Toutes les tendances deviennent plus claires avec le temps. Même après 15 ans, en regardant l’art, «vous pouvez voir les motifs un peu mieux», déclare Melissa Ho, conservatrice adjointe au Hirshhorn Museum. «Il existe des tendances plus larges et plus profondes qui ont trait à notre façon de vivre dans le monde et à la façon dont nous le vivons.»
Alors, qu'est-ce que l'art moderne? La question, dit-elle, est moins explicite que discutable à l'infini.
Techniquement, dit Ho, l'art moderne est «l'expression culturelle du moment historique de la modernité». Mais la manière de dévoiler cette déclaration est contestée. Une façon de définir l'art moderne, ou n'importe quoi d'autre, consiste à décrire ce que ce n'est pas. La peinture et la sculpture académiques traditionnelles ont dominé les 17ème, 18ème et 19ème siècles. «Il s'agissait d'une technique parfaite et homogène et de l'utilisation de cette technique parfaite pour exécuter un sujet très bien établi», explique Ho. Il existait une hiérarchie des genres, allant de la peinture d’histoire au portrait, en passant par les natures mortes et les paysages, et des notions très strictes de beauté. «Une partie du triomphe du modernisme consiste à renverser les valeurs académiques», dit-elle.
En quelque sorte comme une réaction contre l'art académique traditionnel, l'art moderne est une expression personnelle. Bien que cela n'ait pas toujours été le cas historiquement, explique Ho, "à présent, il semble presque naturel que votre façon de penser aux œuvres d'art soit l'expression d'une vision individuelle". Le modernisme englobe une grande variété d'artistes et de genres d'art. Mais les valeurs derrière les morceaux sont sensiblement les mêmes. «Avec l'art moderne, l'accent est mis sur la valeur d'être original et de faire quelque chose d'innovant», déclare Ho.
Edouard Manet et les impressionnistes étaient considérés comme modernes, en partie parce qu'ils représentaient des scènes de la vie moderne. La révolution industrielle a entraîné de nombreuses personnes dans les villes et de nouvelles formes de loisirs ont vu le jour dans la vie urbaine. Dans les galeries du Hirshhorn, Ho rappelle le Peuple de Chilmark de Thomas Hart Benton, une peinture représentant une masse d'hommes et de femmes enchevêtrés, qui rappelle légèrement le classique Michelangelo ou le célèbre Radeau de la méduse de Théodore Géricault, sauf qu'il s'agit d'une scène de plage contemporaine. inspiré par la ville du Massachusetts où Benton a passé l'été. Ringside Seats, un tableau représentant un match de boxe de George Bellows, se trouve à proximité, de même que trois tableaux d’Edward Hopper, l’un intitulé First Row Orchestra, qui accueille des amateurs de théâtre dans l’attente du rideau.
Dans l'art de la Renaissance, l'imitation de la nature était mise au premier plan. "Ensuite, une fois que cela a été réduit, l'abstraction est autorisée à prospérer", dit Ho. Des œuvres comme celles de Benton et de Hopper combinent observation et invention. Au début des années 1900, les cubistes ont commencé à jouer avec l'espace et la forme de manière à déformer la vision picturale traditionnelle.
Les historiens de l'art utilisent souvent le mot «autonome» pour décrire l'art moderne. "La langue vernaculaire serait" l'art pour l'art ", explique Ho. «Cela ne doit exister pour aucun type de valeur d'utilité autre que sa propre raison d'être existentielle.» L'évaluation de l'art moderne est donc une bête différente. Plutôt que de demander, comme on pourrait le faire avec une peinture d’histoire, un récit: qui est le personnage principal? Et quelle est l'action? —Évaluer un tableau, par exemple, de Piet Mondrian, devient davantage une question de composition. «Il s’agit de la tension de composition, dit Ho, de l’équilibre formel entre couleur, ligne et volume d’une part, mais aussi de l’extrême pureté et de la rigueur de celle-ci.»
