C'est un après-midi de novembre froid et pluvieux, et l'artiste abstrait Mark Bradford parle de léviter. Il y a deux ans, travaillant sur une commande pour le musée et le jardin de sculptures Hirshhorn du Smithsonian, il a eu une vision de lui flottant au centre de la cour de l'immeuble. Il se souvient d'avoir pensé: «Je me trouve au milieu d'une question», considérant le travail comme «un problème que je devais résoudre».
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Le peintre basé à Los Angeles était au Hirshhorn pour l'ouverture de sa nouvelle exposition solo. L'installation Pickett's Charge s'étend sur presque 400 pieds et consiste en huit toiles mesurant 12 pieds de hauteur et plus de 45 pieds de long. Il fait écho au cyclorama encore plus grand de 1883 réalisé par l'artiste Paul Philippoteaux représentant une attaque décisive de la guerre de Sécession. C'est le 3 juillet 1863, troisième et dernier jour de la bataille de Gettysburg, que le général George Pickett et ses troupes confédérées n'ont pas réussi à percer la ligne de contrôle de l'Union. Cette défaite historique a inversé le cours des forces de l'Union.
Philippoteaux, un soi-disant spécialiste du cyclorama basé à Paris, a interviewé des survivants et a étudié la stratégie militaire. Alors qu’il travaillait sur les peintures et les dioramas qui les accompagnaient, «il n’a pas pris parti», explique Evelyn Hankins, la conservatrice principale du Hirshhorn. "Il a dépeint la valeur des soldats - l'honneur du combat et la passion - plutôt que de prendre parti."
Un effet 3D de jouer avec la profondeur et la perspective, combiné à des représentations époustouflantes de scènes littéraires, religieuses et militaires, a rendu les cycloramas très populaires à la fin du XIXe siècle en Europe et en Amérique. Le Gettysburg Cyclorama, méticuleusement restauré, reste l’une des rares œuvres de ce type présentées aux États-Unis.
Pour Bradford, le cyclorama et d’autres peintures américaines de l’époque soulèvent des questions sur la politique des monuments commémoratifs militaires. «Combien de fois passons-nous devant de vieux monuments poussiéreux», dit-il, et réfléchit profondément à ce qu'ils signifient? Il parle non seulement des statues confédérées et des débats sur leur maintien ou leur départ, mais également des hélicoptères de la guerre du Vietnam qu'il a remarqués sur le terrain des Archives nationales adjacentes au Hirshhorn. Les hélicoptères ont été temporairement installés pour l'ouverture du spectacle sur le Vietnam. Ces démonstrations défient l’objectivité. Les Américains ne peuvent se mettre d’accord sur les événements à honorer, oublier, ignorer ou critiquer. Il demande donc: «Comment écrit-on l’histoire? Qui a le pouvoir d'écrire. . . et l'histoire du concours? "
Le cyclorama de Gettysburg en 1883 de l'artiste français Paul Philippoteaux représente Pickout's Charge. (Ron Cogswell / Wikimedia) Il suggère indirectement que nous avons tous ce droit et cette responsabilité, affirmant que «remettre en question le pouvoir est la pierre angulaire de la démocratie». La clé, dit-il, réside dans des conversations ouvertes alimentées par la curiosité. Les questions invitent au dialogue, dit-il. "Les réponses ne ferment que les gens."
Pour que le dialogue reste ouvert, en le poussant parfois vers un territoire inconfortable ou inattendu, Bradford utilise différents médias pour refléter l'histoire de l'Amérique. Sa première exposition solo dans un musée à Los Angeles incluait Spiderman, une vidéo qui parodie les routines sexistes et homophobes de la comédie «stand-up» des années 1980, et Finding Barry, une carte sculptée soulignant les taux d’infection par le VIH aux États-Unis.
