Diane Arbus est connue pour ses portraits photographiques troublants de personnes vivant à la périphérie de la société. Elle a également été l’un des premiers photographes à passer de la sphère commerciale au monde de l’art, à une époque où critiques et curateurs ne considéraient généralement pas la photographie comme une forme d’art. Elle l’a fait en partie grâce à la force d’un portefeuille qu’elle a commencé à constituer en 1969 pour tenter de créer une certaine indépendance financière et d’établir son identité artistique.
Ce portfolio, une boîte de dix photographies, est exposé au Smithsonian American Art Museum jusqu'en janvier 2019. Le musée est le seul lieu réservé au portfolio, l'une des quatre éditions complètes qu'Arbus a imprimées et annotées. Les trois autres éditions - l’artiste n’a jamais exécuté son projet de fabrication de 50 pièces - sont tenues à huis clos.
L’édition Smithsonian a été réalisée pour Bea Feitler, une directrice artistique employant et se liant d'amitié avec Arbus. Elle comprend une onzième photo, Mme Gladys «Mitzi» Ulrich avec le bébé, Sam, un singe macaque à queue tronquée . Après la mort de Feitler, GH Dalsheimer, collectionneur de Baltimore, a acheté son portefeuille à Sotheby's en 1982 pour 42 900 $. Le musée d'art américain l'a ensuite acheté à Dalsheimer en 1986. Le portefeuille a été rangé dans la collection du musée jusqu'à présent.
Arbus était transparente à bien des égards, mais mystérieuse dans tant d'autres, à commencer par la façon dont elle avait choisi les dix photos incluses dans le portfolio. «Elle n'a pratiquement laissé aucune information à ce sujet», déclare John Jacob, conservateur de la photographie au musée. Jacob affirme que ces photos sont «comment elle s'est vue elle-même, comment elle a créé sa propre image», dit-il. "Cela devient aussi comment nous la connaissons aujourd'hui."
Tout aussi inconnue: pourquoi elle s’est suicidée en 1971, en avalant une poignée de barbituriques et en se coupant les poignets, alors qu’elle semblait atteindre le sommet de sa carrière.
«Considérée par rapport au portefeuille, l'odyssée de Diane Arbus est l'odyssée de la photographie elle-même», explique Jacob. Jacob écrit dans le catalogue de l'exposition: "Au moment de sa mort, Diane Arbus exerçait déjà une influence croissante sur le domaine de la photographie, mais n'était pas connue du grand public."
Une femme avec son bébé singe, NJ de Diane Arbus, 1971 (achat au musée. © The Estate of Diane Arbus) Un groupe de dix "a initié la transition, reliant le passé d'Arbus en tant que photographe de magazines à son émergence en tant qu'artiste sérieux, et joignant une vie de reconnaissance modeste à une carrière posthume de succès extraordinaire", écrit-il.
Philip Leider, rédacteur en chef du principal magazine du monde de l'art - Artforum - a publié le livre patriotique du portfolio avec un chapeau de paille, des boutons et un drapeau sur la couverture et cinq autres images du portfolio dans le numéro de mai 1971, interrompant sa longue tradition d'ignorer le terrain. «Avec Diane Arbus, on peut se trouver intéressé ou non à la photographie, mais on ne le peut plus. . . nier son statut d'art. . . . Ce qui a tout changé, c'est le portefeuille lui-même », a écrit Leider.
Quelques années plus tôt, en 1967, le travail d'Arbus avait fait sensation à New Documents, une exposition présentée au Museum of Modern Art (MoMA) de New York. John Szarkowski, conservateur de la photographie au MoMA de 1962 à 1991 et grand croyant en Arbus, avait choisi 30 de ses portraits à afficher, dont bon nombre de ceux inclus dans Une boîte de dix .
Jacob dit que l'enthousiasme de Leider, ainsi que la sélection du portfolio pour l'exposition d'art internationale de la Biennale de Venise de 1972 (faisant d'elle la première photographe américaine à y être représentée) et une mise en page complète de sept des images du portfolio dans le magazine d'octobre 1972 de Ms. magazine, "Étaient les premiers pas vers le statut presque mythique de Diane Arbus aujourd'hui."