Selon Ho, certains disent que le modernisme a atteint son apogée avec l'expressionnisme abstrait en Amérique au cours de la Seconde Guerre mondiale. Chaque artiste du mouvement a essayé d'exprimer son génie et son style, notamment par le toucher. «Vous obtenez donc Jackson Pollock avec ses gouttes de peinture qui coulent», dit Ho. «Vous obtenez Mark Rothko avec ses champs de couleur très lumineux et finement peints.» Et, contrairement au pinceau invisible de peintures académiques fortement émaillées, les traits de Willem de Kooning sont lâches et parfois épais. «Vous pouvez vraiment sentir comment cela a été fait», déclare Ho.
Peu de temps après la Seconde Guerre mondiale, toutefois, les idées qui animent l’art commencent à changer. Le postmodernisme s'éloigne de la focalisation moderne sur l'originalité et le travail est délibérément impersonnel. "Vous voyez beaucoup de travail qui utilise des moyens mécaniques ou quasi-mécaniques ou des moyens astucieux", explique Ho. Andy Warhol, par exemple, utilise un écran de soie, ce qui supprime essentiellement son contact direct, et choisit des sujets qui dérogent à l'idée de production en série. Tandis que des artistes modernes tels que Mark Rothko et Barnett Newman faisaient des choix de couleurs censés se connecter émotionnellement au spectateur, des artistes postmodernes comme Robert Rauschenberg introduisaient une chance dans le processus. Rauschenburg, dit Ho, était connu pour acheter de la peinture dans des pots non marqués à la quincaillerie.
«Le postmodernisme est associé à la déconstruction de l'idée:" Je suis le génie artistique et vous avez besoin de moi ", déclare Ho. Des artistes tels que Sol LeWitt et Lawrence Weiner, avec des œuvres dans le Hirshhorn, échappent encore à la qualité d'auteur. L'article de Weiner intitulé «UNE BALLE EN CAOUTCHOUC JETÉ SUR LA MER, Cat. Le numéro 146 », par exemple, est affiché au musée en grandes lettres bleues sans empattement. Mais Weiner était ouvert à la reproduction des sept mots dans toutes les couleurs, tailles et polices. "Nous aurions pu prendre un marqueur et l'écrire sur le mur", dit Ho. En d'autres termes, Weiner considérait que son rôle d'artiste était davantage une question de conception que de production. De même, certains des dessins de LeWitt datant de la fin des années 1960 sont essentiellement des dessins sur instructions. Il donne des instructions mais n'importe qui, en théorie, peut les exécuter. «Dans cette génération d'après-guerre, il y a une tendance, en quelque sorte, à la démocratisation de l'art», dit Ho. "Comme le dessin de Sol LeWitt, c'est cette opinion que tout le monde peut faire de l'art."
Des étiquettes comme «moderne» et «postmoderne», qui tentent de déterminer les dates de début et de fin de chaque période, dérangent parfois les historiens de l'art et les conservateurs. «J'ai entendu toutes sortes de théories», dit Ho. «Je pense que la vérité est que la modernité ne s'est pas produite à une date donnée. C’est cette transformation graduelle qui s’est produite au cours de plusieurs centaines d’années ». Bien sûr, pour des raisons pratiques, il faut fixer des dates pour enseigner des cours d’histoire de l’art et organiser des musées. Selon l'expérience de Ho, l'art moderne commence généralement vers les années 1860, tandis que la période postmoderne prend racine à la fin des années cinquante.
Le terme «contemporain» n’est pas attaché à une période historique, comme le sont moderne et postmoderne, mais décrit simplement l’art «de notre époque». À ce stade, les œuvres datant d’environ 1970 sont souvent considérées comme contemporaines. Le problème inévitable est qu’il s’agit d’un corpus d’œuvres contemporaines de plus en plus important dont les professeurs et les conservateurs sont responsables. "Vous devez juste garder un oeil sur la façon dont ces choses se passent", conseille Ho. "Je pense qu'ils vont être redéfinis."
