La partition de la composition indéterminée de John Cage "Fontana Mix" (image: BBC Radio 3)
Avec le développement de la notation musicale, la musique a été libérée des liens délicats des traditions orales et auditives. Une structure sous-jacente normalisée signifiait que tout, du chant grégorien à «Johnny B Goode», pouvait être préservé et proliféré avec une relative facilité. Cependant, à partir des années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, certains musiciens et compositeurs plus progressistes ont commencé à penser que l'équipe de la musique pouvait être plus restrictive que libératrice et a commencé à expérimenter de nouvelles formes de notation musicale graphique plus expressives.
Le compositeur américain John Cage a exploré l'utilisation du hasard et de l'indétermination dans ses compositions musicales dans le but d'effacer sa propre subjectivité de sa musique, la main des artistes pour ainsi dire. Pour communiquer ses «compositions» indéterminées, pour utiliser le terme de manière vague, Cage développa des méthodes élaborées de notation graphique comportant une série de transparents. Il utilisa pour la première fois cette méthode dans la partition de 1958 intitulée «Variations I», qui consistait en six carrés transparents - un avec 27 points représentant le son et cinq avec cinq lignes représentant toute valeur musicale attribuée. La composition a été obtenue en plaçant les carrés les uns sur les autres, quelle que soit leur combinaison. Cage continuerait à développer et à développer cette méthode tout au long des années 1950-1960, comme le montre l'image du haut illustrant la partition un peu plus élaborée de «Fontana Mix». La notation de Cage se compose de quatre cassettes multicanaux, de dix transparents portant points, un transparent portant une ligne droite et dix feuilles de papier sur lesquelles des lignes ondulées de couleur ont été tracées, ainsi qu’un «bâton» ressemblant à du papier millimétré. Les transparents ont été utilisés pour calculer les coordonnées qui ont ensuite été utilisées pour déterminer la bande utilisée, ainsi que les valeurs du son de la bande: longueur (en pouces), volume, timbre, etc. Selon le Guide de la musique classique de toute la musique, Cage a décrit la partition comme «un appareil photo à partir duquel tout le monde peut prendre une photo».
La partition de «Pendulum Music» de Steve Reich (image: Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000)
La partition de «Pendulum Music» de Steve Reich (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) La partition de Steve Reich pour «Pendulum Music» est un ensemble d'instructions écrites expliquant la manière dont la pièce est mise en scène et interprétée. L'enregistrement ci-dessus a été réalisé par Sonic Youth pour leur album de 1999, SYR4: Goodbye 20th Century. Certaines parties de la partition manuscrite sont un peu difficiles à lire. Voici une transcription:
«Deux, trois, quatre microphones ou plus sont suspendus au plafond par leurs câbles, de manière à ce qu'ils soient tous suspendus à la même distance du sol et puissent pivoter librement. Le câble de chaque microphone est branché sur un amplificateur relié à un haut-parleur. Chaque microphone est suspendu à quelques centimètres directement au-dessus ou à côté de son haut-parleur.
La performance commence par les interprètes qui prennent chaque micro, le tirant comme une balançoire, puis les relaient à l’unisson. Les artistes interprètent ensuite avec soin chaque amplificateur jusqu’au point où un retour d’effet survient lorsqu'un microphone bascule directement au-dessus ou à côté de son haut-parleur. Ainsi, une série d’impulsions de retour est dirigée, qui seront soit toutes à l’unisson, soit non, en fonction des relations de phase progressivement changeantes des différents pendules du micro.
Les interprètes s'assoient ensuite pour regarder et écouter le processus avec le public.
La pièce est terminée un peu après que tous les micros se soient immobilisés et que les artistes interprètes / exécutantes tirent les cordons d’alimentation en tirant sur les cordons d’alimentation des amplificateurs. ”
Notation graphique de Brian Eno pour Music for Airports (publiée au verso de la pochette de l'album) En 1978, le musicien Brian Eno a créé l'album phare Ambient 1: Music for Airports . Eno a inventé le terme «ambient» pour décrire ce paysage sonore atmosphérique et le distinguer de la «musique d'ascenseur» en conserve, mise au point par Muzak. Ce faisant, il a créé non seulement un album, mais tout un genre de musique. Eno a été inspiré par des compositeurs tels que Cage et Reich, mais n'avait aucune formation musicale formelle. Quand on lui a demandé pourquoi il n'avait jamais appris à lire de la musique, Eno, qui préférait composer directement sur bande, a répondu:
«Cela ne me serait pas très utile. Il m'est arrivé une ou deux fois de me retrouver coincé quelque part sans mon magnétophone et j'ai eu une idée, essayé de la mémoriser, et comme une bonne idée repose presque toujours sur une nuance inconnue, il est donc automatiquement difficile de s'en souvenir. Donc, dans ces très rares occasions, j'ai pensé: "Mon Dieu, si seulement je pouvais l'écrire." Mais en réalité, une grande partie de ce que je fais concerne les textures sonores, et vous ne pouvez pas le noter de toute façon… C'est parce que la notation musicale est née à une époque où les textures sonores étaient limitées. Si vous parlez de violons et de bois qui définissent la texture du son, si je parle de synthétiseur et de guitare, cela ne signifie rien: vous parlez de 28 000 variables. ”
Au lieu de la notation traditionnelle, Eno a donc créé les graphismes vus ci-dessus, qui semblent être plus soucieux de communiquer une impression visuelle de la musique et ne sont pas vraiment destinés à être utilisés comme un guide pour jouer réellement la musique.