Après l’ouragan Katrina, il a construit Mithra, une arche de plus de 70 pieds présentant les signes de la FEMA que les survivants avaient l'habitude d'essayer de localiser les animaux perdus après la tempête. Actuellement au Musée d'art du comté de Los Angeles, 150 Portrait Tone est une peinture de la taille d'une fresque représentant le tir de la police à St Paul, dans le Minnesota, de Philando Castile.
Récipiendaire d'une subvention «génie» de la MacArthur Foundation en 2009, Bradford a grandi dans un internat dans les années 1960 au sud du centre de Los Angeles. L'aîné de deux enfants, il n'a jamais connu son père; sa mère a travaillé comme coiffeur. Au début des années 1970, elle a décidé de déménager sa famille dans un quartier plus sûr de Los Angeles - il l'appelle «la Santa Monica of. . . Birkenstocks et les magasins d’aliments naturels socialistes. »Sa mère a finalement ouvert son propre salon à Leimert Park, près de leur quartier. Après le lycée, il a obtenu sa licence de coiffeur et est allé travailler avec sa mère.
L'installation Pickett's Charge s'étend sur presque 400 pieds et consiste en huit toiles mesurant 12 pieds de hauteur et plus de 45 pieds de long. (Gracieuseté de l'artiste et Hauser & Wirth. Photo: Cathy Carver) Dans les années 1980, en tant qu’homme gay et noir, il a rencontré des personnes qu’il connaissait appartenant au monde des clubs de Los Angeles et leurs homologues d’autres personnes mourant de maladies liées au sida. Espérant échapper à leur destin, il s'est échappé par intermittence en Europe pendant la majeure partie de sa vingtaine. Il accumulait ses revenus de coiffure et voyageait jusqu'à épuisement de l'argent, puis travaillait un peu plus, économisait et revenait partout.
Au début de la trentaine, il s'était réinstallé à Los Angeles et s'était inscrit à une école d'art. Il a expérimenté différents médias et dévoré les écrits de philosophes et de théoriciens de l'art, obtenant des diplômes de licence et de maîtrise en beaux-arts du California Institute of the Arts. Il continua à travailler dans le salon de sa mère, tout en faisant de l'art et en découvrant comment utiliser l'abstraction pour étudier la race, le genre et la socioéconomie. En 2001, une exposition collective au Studio Museum de Harlem le place sur la liste de souhaits des collectionneurs du monde entier.
Les peintures de Bradford se vendent généralement pour un million de dollars. Pour créer ces œuvres, il récupère du matériel dans les rues de Los Angeles, une pratique qui remonte à ses jours après l'école d'art, lorsqu'il ne pouvait se permettre d'acheter de l'acrylique et d'autres fournitures coûteuses. Il préfère utiliser les objets trouvés, "en tirant dessus et en y mettant de la bonne manière des choses qui n'appartiennent pas au monde de l'art."
Il pourrait également ajouter de la peinture pour maison, des feuilles de support utilisées pour les traitements chimiques des cheveux ou les publicités colorées destinées aux prêteurs sur salaire et aux autres entreprises ciblant les résidents à faible revenu. Il superpose ces éléments en grands collages, puis gratte, chante et décolore les peintures à l'aide d'outils électriques, d'eau de Javel et d'autres méthodes.
Pickett's Charge (Two Men) (détail) de Mark Bradford, 2016-2017 (Gracieuseté de l'artiste et Hauser & Wirth. Photo: Joshua White) Pour Pickett's Charge, il avait des images numériques du Gettysburg Cyclorama imprimées sur des panneaux d’affichage à dos bleu, ce qui empêchait les images et les lettres sur les calques sous-jacents de filtrer visuellement. Pour créer une sorte d'échafaudage, il fixa de minces cordes dans des dizaines de rangées horizontales, espacées de quatre pouces, sur de grandes toiles.
«J'étais tellement effrayé quand j'ai réalisé à quel point 400 pieds linéaires sont grands», dit-il, qu'il avait besoin de cordes pour créer un «mécanisme de mise à la terre [pour moi] afin de ne pas paniquer». Il les compare à l'explosion contrôlée par un archéologue qui permet une analyse méthodique. creuser à l'histoire ci-dessous. Les cordes sont devenues l'architecture sous-jacente. «Je ne fais pas beaucoup de croquis», explique-t-il. "Je travaille tout en travaillant."
