Cent ans plus tard, le réalisme tendu d'Edgar Degas reste captivant

Dans l'espace sans fioritures d'un studio de danse à hauts plafonds, une foule de jeunes ballerines en formation sont assemblées. Vêtues de tutus blancs en cascade et de ceintures colorées, les filles sont occupées de différentes manières. Au premier plan, une danseuse étirant sa jambe ou jouant avec sa robe méprise une camarade de classe assise, dont les pieds sont effilés d'une manière qui semblerait naturelle sur scène mais qui semble étrangement grotesque dans son état de loisir apparent. Une demi-douzaine de chaussures de ballet inutilisées reposent à côté d'elle sur le banc en bois sombre.

Derrière la fille assise, au centre de l'image, l'arrière de la danseuse se projette dans les airs alors qu'elle se penche pour ajuster ses propres chaussures. Plus en arrière, deux étudiants près de la fenêtre pratiquent la cinquième position des bras; pour le moment, au moins, ils ne sont pas synchronisés. Près du mur arrière, une rangée de quatre filles se concentre sur le jeu de jambes. D'en haut, deux autres descendent dans la scène par un étroit escalier, leurs jambes étant la seule partie visible. C’est un moment de chaos et de dynamisme, reflétant toutes les imperfections inévitables d’un cours de danse pour enfants destiné à produire des danseurs parfaits.

Ce tableau, peint c. 1873, est la création de l'artiste français Edgar Degas, décédé il y a 100 ans cette semaine. Installé à la National Gallery of Art à Washington, DC, "The Dance Class" est un rappel sans prétention du génie du parisien.

«Ce sont de vraies femmes», explique Kimberley Jones, conservatrice de la peinture française au XIXe siècle au Musée des beaux-arts. «Ils ne sont pas simplement le magnifique fantasme de la scène. Degas vous rappelle toujours la réalité sous le vernis du mirage. "

Bien que élevé dans une famille conservatrice de la classe moyenne supérieure et extrêmement expérimenté dans les styles idéalistes des maîtres anciens - un jeune Degas passait des heures à dupliquer à la main des œuvres célèbres du Louvre - le Français était toujours attiré par le réalisme de l'actualité. «C'est avant tout un réaliste», déclare Jones.

L'attrait de Degas pour le ballet était naturel; sa mère, née aux États-Unis, était une chanteuse d’opéra passionnée et a transmis à son jeune garçon un amour pour l’opéra avant sa mort prématurée. «Au 19ème siècle, le ballet faisait partie de l'opéra», note Jones. «Chaque opéra avait ce genre d'interlude de danse. Et je pense qu'il est devenu intrigué en voyant ces danseurs.

En particulier, Jones souligne la fascination de Degas pour la pression exercée sur le physique des danseurs, les rigueurs de leur entraînement et de leur conditionnement, la lutte pour préparer leur corps à la représentation. «Il montre des performances [dans ses peintures]», dit Jones, «et elles sont très belles. Mais il en dépouille aussi beaucoup le romantisme. Il vous montre les coulisses. »Degas est beaucoup moins préoccupée par les notions de féminité classique que par le caractère athlétique des artistes interprètes entraînés.

Ce thème se rapporte au travail de Degas sur le cheval. Régulier des circuits, il était fasciné par les corps nerveux des chevaux de course pur-sang, prêts à se mettre au travail à tout moment. "Voir comment ces poulains gangsters deviendraient ces incroyables athlètes et ces créatures de vitesse et d'élégance" n'a jamais manqué de faire forte impression, dit Jones.

Répudié de bonne heure par les arbitres d'art du célèbre salon français, Degas décida de se joindre aux membres de la nouvelle école impressionniste, à ses compagnons férus de tradition qui avaient besoin de contacts et d'un espace d'exposition. Même parmi les impressionnistes, cependant, Degas se trouva rapidement prisonnier d’une controverse.

«Il y a une certaine ironie dans le fait que nous le considérions toujours comme un impressionniste», note Jones. «Il détestait ce terme. Degas, qui prenait grand soin de l’attention portée aux détails réalistes et passait des heures indicibles à réviser et réviser chacune de ses toiles, n’appréciait pas le manque d’efforts induits par le terme «impressionnisme». L'art n'était pas «quelque chose de spontané, d'inattentif, de jeté ensemble», dit Jones. «Il était très méticuleux, pensif. Et la grande citation qu'il a dite est: "Aucun art n'est aussi spontané que le mien".

Déjà un mouton noir aux yeux de certains impressionnistes lors de leur spectacle inaugural en 1874, Degas ne fit que s’attirer d’autres controverses au cours des années suivantes. Soucieux de rassembler de nombreux talents, Degas a recruté un certain nombre de personnes extérieures dont il admirait le travail, qu’il soit ou non attaché à l’idéal des impressionnistes. Degas a embrassé ses confrères réalistes tels que Jean-Louis Forain et Jean-François Raffaelli qui ont sourcillé parmi la clique des impressionnistes - beaucoup craignaient que l'identité artistique du mouvement ne soit trop diluée.