Tailler sa propre direction
Arbus avait sa propre idée de qui elle était et de son travail. Elle a toujours défié les conventions - du rejet de son enfance privilégiée à Manhattan à son mariage non orthodoxe en passant par son choix éventuel de sujets photographiques. À partir du lycée, Arbus avait très envie d'aller dans des endroits où elle n'était ni autorisée, ni attendue, ni même désirée.
Elle avait l’intention de vivre sa vie comme elle le souhaitait, ce qui impliquait de se marier à 18 ans au lieu d’aller à l’université et de suivre son mari, Allan Arbus, vers la photographie.
Diane Arbus: une boîte de dix photographies
Ce livre exceptionnel reproduit la nature de l'objet original et désormais légendaire de Diane Arbus. Le conservateur du Smithsonian, John P. Jacob, qui a mis au jour une mine d'informations nouvelles lors de la préparation du livre et de l'exposition, tisse un récit fascinant de la création, de la production et des répercussions continues de cette œuvre fondamentale.
Publié par Aperture en association avec le Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
Ils ont commencé à travailler ensemble sur dix - sept tendances, Glamour et Vogue après la Seconde Guerre mondiale. Il était le savant technique; elle était l'artiste, qui a proposé la vision de leur travail. Mais ni Allan ni Diane ne voyaient un avenir dans ce qui était alors un milieu relativement sans risque. Allan voulait être acteur. Il passait à Broadway et menait une longue carrière à la télévision et au cinéma, dont celle de psychiatre Sidney Freedman, dirigée pendant dix ans, dans le film MASH, un hit des années 1970.
Pendant ce temps, Diane absorbait tout ce qu'elle pouvait sur la photographie et le monde artistique new-yorkais. Elle étudiait à la New School for Social Research de Bérénice Abbott - une photographe issue de l'avant-garde parisienne des années 1920 pour devenir documentariste. Arbus a ensuite étudié en 1956 avec Lisette Model, également à la New School. C'était Model, une franco-autrichienne connue pour ses portraits photographiques massifs au format 16 x 20 représentant les extrêmes de la société - riches et pauvres, beaux et laids - qui était considérée comme ayant le plus d'influence sur Arbus, en dehors de son mari.
Arbus a également développé des relations durables et importantes avec Marvin Israel, un directeur artistique qu'elle avait rencontré pour la première fois à Seventeen, qui est devenu l'un de ses plus grands clients grâce à sa direction artistique au Harper's Bazaar. C'est Israël qui lui a suggéré de créer un portfolio et il a créé la boîte en plastique translucide contenant les dix photographies . Walker Evans, une documentariste exquise sur la dépression et la vie américaine, devint une amie et une conseillère proche, l’aida à décrocher une bourse de recherche de la Fondation John Simon Guggenheim en 1963. Et son compatriote new-yorkais et pair Richard Avedon, qui travailla également pour Harper's Bazaar et devint connu pour ses portraits tout aussi surprenants - était une bouée de sauvetage importante durant sa carrière artistique émergente.
Secrets et aventures
Model inculque à Arbus l'idée que la photographie peut révéler des secrets. Arbus l'a imprégnée de sa propre philosophie. “Une photo est un secret à propos d'un secret. Plus cela en dit, moins vous en savez », a déclaré Arbus en 1971.
Ce qui semblait transparent dans ses motivations et son travail n'était en réalité qu'une observation de surface. Parfois, l'énigme ne pouvait pas être résolue.
Elle a toutefois expliqué clairement à quiconque souhaitait savoir que la photographie lui permettait de sortir de sa vie et de vivre une aventure. «Mon truc préféré est d'aller là où je ne suis jamais allé», a-t-elle déclaré dans un diaporama pour un groupe de rédacteurs de magazines organisé en 1970 par Cornell Capa, un photojournaliste qui essayait de susciter l'intérêt pour son idée de photographier musée qui devint plus tard le Centre international de la photographie.
