La grange noire de la peinture de janvier de Full Moon de George Ault est une structure simple, délimitée par de simples lignes. Pourtant, ses os angulaires lui confèrent une présence imposante. La grange est au garde-à-vous, ses murs sont plantés dans la neige au clair de lune et son sommet pointe vers un ciel d'un bleu profond. Il est audacieux et musclé, et comme le dit le professeur d'histoire de l'art de l'Université de Yale, Alexander Nemerov, une grange avec un «B» majuscule, la grange de toutes les granges.
Un artiste américain peu connu, George Ault avait la capacité dans sa peinture de prendre des lieux spécifiques à Woodstock, New York, où il vécut de 1937 jusqu'à sa mort en 1948, et de les rendre universels. Nemerov dit que des endroits comme Rick's Barn, qu'Ault avait promené avec sa femme Louise et Russell's Corners, un carrefour isolé situé juste à l'extérieur de la ville, avaient un «pouvoir mystique» pour l'artiste. Il s'est concentré sur eux - peignant cinq fois Russell's Corners dans les années 1940, à différentes saisons et à différentes époques de la journée - comme s'ils renfermaient une vérité universelle qui serait révélée si lui et les spectateurs de ses peintures y méditaient suffisamment longtemps.
Après avoir étudié minutieusement ses scènes, Ault se retirait dans un studio soigné pour peindre. Comme le montre son autoportrait The Artist at Work de 1946, il travaille avec le coude de son bras de peintre posé dans la coupe de son autre main, qui repose en équilibre sur ses jambes croisées. Il était méthodique et méticuleux, et était souvent considéré comme faisant partie du mouvement du précisionisme après la Première Guerre mondiale. Avec sa main stabilisée, il pouvait être sûr que chaque avion, chaque clapboard et chaque fil de téléphone étaient tels. «Il y a toujours ce sentiment de façonner, de mettre en ordre, de structurer comme si sa vie en dépendait», dit Nemerov.
Quand vous prenez en compte la vie tumultueuse d'Ault, c'est peut-être le cas. Après avoir fréquenté l'University College School, la Slade School of Fine Art et la Wood Art School de St. John's, tous à Londres, au début des années 1900, le natif de Cleveland est rentré aux États-Unis, où il a subi une série de tragédies personnelles. En 1915, l'un de ses frères s'est suicidé. En 1920, sa mère est décédée dans un hôpital psychiatrique. Et en 1929, son père est décédé. Le krach boursier a porté un dur coup à la fortune de sa famille et ses deux autres frères ont perdu la vie peu après. Affligé de ses pertes, l'artiste quitte Manhattan avec Louise, avec qui il s'est marié en 1941, pour Woodstock, où il a vécu jusqu'en décembre 1948, date à laquelle il s'est suicidé, se noyant dans un ruisseau près de chez lui. Comme Louise l'a déjà dit, l'art d'Ault était une tentative de «mettre de l'ordre dans le chaos».
Ault n'a pas eu beaucoup de reconnaissance de son vivant, en partie à cause de sa solitude et de son attitude hostile envers les acheteurs potentiels. Mais Louise travailla sans relâche pour promouvoir le travail de son mari après sa mort. Auparavant, elle écrivait à Woodstock dans ses peintures de Woodstock dans les années 1940: «Je croyais qu'il était allé au-delà de lui-même»
Nemerov, commissaire invité de l'exposition «Pour faire un monde: George Ault et l'Amérique des années 1940», au Smithsonian American Art Museum jusqu'au 5 septembre, convient. Il considère Ault comme ayant peint des scènes calmes et nettes dans une tentative désespérée de contrôler le chaos confus, non seulement dans sa vie personnelle, mais également dans le monde entier, au seuil de la Seconde Guerre mondiale. Sur le mur de la galerie, à l'entrée de l'exposition, on peut lire: «Si le monde était incertain, au moins la pente d'un toit de grange était une chose sûre."