L'Américaine Mary Cassatt était un invité qui, selon Jones, était «un très bon ajustement pour le groupe en général». Degas avait d'abord rencontré Cassatt dans son studio à Monmartre, et avait découvert qu'il était instantanément séduit par son travail. «La première fois qu'il a vu son art, a déclaré Jones, il a remarqué qu'il y avait quelqu'un qui se sent comme moi.» Ce premier rendez-vous, en 1877, a suscité une amitié qui dure depuis plusieurs décennies. C'est Degas qui a introduit Cassatt (ainsi que d'autres impressionnistes tels que Camille Pissarro) dans le domaine de la gravure, qu'elle maîtrisera comme il ne l'a jamais fait.

Degas était également responsable de porter la peinture de Paul Gaugin à l'attention du monde de l'art. «Vous ne penseriez pas à ces deux personnes ensemble», dit Jones, «pourtant Degas a reconnu que Gaugin avait ce talent extraordinaire, l'a amené et l'a soutenu.» Elle cite comme preuve de leur lien les allusions affectueuses de Gaugin au travail de Degas dans ses propres scènes. Dans "Still Life with Peonies" de Gaugin, par exemple, une composition au pastel de Degas apparaît de manière remarquable à l'arrière-plan.

Bien que la personnalité de Degas puisse être abrasive et conflictuelle - en particulier à la fin de sa vie, alors que sa vue baissait - on ne peut nier qu'il possédait le don de réunir des individus remarquables et son engagement indéfectible à la création et à la célébration de, oeuvre d'art révolutionnaire sur plusieurs supports.

En raison de son obsession pour le raffinement continu de son propre travail, Degas avait horreur de s'en séparer de son vivant. "Il a vendu ce dont il avait besoin", déclare Jones, et "il n'a pas beaucoup exposé." Degas n'a pas explosé au-dessus de la renommée internationale jusqu'à sa mort, lorsque les toiles, sculptures et autres créations qui jonchaient son atelier ont finalement été rendues accessibles. collectionneurs.

L'obsession de Degas pour la recherche d'un produit parfait, toujours insaisissable, était tragique, dit Jones, mais faisait également partie intégrante de son art. Dans les représentations de Degas montrant des chevaux qui traînent dans l’herbe et des ballerines répétant pour un moment sous le feu des projecteurs, Jones discerne une fixation sur le potentiel - ce qui pourrait être, ce qu’il est sur le point de se passer. Comme ses sujets, déclare Jones, Degas s’imaginait constamment dans les limbes, toujours un cheveu timide de grandeur, toujours à l’écart du miracle. «Je pense qu'il était toujours en train de regarder son art et de penser: je pourrais le faire mieux, dit-elle.

Torturé dans la vie par son insatiable ambition, Degas est devenu à la mort un héros pour les artistes du monde entier. Pablo Picasso fut l'un de ses plus grands admirateurs. Il fut abasourdi par les monotypes d'avant-garde et autres matériaux dévoilés lors de la vente studio post-mortaire à Degas. Il devint par la suite un collectionneur passionné des œuvres de Degas.

«Si je pouvais choisir un artiste qui est le véritable héritier de Degas, ce serait Picasso», déclare Jones. À son avis, bien que stylistiquement divergents, les deux innovateurs sont liés par le degré de vie et de souffle de leur art. . Pour eux, Jones dit: «Tout est question de création. Chaque matériau est une opportunité de produire quelque chose de nouveau, de défier les limites, de se tester. Et pour créer quelque chose d'extraordinaire. "

Au cours du XXe siècle, la vision singulière de Degas est venue hanter l’imagination des artistes du monde entier. «Il devient l'une de ces personnalités, à l'instar de Paul Cezanne et de Van Gogh, qui se trouve juste là », déclare Jones, «et constitue une pierre angulaire. Il est au centre de nombreux artistes qui n'y pensent même pas. Il est dans leur cerveau postérieur et les influence. "

Aujourd’hui, en parcourant les couloirs du musée du Prado, vieux de plusieurs siècles, à Madrid, en Espagne, Jones trouve son point de vue inévitablement coloré par le travail énigmatique du Français. En contemplant l'un des resplendissants nus néoclassiques d'Alexandre Cabanel, elle ne peut s'empêcher de penser qu'il manque quelque chose de crucial.

«Tout est faux, dit-elle, tout est soigneusement orchestré - ce n'est pas réel. Et il se sent faux, d'une manière qu'il n'aurait pas sans Degas comme point de référence.

Degas, dit-elle, ne s'est jamais contentée de créer une scène simple et agréable et de passer à autre chose. Il «voulait s'assurer que vous soyez mis au défi», tout comme il l'a été pendant le processus de composition. Jones intrigue l'artiste depuis des décennies, mais elle a toujours l'impression qu'elle n'a fait qu'effleurer la surface.

Les artistes de son calibre «n'abandonnent pas leurs secrets», dit-elle. «Plus je passe de temps à le regarder, moins je pense le connaître vraiment. Et c'est excitant. "