Garçon avec un chapeau de paille qui attend pour défiler dans un défilé de Diane Arbus, couverture d' Artforum, mai 1971 (SAAM, achat au musée. © Le domaine de Diane Arbus © Artforum, mai 1971, «Five Photographs», par Diane Arbus Photo de Mindy Barrett) De 1962 à 1967, Arbus s’est rendu dans des camps nudistes autour du New Jersey. Elle les a trouvés étonnants, drôles, minables et pleins de paradoxes. «C’était une vilaine chose à faire et c’était génial», at-elle déclaré lors de son entretien en 1970. Arbus ne pouvait pas simplement aller, tout habillé, et faire le tour des camps. Pour gagner la confiance des résidents, elle s'est déshabillée, ne portant qu'un appareil photo autour du cou et un chapeau sur la tête. Les nudistes ont dit à Arbus qu'ils étaient moralement supérieurs - parce que sans vêtements, il n'y avait plus d'obsession sexuelle. En attendant, "ils ont des magazines sales et ils jouent vraiment au foot tout le temps", a déclaré Arbus.
Un matin, à partir de 1963 , un retraité - un homme retraité et sa femme à la maison dans un camp de nudistes à New Jersey - tombe dans le salon d’un couple plus âgé, comme si le spectateur était assis dans un coin café et bavarder. Ils sourient aimablement. Il porte des pantoufles et elle porte une paire de tongs; les deux sont entièrement nus. Arbus a trouvé hilarant qu’ils aient deux portraits-photos encadrés au-dessus de la télé, tous deux dans l’état d’amélioration.
Elle était connue pour faire du vélo partout à New York, à la recherche de sujets. Le métro fournissait également un fourrage riche. Dans le métro, Arbus rencontra une femme qui ressemblait à Elizabeth Taylor. Elle la suivit et demanda sa photo. Ainsi arriva une jeune famille à Brooklyn lors d'une sortie dominante (1966), qui représentait l'épouse, le mari, la petite fille et, selon les propres termes d'Arbus, un enfant «retardé».
Dépliant promotionnel Une boîte de dix photographies de Diane Arbus, 1970-1971 (achat au musée. © Domaine de Diane Arbus © Artforum, mai 1971, «Five Photographs», de Diane Arbus. Photo de Mindy Barrett) Arbus a également habitué le musée Freak d'Hubert à Times Square, en particulier l'une de ses préférées après avoir vu, puis regardé à maintes reprises, le film Freaks de 1932 de Tod Browning. Lauro Morales, une personne atteinte du nanisme qu'elle a photographiée pendant une décennie, était l'un des sujets de ses nombreux spectacles de carnaval auxquels elle avait assisté. Dans la photo de 1970 qu'elle a incluse dans Une boîte de dix, Morales est assise à moitié nue dans des draps froissés, fedora perchée sur sa tête, une moustache fine comme un crayon soulignant ses lèvres charnues. Il regarde placidement directement la caméra. C'est un portrait extrêmement intime, comme si Arbus venait juste de coucher avec lui.
Elle a également tourné ce regard intime sur des espaces personnels. Un arbre de Noël dans un salon de Levittown, Long Is., NY de 1962 place le spectateur dans la pièce. Deux bras de chaise à peine visibles se détachent du bas du cadre. En fin de compte, Arbus se rendit à Levittown, la première banlieue planifiée du pays, pour y espionner. Elle a saisi cette image en regardant à travers une fenêtre. Les cadeaux sous l'arbre «avaient cet incroyable emballage de Noël», a-t-elle déclaré en 1970.
La critique Marion Magid Hoagland, après avoir vu les portraits d’Arbus au salon MoMA de 1967, a écrit dans le magazine Arts que ses œuvres créaient une sorte de transaction entre la photographie et le spectateur. «Dans une sorte de processus de guérison, nous avons guéri de notre urgence criminelle en ayant osé regarder», a écrit Hoagland. «La photo nous pardonne, pour ainsi dire, de regarder. En fin de compte, la grande humanité de l'art de Diane Arbus est de sanctifier cette intimité qu'elle semblait avoir violée au début. ”
Diane Arbus à Washington Square Park, à New York, par John Gossage, 1967 (Collection privée, photo © John Gossage) La lutte
Tandis qu’Arbus avait une certaine reconnaissance en tant que critique et conservateur à la fin des années 1960 - et l’admiration de nombre de ses collègues du monde de la photo -, son travail commercial déclinait. Arbus et son mari Allan se sont séparés en 1960 et ont finalement divorcé en 1969. Pendant des années, elle a lutté non seulement en tant qu'artiste cherchant à gagner sa vie, mais en tant que mère célibataire avec deux filles.