Nuit noire à Russell's Corners, George Ault, 1943. (Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, Philadelphie, Fonds John Lambert) 
Lumière du jour à Russell's Corners, George Ault, 1944. (Collection de Sam Simon. Image © Christie's Images Limited 2002) 
Festus Yayple et ses boeufs, George Ault, 1946. (Cleveland Museum of Art, Fonds Hinman B. Hurlbut) 
Souvenirs de la côte française, George Ault, 1944. (Manhattan Art Investments, LP. Photo de David Heald) 
Janvier Full Moon, George Ault, 1941. (Rockhill Nelson Trust (par échange). Photo par Jamison Miller) 
L'artiste au travail, George Ault, 1946. (Musée d'art américain Whitney, New York, don de Mme George Ault. Photo de Geoffrey Clements) 
Ault n'a pas eu beaucoup de reconnaissance de son vivant, en partie à cause de sa solitude et de son attitude hostile envers les acheteurs potentiels. Son épouse Louise travailla sans relâche pour promouvoir le travail de son mari après son décès en 1948. (Archives of American Art) 
Alexander Nemerov, commissaire invité de l'exposition "Pour faire un monde: George Ault et l'Amérique des années 1940" au Smithsonian American Art Museum, estime qu'Ault a peint des scènes nettes et calmes dans une tentative désespérée de contrôler le chaos confus, non seulement sa vie personnelle, mais aussi dans le monde entier. (Bruce Guthrie) Pour l'exposition, la première grande rétrospective du travail d'Ault depuis plus de 20 ans, Nemerov, ancien boursier pré-doctoral et assistant de recherche au musée, a sélectionné près de 20 peintures d'Ault ainsi que celles de ses contemporains, dont Edward Hopper, Andrew Wyeth et Charles Sheeler. Ensemble, les peintures offrent une vision beaucoup plus fragile et sombre des années 1940 que ne le font d’autres icônes culturelles de la décennie, telles que l’affiche We Can Do It! De J. Howard Miller . (plus connue sous le nom de Rosie the Riveter), la photographie de Alfred Eisenstaedt, VJ Day in Times Square, et l'enregistrement de «Accentuate the Positive» par Bing Crosby. nuages gris et une vue stérile sur les Catskills en novembre. «C'est presque comme si ses peintures s'attendaient à ce que neuf personnes sur dix passent devant elles», explique Nemerov. "Mais, bien sûr, ils comptent tout sur cette dixième personne pour les remarquer." Pour cette dixième personne, affirme Nemerov, les œuvres d'Ault sont émouvantes malgré le manque de figures humaines et de récits. Nemerov appelle par exemple la cascade du ruisseau Ault's Brook dans les montagnes «une forme de pleurer sans pleurer», ajoutant que «l'émotion - peindre avec le cœur - doit revêtir une forme curieuse et déplacée pour être réelle, pour être authentique. ”
Dans sa préface au catalogue de l'exposition Nemerov To Make a World: George Ault et l'Amérique des années 1940, Elizabeth Broun, directrice du Smithsonian American Art Museum, souligne que l'art permet à l'art de comprendre ce que les individus pensent et ressentent à une époque donnée. Le cas d'Ault dans les années 1940. «Leurs pensées et leurs émotions spécifiques sont mortes avec eux», dit-elle, «mais cette exposition et ce livre explorent sous la surface de quarante-sept peintures pour comprendre les courants plus profonds ci-dessous, ce qui nous aide à retrouver une vision perdue depuis longtemps.»
L'exposition présente les cinq peintures d'Ault représentant Russell's Corners, dont Bright Light at Russell's Corners, la troisième de la série, qui fait partie de la collection permanente du American Art Museum. Quatre scènes sont placées la nuit et leur présentation dans la même galerie permet au spectateur de voir comment le ciel noir dans chacune devient plus dominant à mesure que la série avance. Les bâtiments, les arbres et les poteaux de téléphone sont éclairés par un seul lampadaire dans les deux premières représentations, tandis que dans le dernier August Night at Russell's Corners, peint par Ault dans sa dernière année, l'obscurité dévore tous les visages des granges sauf deux. et une petite portion de route, comme si Ault perdait toute emprise qu'il avait autrefois sur le monde.
"Je ne pouvais pas reprocher aux gens de penser qu'il s'agissait d'un spectacle excessivement sombre", a déclaré Nemerov. C'est peut-être pour cette raison que l'historien de l'art s'accroche au réverbère récurrent de la série Russell's Corners. «Cette lumière représente quelque chose qui concerne la livraison, la révélation et le plaisir», dit-il. Il suggère que la lumière pourrait avoir une connotation religieuse. Ses rayons rayonnants rappellent la lumière de la peinture de Sassetta intitulée « Le Voyage des mages», datant du XVe siècle et reproduite par Ault dans son atelier. Mais comme l'artiste n'était pas un homme religieux, Nemerov considère la lumière comme un symbole de l'extase et de la joie de vivre d'un acte artistique, un élan de créativité. Après tout, la tourmente d'Ault a dégagé un élément extrêmement positif: un corps d'art impressionnant. À juste titre, Louise a utilisé une citation du philosophe allemand Friedrich Nietzsche pour décrire son mari. "Sauf s'il y a du chaos à l'intérieur, aucune star de la danse ne peut naître."
Alexander Nemerov se penche sur la vie des artistes et sur l'influence des premiers malheurs sur son interprétation des années 1940
