Une femme se promène dans une rue de la ville, vêtue d'une robe turquoise fluide et de chaussures rouges tout droit sortie d'Oz. Elle est heureuse, insouciante et porte un lisier qu'elle va balancer avec joie et avec une aisance extrême à la fenêtre d'une voiture garée.
Cette installation vidéo de 1997, Ever Is Over All, de l'artiste suisse Pipilotti Rist, résume la beauté, l'ironie et la transgression au cœur de «Maîtrise des dégâts: l'art et la destruction depuis 1950», exposé au musée Hirshhorn. L'exposition retrace le thème de la destruction dans l'art contemporain du début de l'ère atomique à nos jours. Le spectacle commence, avec raison, par une explosion: les images de l'explosion nucléaire de Harold Edgerton.
Au début des années 50, l’ingénieur du MIT a filmé une série de tests de bombe atomique pour le gouvernement américain, projetant une vision indélébile de la destruction de l’humanité. Le film muet de 12 minutes d'Edgerton décrit des boules de feu qui se transforment en soleils, des nuages de champignons qui montent vers le ciel, des sables du désert qui tremblent et se réinstallent comme des marées d'océan. «Vous êtes attirés par ce spectacle», a déclaré Kerry Brougher, directeur par intérim de Hirshhorn, qui a co-organisé le commissariat «Damage Control» avec Russell Ferguson, de UCLA. «C’est la double nature du spectacle: la destruction est quelque chose d’horrible, mais aussi de beau.»
Brougher voit l'invention de la bombe atomique - et la perspective imminente d'un holocauste mondial - comme un tournant dans l'histoire de l'art, obligeant les artistes à penser différemment à la destruction. «Face à la bombe atomique, à quoi cela a-t-il servi de faire un tableau? "Les artistes ont commencé à utiliser la destruction pour combattre le feu avec le feu." Un de ces artistes était Raphael Ortiz, dont le concert pour la destruction du piano - ou ce qu'il en reste - se trouve à côté du film Edgerton dans l'entrée de l'exposition. Ortiz a détruit un piano à queue lors de la soirée d'inauguration de «Damage Control» en octobre 2013, en brisant les clés et les entrailles de l'instrument avec un marteau dans un spectacle rituel.
L'œuvre est une reconstitution de la déconstruction historique du piano d'Ortiz lors du Symposium Destruction in Art de 1966, cité par Brougher comme une source d'inspiration majeure pour «Damage Control». Initié par Gustav Metzger, le symposium a invité des artistes du monde entier à annoncer un nouveau souche d'art destructeur qui a répondu aux réalités politiques et sociales. Pendant que Ortiz détruisait son piano, Metzger peignait sur du nylon avec de l'acide chlorhydrique, créant un "art autodestructeur", et Yoko Ono mettait en péril son propre corps dans Cut Piece, invitant le public à la couper avec des ciseaux.
«C'était choquant», déclare Brougher à propos du symposium. "Les gens ne savaient pas comment le prendre." Mais une chose était certaine: la nouvelle destruction était là pour rester.
De plus en plus, les artistes se font détruire eux-mêmes et détruisent leurs propres œuvres. En 1970, John Baldessari brûle toutes ses peintures antérieures dans le cadre d’une réinvention formelle appelée Cremation Project . (Il a cuit une partie des cendres de son travail dans des biscuits.) Dans son film de 2001, Break Down, Michael Landy a mis en place une chaîne de désassemblage de ses biens personnels. Il a engagé un équipage de 11 personnes pour inventorier et détruire tout ce qui lui appartenait. .
L'artiste Steve McQueen, lauréat du Turner Prize - connu à présent pour ses longs métrages, Hunger, Shame, et 12 Years a Slave - se lance dans la ligne de mire de Deadpan (1997), dans le sillage de la chute du gag house de Steamboat Bill, de Buster Keaton Jr. McQueen fait plus que refaire la cascade; sa présence en tant que Noir transforme l'œuvre en un commentaire sur les relations interraciales et la précarité de l'expérience noire. «Vous devez être parfaitement debout pour ne pas être touché», observe Brougher.
Certains artistes ont pris pour cible le travail de leurs prédécesseurs. En 1953, Robert Rauschenberg demanda à Willem de Kooning un dessin à effacer. De Kooning a humorisé le jeune artiste, reconnaissant dans le geste un changement artistique de la garde, de l’expressionnisme abstrait au pop art. Cependant, il n'a pas facilité la tâche à Rauschenberg, lui donnant un dessin extrêmement complexe qui a pris des semaines à être effacé. Le résultat est un palimpseste fantomatique évoquant la fin d'une époque.
Jake et Dinos Chapman, La blessure à l'insulte, 2004. © Jake et Dinos Chapman. Courtoisie White Cube
Dans un acte similaire de vandalisme créatif, les enfants terriens de Britart, Jake et Dinos Chapman, ont altéré un ensemble de gravures à l'eau-forte de Goya datant de 1810-1820 - qui représentent les horreurs de la guerre d'indépendance de l'Espagne contre la France - pour créer leur insulte au préjudice (2003), remplacer les têtes de victimes par des têtes grotesques de clowns et de chiots.
Mais l'exemple le plus (probablement) le plus célèbre de profanation dans «Damage Control» est L' abandon d'une urne de la dynastie des Han d' Ai Weiwei, un triptyque illustrant le propos de l'artiste chinois. Quand la destruction est-elle créative ou nihiliste? Brougher dit que c'est une ligne fine, mais cela revient à "les idées qui la sous-tendent comme vous le faites". Ai, par exemple, a brisé le flambeau pour critiquer les valeurs de la société - comment nous décidons de ce qu'une œuvre d'art "vaut" et cette valeur en dollars signifie vraiment.
Les dernières pièces de «Damage Control» traitent des peurs actuelles du terrorisme plutôt que de la paranoïa de la guerre froide. Big Bang, de l'artiste israélien Ori Gersht, ressemble à une nature morte mais est en réalité un film, dévoilant sa surprise éponyme au ralenti, tandis que Nature morte aux grenades, de l'artiste palestinienne Mona Hatoum, désactive une cache de grenades en les façonnant en verre de couleur bonbon - mais les dispose sur un chariot en acier qui leur redonne leur potentiel mortel. Brougher considère le thème de la destruction comme un "continuum" dans l'histoire de l'art, les menaces immédiates dans le monde évoluant de bombes à hydrogène à des attentats-suicides et des catastrophes naturelles. "Il n'y avait pas de bon moment pour arrêter [l'exposition]", dit-il. "La partie difficile était de limiter le nombre d'artistes dans le spectacle. Il y a tellement de destruction."
"Prévention des dommages: œuvres d'art et destruction depuis 1950" sera visible jusqu'au 26 mai 2014 et se rendra au Mudam à Luxembourg du 12 au 12 octobre 2014 et au Kunsthaus Graz, de la mi-novembre 2014 à la mi-mars 2015 .
