Lorsque Vincent van Gogh est tombé par hasard sur le village français d'Auvers-sur-Oise au cours de l'été 1890, il saignait d'une blessure par balle logée dans la partie supérieure de son abdomen, à quelques jours de la mort dans une relative obscurité.
Trouvé sur sa personne ne constituait pas une lettre de suicide, mais plutôt ce que l'on pense être un brouillon d'une lettre que l'artiste de 37 ans venait d'envoyer par la poste à son frère, Theo.
Tout au long de sa vie, Vincent avait rédigé des centaines de lettres à son frère. Sa dernière lettre ne lui était remarquable que par sa banalité, ainsi que par ce projet non envoyé, contenant plusieurs lignes omises de la dernière lettre. Dans une de ces lignes oubliées, écrit Vincent, sonne presque résigné: «Eh bien, la vérité est que nous ne pouvons parler que par nos peintures."
Ce sentiment est resté longtemps chez Dorota Kobiela. Artiste de formation classique, elle a découvert le brouillon de sa dernière lettre alors qu'elle effectuait des recherches sur la vie de Vincent à l'Académie des Beaux-Arts de Varsovie pour sa thèse sur les artistes et la dépression. Après avoir obtenu son diplôme, elle s’est retrouvée dans l’impossibilité de comprendre ses paroles et a commencé à travailler sur un court métrage animé de sept minutes peint à la main pour écarter l’artiste de son esprit.
«C’était une vision de ses derniers jours», dit-elle. «Ce qu'il ferait. Lève-toi, mets ses chaussures, prépare sa boîte de peinture. Peut-être emballer le revolver?
Mais la trajectoire du film a changé quand, alors qu'elle attendait une subvention publique pour commencer la production, elle a contacté le producteur et réalisateur britannique Hugh Welchman, qui l'a convaincue que cette idée méritait un long métrage.
Kobiela a accepté et ils ont passé la plus grande partie de la décennie à réaliser ce qu'ils appellent une "interview de ses peintures". Le processus exhaustif (soutenu financièrement par une campagne virale Kickstarter et une subvention de l'Institut polonais du film) a créé quelque chose d'unique: Loving Vincent, le premier film d'animation entièrement peint. Le film, récemment en nomination pour un Oscar dans la catégorie du long métrage d'animation, utilise 62 450 peintures à l'huile originales pour donner la parole aux derniers jours de Vincent.
Loving Vincent, qui est présenté comme un mystère de meurtre dans un film noir, est raconté à travers la perspective du jeune homme vêtu d'un manteau jaune et d'une expression suspecte dans «Portrait of Armand Roulin (1888)».
«Nous avons toujours aimé la peinture», déclare Welchman. «Il est très beau dans un sens, vous savez, ce puissant adolescent. Il est un peu méfiant envers la personne qui le peint. Vous ressentez en lui une sorte de fierté à la testostérone.
Armand, le fils du maître de poste du village, est chargé de remettre la dernière lettre de Vincent à Theo. Alors que l'adolescent monstrueux essaie de traquer Theo, il retrace les pas de Vincent à Auvers et rencontre les dernières personnes à connaître l'artiste. À travers des conversations avec eux, il commence à remettre en question les circonstances qui ont conduit à la mort de Vincent. Était-ce un suicide? Ou était-ce un meurtre?
Loving Vincent a d'abord été tourné avec des acteurs sur un écran vert, puis une équipe de plus de 100 artistes a transposé le film en art en mouvement en utilisant une animation à la peinture sur verre. Cette technique laborieuse, mise au point par la cinéaste et animatrice américano-canadienne Caroline Leaf dans les années 1970, a déjà été utilisée, notamment dans les courts métrages de l'animateur russe Aleksandr Petrov. Mais c'est le premier long métrage fait dans le style. Cela est probablement dû au fait que la méthode - qui frappe par la manière dont elle permet aux images de se métamorphoser et d’évoluer de manière subtile - nécessite que les artistes peignent chaque verre sur le film.
À gauche: l'acteur Douglas Booth en costume contre un écran vert Centre: tableau de Armand Roulin par Vincent van Gogh À droite: Armand dans Loving Vincent (Loving Vincent) «C’est la première fois que quelqu'un prend l’initiative et cherche réellement à réaliser un long métrage [d’animation peinte]», déclare Andrew Utterson, historien du cinéma et professeur associé d’études sur la trame à l’Ithaca College.
Comme Utterson le fait remarquer, ce n’est pas seulement l’échelle du film qui est remarquable, mais aussi sa forme. «Nous avons une animation peinte sur une vie peinte», dit-il. Et si vous creusez, cette relation va encore plus loin. Vincent était tristement célèbre pour s'être poussé à l'extrême pour son travail, et en choisissant cette technique, explique Utterson, les cinéastes se soumettent à un processus similaire.
Le gain est dans le produit final. Les différentes images du film constituent une œuvre d'art à part entière. Dans chaque cadre, l’équipe d’artistes a imité les épaisses couches de peinture à l’huile que Vincent a mélangées sur ses toiles avec son couteau et ses mains grâce à une technique appelée empasto. Pour obtenir les interprétations justes, les cinéastes ont consulté le musée Van Gogh afin d'obtenir l'équipement, la peinture et les couleurs utilisées par Vincent à la teinte exacte.