Une page de la partition de «Polymorphia» (Ex Tempore) de Krzysztof Penderecki La «Polymorphia» de Krzysztof Penderecki a été commandée par Radio Allemagne du Nord, Radio-Hambourg, en 1961. Comme son nom l'indique, la pièce prend effectivement diverses formes et change radicalement d'une section à l'autre. Avec «Polymorphia», Penderecki était à la recherche de nouvelles possibilités sonores et, si celles-ci incluent «une musique house hantée terrifiante», il l'a parfaitement cloué. La composition est destinée à 48 instruments à cordes et met l'accent sur le timbre plutôt que sur la hauteur et sur la collision de corps générateurs de sons en métal, bois ou cuir - ce que l'érudit en musique Danuta Mirka appelle les «matières premières» du compositeur. La notation s’inspire en partie d’électroencéphalogrammes, mesures visuelles de l’activité cérébrale. Il évite les mesures traditionnelles en faveur d'une partition divisée en sections de longueur variable et, dans certaines sections, de divisions verticales supplémentaires pour marquer chaque seconde, avec un «espace de hauteur totale» décrivant la hauteur relative de chaque instrument.
Page 183 de la partition du «Traité» de Corenlius Cardew (Cage en spirale) «Treatise» du compositeur anglais Cornelius Cardew a été écrit de 1963 à 1967. Il se compose de 193 pages de notation graphique utilisant des nombres, des formes et des symboles ambigus que Carew a voulu interpréter par l'interprète. Il suggère aux interprètes de s’accorder sur leurs propres règles avant la représentation, mais ne fournit aucune autre instruction explicite pour interpréter la pièce. Dans le manuel “Treatise”, Cardew offre des conseils supplémentaires et énigmatiques tels que “Souviens-toi que l'espace ne correspond pas littéralement au temps” et “Il y a une grande différence entre: a) faire tout ce que tu aimes et en même temps lire les annotations, et b) lire les notations et essayer de les traduire en action. Bien sûr, vous pouvez laisser la partition travailler sur des données données précédemment, mais vous devez la faire fonctionner activement. ”La seule constante de“ Treatise ”est la“ ligne de vie ”très épaisse située au centre de la partition. Il n'a pas de valeur intrinsèque mais est souvent utilisé par les interprètes comme référence de base pour la hauteur de ton ou pour toute autre valeur musicale. En fin de compte, le «traité» est la notation en tant que forme d'art. Comme le dit Carew, «la notation est plus importante que le son. Pas l'exactitude et le succès avec lequel une notation indique un son; mais la musicalité de la notation dans sa notation. "
La notation des échecs se superpose à l'image d'un match d'échecs musical entre Marcel Duchamp et John Cage (Parsons) En terminant, la demi-notation. Je ne compte que la moitié parce qu'il utilise un système de notation traditionnel, mais pas un système de notation musicale . En 1968, John Cage joua un match d'échecs contre Marcel DuChamp dans le cadre de la performance collaborative Reunion (pdf), qui comprenait également de la musique électronique de David Behrman, Gordon Mumma, David Tudor et Lowell Cross. Étant donné son intérêt pour le hasard, Cage n’a pas été conçu par l’œuvre, mais elle a été composée par les musiciens susmentionnés. La carte elle-même a été conçue par des photorésistances Cross et dissimulées, des microphones à contact et des connexions à des générateurs de son. Pendant le match, le mouvement des pièces activait les lumières et la musique électronique, transformant l'environnement de l'exposition en fonction du mouvement des pièces sur le tableau. L'art des échecs se transforme en musique et en lumière, une sorte de synesthésie stratégique. C'est une idée fascinante. Comment serait la défense sicilienne? Ou un gambit de la reine?
Les exemples ci-dessus représentent à la fois la notation pour la musique expérimentale et la notation expérimentale pour la musique. Mais ils ne sont que quelques-uns des nombreux modes de notation graphique et expérimentale explorés par les artistes au cours des 60 dernières années. Alors que certains artistes trouvent des restrictions inspirantes - même si ces restrictions sont apparemment aussi illimitées que la notation musicale - d’autres constatent que des progrès ne peuvent être accomplis que par la destruction des modes de production et de communication acceptés. Et bien que les résultats ne soient pas toujours agréables, ils sont indéniablement intéressants et représentent un effort sincère pour pousser une forme d'art sur un territoire inexploré. Avant-garde dans le vrai sens du mot.
