistes autochtones qui ont construit la culture de la musique pop américaine. Bien que leurs identités autochtones aient souvent été obscurcies ou refusées, leur son ne l'était pas. La liste se lit comme un Who's Who de la musique américaine: Mildred Bailey (Coeur d’Alene), Illinois Jacquet (Lakota), Peter LaFarge (Narragansett), Ritchie Valens (Yaqui) et Jimi Hendrix (patrimoine cherokee).
«Il est important que le Smithsonian reconnaisse les Indiens dans la musique. La musique fait partie intégrante de toute la culture indienne », déclare Coolidge. “C'est notre voix. Je le sens dans mon cœur et dans mon corps. "
Selon Coolidge, jouer, c’est son cadeau au monde: elle offre «le bonheur et le service», les valeurs retenues de ses ministres père et mère et de ses frères et sœurs. "Je me sens comme un oiseau aux ailes brisées quand je ne chante pas."
Les deux parents sont décédés en 2012, son père en février et sa mère en août. Ils étaient mariés depuis 75 ans et ont modelé «une générosité de cœur et d’esprit» qui a inspiré la famille et la communauté, dit-elle. Les leçons apprises sont présentes avec elle maintenant «alors que je poursuis leur but dans la vie».
Elle était présente pendant les deux transitions, motivée du côté de son père «parce que le message m'est parvenu littéralement par l'intermédiaire de Spirit alors que j'étais sur la route, pour me rendre dans le nord de la Californie où ils vivaient. J'ai chanté deux heures avec ma mère », chacun tenant la main.
«Je pense que vous avez la bénédiction d'être choisi, d'être là quand la personne passe. Papa m'a préparé à être là pour l'aider.
Sa sœur militante musicale Priscilla, décrite par Coolidge comme «celle qui a toujours porté la plume, le message» a composé la chanson Cherokee en hommage. «Il exprime qui il était et est toujours, un homme formidable, puissant et doux qui est un artiste plasticien, musicien et poète. Il vit dans une telle beauté. "
Coolidge et son mari étaient chez eux avec sa mère lorsque le moment est venu pour eux de la chanter.
Des histoires se déversent d'elle facilement, avec une richesse semblable au nectar qui nourrit l'âme des fragments d'histoire connue et inconnue des moments déterminants de la culture musicale américaine.
En 1970, après avoir obtenu son diplôme d'art en Floride, Coolidge s'est dirigé vers l'ouest en Californie avec ses amis et contemporains de la musique, Delaney, Bonnie et Leon Russell. Elle a été plongée à fond dans ce qu'elle appelle "l'Université Rock n Roll" en tant que chanteuse et directrice de choeur pour la tournée des Mad Dogs and Englishmen avec le rockeur britannique Joe Cocker.
La tournée a marqué un tournant dans la vie de Coolidge et dans la culture pop américaine. Cocker venait de conclure un programme exténuant, exhaustif et un repos savoureux. Naïvement «il n'a pas compris qu'il ne pouvait pas refuser une tournée de sept semaines» déjà réservé par la direction. «Joe n'était pas stupide», dit Coolidge, cherchant les mots justes, «mais il était tellement innocent à cette époque. C'était un jeune homme originaire de Sheffield, en Angleterre, qui prenait beaucoup trop de drogue et se promenait avec émerveillement.
Russell a eu la chance d'aider un ami et lui-même, en recrutant Coolidge pour trouver et préparer une chorale qui pourrait prendre la route dans une semaine. Les répétitions ont duré 12 heures par jour ou plus, se souvient-elle. Mais une semaine plus tard, 55 hommes, femmes et enfants, y compris Cocker, et un chien sont montés dans un DC-8 affrété pour une visite de 48 nuits dans 52 villes.
Le nom de la tournée fait référence à une chanson composée par le dramaturge et compositeur britannique Noel Coward. Il semblerait que cela se réfère également aux sentiments de Cocker à l'époque. Les résultats, cependant, ne sont pas contestés. L’histoire du rock a été produite par The Mad Dogs et Englishman Tour, un album considéré comme l’un des plus grands albums live de tous les temps, et un documentaire présentant les performances légendaires de Delta Lady (composée par Russell et inspirée par Coolidge), The Letter et Little Help From My Friends, avec le guitariste de Led Zepplin, Jimmy Page et le batteur de Procol Harem, BJ Wilson.
Au cours de la tournée, elle a déclaré: «J'ai rencontré des gens formidables et certains qui n'avaient pas de telles intentions. C'était comme un champ de bataille. Je montais dans l'avion la nuit et m'asseyais généralement avec Joe. J'avais 5'7 "et pesais moins de 100 livres." Quand elle a finalement dit à Cocker qu'elle quittait la tournée, elle s'est souvenue du calme dont il était devenu avant de dire: "Vous ne pouvez pas partir. Tu es le seul ami que j'ai. "
Selon elle, il a fallu des années avant de pouvoir regarder le documentaire sans tomber en morceaux. À la première, elle était assise tremblante sur son siège, les larmes coulant.
Coolidge propose deux dernières histoires. Dans les années 1990, le musicien et compositeur autochtone Robbie Robertson (Mohawk) lui a demandé de réunir les membres de sa famille pour l'aider à développer une musique autochtone authentique pour la mini-série télévisée The Native Americans. «Robbie savait que la famille chantait.» Le projet a donné naissance au groupe Walela.
Lors d'un concert avec Carlos Nakai, Mary Youngblood et plusieurs autres artistes autochtones, Coolidge se souvient d'avoir été priée de conclure le concert avec eux et de se produire ensemble. "J'ai dit, faisons Amazing Grace." La réponse a été: "Vous voulez dire cette vieille chanson anglo?" La raison pour laquelle elle est devenue une partie essentielle de son répertoire se produit: «Si j’estime que le public a la capacité d’avoir la révérence ou la capacité d’honorer la chanson. Et je sais très bien lire dans la foule », dit-elle.
Dans les années 1830, à l'époque où Andrew Jackson était président, la Indian Removal Act imposait le retrait des Indiens de leur pays d'origine à l'est du Mississippi afin de laisser la place à des colons blancs. Leur acte a entraîné une marche de la mort pour des milliers de personnes connue sous le nom de Sentier des larmes.
Les Cherokees étaient l’une des cinq tribus connues sous le nom de «Cinq nations civilisées», dit Coolidge. «Les unions intimes de vies et de foi» ont intégré les peuples autochtones et non autochtones sur le plan culturel, dit-elle. Les Indiens étaient chrétiens et des hymnes comme Amazing Grace étaient appris dans les églises blanches et intégrés à la culture et à la musique autochtones.
«Amazing Grace était la chanson la plus chantée sur le Trail of Tears. Quand elle est chantée à Cherokee, c'est l'hymne national cherokee, dit-elle.
«Je chante dans 99% des concerts que je fais et raconte l'histoire», explique Coolidge. «Dans la plupart des cas, les gens cessent de bouger ou de manger. C'est comme une flèche qui perce le cœur des gens afin qu'ils puissent s'arrêter et se souvenir de quelque chose au-delà du temps qui les relie à la chanson. "
MISE À JOUR: La date du concert à Washington, DC est le 10 août. Nous regrettons l'erreur.