Saoirse Ronan comme Marguerite Gachet (Loving Vincent) C'est peut-être le plus intéressant, cependant, que les cinéastes soient obligés de prendre certaines libertés créatives pour mettre au point l'art de Vincent pour répondre aux besoins du film. Comme l'explique Welchman: «Le style iconique de Vincent est très imbriqué. Il fait soleil, il brûle, ses couleurs sont vives et plein d’espoir. "Pour rester fidèle à l’art de Vincent et s’adapter à l’histoire couleur noir du film (ou comme le dit Welchman, " emportez quelques-uns de ses tableaux de jour dans la nuit ")., l’équipe s’inspire des quelques peintures que Vincent a réalisées la nuit, telles que «The Starry Night» et «Café Terrace at Night», pour distiller le reste de l’œuvre de Vincent avec un palais plus sombre.
Douglas Booth comme Armand Roulin (Loving Vincent) Le film noir lui-même pourrait ne pas sembler être le choix le plus évident pour un docu-drame sur Vincent (décédé près de cinq ans avant même que le terme ne soit introduit). Cependant, Kobiela et Welchman se disent fans de l’esthétique à la coque des années 1940 et voient dans ce genre un moyen de donner à Loving Vincent un fondement de mystère de meurtre.
Dans Loving Vincent, la question centrale est de savoir si Vincent a tenté de se suicider dans les champs de blé d’Auvers ou plutôt a été abattu - volontairement ou par accident - par l’un des membres d’un groupe de garçons de la localité qui s’est moqué de Vincent pendant qu’il travaillait . La théorie selon laquelle les garçons avaient joué un rôle dans la mort de Vincent avait été diffusée dans les années 1930, après que l'historien de l'art John Rewald eut interrogé des habitants d'Auvers et entendu parler pour la première fois de rumeurs concernant de jeunes garçons, une arme à feu et la mort de l'artiste.
Les cinéastes disent qu'ils étaient à un stade critique de l'écriture de leur scénario lorsque Steven Naifeh et Gregory White ont publié leur biographie de 2011, Van Gogh: The Life, qui a refait surface l'idée du tournage accidentel.
«Cela est arrivé à un moment très intéressant pour nous», dit Welchman à propos du livre. Comme tant d'autres avant eux, ils s'étaient gratté la tête, se demandant pourquoi Vincent s'était suicidé au moment même où il commençait à être reconnu comme artiste. Quelque chose n'allait pas.
"Il vient d'avoir sa première revue incroyable", dit Welchman. «Monet, qui vendait déjà ses peintures pour 1 500 francs, ce qui représentait beaucoup d'argent à l'époque, a déclaré que Vincent était le nouveau peintre le plus excitant à venir. Il semblait que le succès était inévitable, alors pourquoi se tuer à ce moment-là, comparé à certains des autres moments des neuf années précédentes, qui semblaient beaucoup plus brutaux et désespérés? "
Là encore, Vincent ne prenait pas soin de lui. Pendant ce temps, il mettait son corps dans une charge incroyable: il travaillait de longues heures sous le soleil du Sud et se nourrissait d'alcool, de café et de cigarettes. Alors que Theo lui envoyait de l'argent tous les mois, Vincent le dépensait souvent en impression ou en équipement pour ses tableaux, satisfaisant souvent sa faim avec du pain pour se préparer à un horaire chargé en peinture, écriture et lecture. «Il allait juste à une vitesse incroyable, dit Welchman, si vous faites cela pendant longtemps, vous tombez en panne.»
Bien sûr, Loving Vincent ne peut résoudre le mystère qui entoure la mort de Vincent ni, en l'occurrence, établir un calendrier définitif pour ce qui s'est passé au cours des derniers jours à Auvers. Mais l’histoire trouve une nouvelle voie dans ses derniers jours grâce à l’art en mouvement que le film donne à la vie.
«Pour nous, la chose la plus importante était Vincent», déclare Welchman. "Sa passion et son combat consistaient à communiquer avec les gens, et l'un de ses problèmes était qu'il n'était pas vraiment doué pour le faire face à face et c'est pourquoi son art communiquait si joliment."
C'est un sentiment qui est au cœur même de Loving Vincent . Le mouvement et l'émotion dans l'art de Vincent ont transcendé le temps, la culture et la géographie. Prendre ses images statiques et y ajouter du mouvement est presque troublant dans sa nouveauté. Le résultat, composé à la fois de technologie du XXIe siècle et d'art de la fin du XIXe siècle, est inspiré par la partition émotive du compositeur Clint Mansell.
Et quand les inévitables tourbillons bleu et vert de «Starry Night» apparaissent à l'écran, vivants d'une manière différente de ce qu'ils ont été vus auparavant, il est difficile de nier que les cinéastes ont trouvé quelque chose de nouveau ici dans Loving Vincent, ouvrant une nouvelle façon d'encadrer l'art connu dans le monde entier.