Elle était sceptique vis-à-vis du monde des musées - malgré son succès grandissant - et souvent de ses propres capacités. Parfois, elle disait qu'elle prenait des "photos pourries".
Et pourtant, Arbus "voyait dans les ventes d’imprimés une source de revenus potentielle", déclare Jacob, conservateur du spectacle, même si acheter des tirages en tant qu’art n’était pas encore courant.
C'était rude. En 1969, le MoMA a acheté deux tirages au prix de 75 $ chacun. La même année, la Smithsonian Institution a acheté cinq estampes pour seulement 125 dollars. Et après presque un an de négociations prolongées, en 1970, la Bibliothèque nationale de France lui a envoyé une vingtaine d’empreintes à un prix compris entre 20 et 30 dollars environ.
Quand elle a commencé à assembler une boîte de dix, elle espérait obtenir 100 $, ou 1 000 $ au total. Les portefeuilles "étaient un travail d'amour" pour Arbus et d'autres artistes, explique Jeffrey Fraenkel, propriétaire de la galerie Fraenkel à San Francisco, qui a exposé de nombreuses photos d'Arbus. «Ils n'ont vraiment fait de l'argent à personne. Au mieux, ils ont établi une sorte d’identité stylistique stable qui a été décaissée dans le monde », a-t-il déclaré.
Lucite Box conçue par Israël pour Une boîte de dix photographies, avec la couverture de Diane Arbus par Diane Arbus et Marvin Israel, 1970-1971 (avec la permission de la Galerie Fraenkel, San Francisco; SAAM, © Le domaine de Diane Arbus, photographies avec la permission de Torin Stephens, Fraenkel Gallery) Le portfolio lui-même - dix tirages, chacun avec un papier vélin superposé dans lequel elle écrivait à la main les légendes - était logé dans une boîte en plastique complètement transparente, qui "servait à la fois de contenant de stockage et de cadre d'exposition", déclare Jeff L. Rosenheim, conservateur. responsable du département de photographie du Metropolitan Museum of Art. Le Met possède l’ensemble des archives Arbus. Au lieu de fixer les photos de manière statique sur le mur, la propriétaire du portefeuille «pourrait faire pivoter vos photos et vous faire plaisir, et je pense qu'elle a dû aimer cette idée», déclare Rosenheim.
Quand Arbus a vendu un portefeuille à l'artiste Jasper Johns, elle a écrit à son ex-mari à la fin d'avril 1971: «Le premier qui ne me connaît pas», ajoutant: «Quatre sont vendus, deux fois et demi payés. Les propriétaires sont hors de qui est qui. Ma confiance est absurde sur des montagnes russes. "
Arbus n'a jamais su à quel point elle devait devenir célèbre. Après son suicide, ses filles, Doon et Amy, ont décidé de compléter l'édition de 50, comme prévu. Neil Selkirk, un étudiant d'Arbus, a imprimé le reste. C'était une tâche difficile, notamment parce qu'Arbus avait perfectionné sa propre technique d'impression idiosyncratique. Bien qu'elle ait proclamé que la prise de la photo était l'aspect le plus important de son travail, «personne n'était plus bananier qu'elle ne se souciait de l'impression», dit Selkirk.
Beaucoup de ces éditions posthumes ont été cassées pour la vente, ayant paru dans diverses maisons de vente aux enchères. Et certaines des éditions complètes posthumes ont été vendues, la dernière en date de Christie's en avril 2018 pour 792 500 $. D'autres ensembles complets posthumes sont conservés dans des collections de musées aux États-Unis, à Londres, à Amsterdam et à Hanovre, en Allemagne. Trois ensembles imprimés par Arbus, étiquetés «épreuves d'artiste» parce qu'ils ne comportent pas de surimpression de vélin, sont conservés par la Tate London / la Galerie nationale d'Écosse, les Harvard Art Museums et le Pier 24 Photography à San Francisco.
Mais, comme le disait Arbus dans son discours de 1970, "Vos images comptent plus pour vous que pour quiconque".
«Diane Arbus: une boîte de dix photographies» est exposée au Smithsonian American Art Museum de Washington, DC, jusqu'au 21 janvier 2019.