Il a appliqué des feuilles de papier dans des couleurs similaires à celles de la peinture de Philippoteaux et a appliqué les images de Gettysburg en dernier. Puis il a creusé le panneau publicitaire, tirant sur ses cordes de guidage et les couches de papier. Les «échos» des cordes arrachées ont créé des cercles concentriques sur les toiles. Comme dans ses travaux précédents, il a gratté et déchiré ces peintures par essais et erreurs jusqu'à ce qu'il se sente complet.
L'emplacement du musée le long du centre commercial national a inspiré les peintures autant que la galerie circulaire Hirshhorn dans laquelle elles sont suspendues. «J'ai toujours été obsédé par ce qui s'est passé dans le centre commercial», dit-il. «C'est un site pour les rituels de démocratie et de dissidence», comme la Marche pour l'emploi et la liberté en août 1963 et la Marche des femmes en janvier 2017. La recherche historique de Bradford pour Pickett Charge portait sur les contributions négligées des femmes pendant le mouvement des droits civiques. .
Dans la galerie Hirshhorn, Bradford se tient devant Dead Horse, le dernier des tableaux de Pickett's Charge qu'il a créés, et décrit comment son processus a changé au fil des ans. «Il y a une qualité en trois dimensions que je n'ai jamais laissée arriver autant auparavant», dit-il. «La physionomie de la surface saute un peu plus. Les fissures que j'autorise à y être - ce n'est pas aussi "joli". »Il agite la main avec un doigt sur la toile et déclare, de façon spontanée:« Je peux voir les échos de Venise ici. »
Pickett's Charge (L'homme au drapeau) (détail), Mark Bradford, 2016-17 (Gracieuseté de l'artiste et Hauser & Wirth. Photo: Joshua White) «Venise» est la Biennale de Venise, le prestigieux festival d'art organisé tous les deux ans en Italie. Grâce à une collaboration entre le Musée d'art de Baltimore et le Rose Art Museum de l'Université Brandeis, Bradford a créé Tomorrow Is Another Day, une installation immersive de sculptures et de peintures pour le pavillon américain de la Biennale. L'exposition tire son nom de la dernière phrase de Vivien Leigh dans le film Gone with the Wind de 1939 et explore la noirceur en Amérique, de l'esclavage aux récentes fusillades et acquittements de la police.
Bradford affirme que l'impact sociopolitique de son travail «ne vient pas toujours des peintures». Il n'a pas non plus vraiment séparé son art de son militantisme. «Je n'ai jamais vu la différence», explique-t-il. «Tout est lié à moi.» Il a profité du salon de Venise pour annoncer un partenariat de six ans avec Rio Terà dei Pensieri, une coopérative locale qui fournit une formation professionnelle aux détenus et les aide à s'adapter à la vie après leur libération.
La durabilité économique est une passion de longue date pour lui, depuis l'époque où «ma mère et moi travaillions dans un salon de beauté», dit-il. «Garder les entreprises mères-populaires. Je suis intéressé par l'accès et la satisfaction d'un besoin "dans la communauté."
Avant la collaboration à Venise, il avait pratiqué de manière plus formelle l'art et la défense des droits: il y a trois ans, Bradford, Allan DiCastro (son partenaire depuis 20 ans) et le philanthrope Eileen Harris Norton ont cofondé Art + Practice, une fondation vouée aux arts et à l'éducation. offre des services de soutien pour les jeunes et les événements culturels. Le siège social de l'organisation comprend le bâtiment qui abritait autrefois le salon de sa mère à Leimert Park, un quartier éloigné de l'ancien pensionnat de son enfance.
«Mark Bradford: Pickett's Charge» est présenté au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, jusqu'au 14 novembre 2021.
