La mort de la peinture a été prédite pour la première fois au milieu du 19e siècle, lorsque l'avènement de la photographie a semblé arracher la réalité des mains du peintre. "Si la photographie est autorisée à remplacer l'art dans certaines de ses fonctions", écrivait le poète et critique d'art français Charles Baudelaire en 1859, "elle le remplacera bientôt ou le corrompra complètement". Depuis, les artistes tentent de comprendre les implications de la photographie.
Les impressionnistes tels que Monet et Renoir, rejetant l’image statique et mécanique des photographies ainsi que la peinture académique obsolète de leur temps, ont entrepris de peindre leurs propres impressions sur la façon dont l’œil perçoit la lumière et l’atmosphère dans la nature. Certains de leurs contemporains, dont Degas et Toulouse-Lautrec, ont adopté une approche différente. Ils ont commencé à utiliser des photographies pour s’inspirer - en réduisant leurs images comme l’appareil photo pourrait, par exemple, et en introduisant des distorsions de perspective basées sur l’objectif de l’appareil photo.
Puis, il y a cent ans, Matisse et Picasso ont réalisé les peintures radicales qui définiraient une nouvelle ère d'art moderne. Matisse a défiguré la figure en 1907 avec son Blue Nude, une peinture pour libérer son imagination et briser les habitudes nées du dessin de la vie. Picasso a également utilisé des photographies pour peindre ses 1907, Les Demoiselles d’Avignon, chaque personnage ressemblant à une exposition multiple, vue sous des angles différents à la fois - un pas décisif dans le cubisme.
Au cours du XXe siècle, des peintres tels que Wassily Kandinsky et Jackson Pollock ont complètement abandonné le concept d'art en tant que représentation, produisant des toiles ne contenant aucun objet reconnaissable. Dans leurs œuvres "abstraites", la peinture elle-même est devenue le sujet. Dans les années 1960, des artistes conceptuels - inspirés par Marcel Duchamp et d'autres dadaïstes des années 1920 - ont adopté l'idée selon laquelle l'art doit viser l'esprit et non l'œil, créant des peintures dans lesquelles l'idée qui sous-tend l'œuvre est plus importante que l'œuvre elle-même. . À quelques exceptions évidentes - Pop Art, Photo Realism et artistes tels que David Hockney -, l'art figuratif ou figuratif était en grande partie considéré comme une chose du passé à la fin du XXe siècle. Mais ces dernières années, un certain nombre de peintres contemporains ont commencé à remonter aux racines de l’art moderne pour trouver de nouveaux modes d’expression. Ils mélangent la figure humaine et d'autres formes reconnaissables avec des éléments d'abstraction et de récit ambigu d'une manière sans précédent.
«L’enthousiasme que suscite actuellement ma profession est formidable», déclare Joachim Pissarro, conservateur en peinture et dessin au Museum of Modern Art de New York. "Il y a trente ans, on parlait de la fin de la peinture. Aujourd'hui, personne ne s'en soucie." Pour la jeune génération, "la polarisation entre abstraction et représentation qui existait dans la seconde moitié du XXe siècle n'a plus de sens. Ce que nous voyons maintenant est très intéressant. Et totalement nouveau."
Réparties de Brooklyn à Trinidad en passant par Leipzig, en Allemagne, les artistes représentés dans ces pages renouent avec "une croyance en la peinture", déclare Laura Hoptman, conservatrice en chef du New Museum of Contemporary Art à New York.
Peter Doig
"Lorsque les gens ont commencé à s'intéresser à mon travail à la fin des années 1980, la peinture était totalement hors de propos", a déclaré Peter Doig, un Écossais de 49 ans vivant à Trinidad. "Ce que les galeries considéraient comme étant à la pointe de la technologie était tout conceptuel - la peinture sur la peinture, un art qui dit quelque chose sur sa fabrication. J'ai délibérément travaillé contre cela. Pour moi, une fois que vous êtes peintre, vous êtes constamment obligé de regarder le monde en tant que sujet potentiel pour la peinture. Et cela va de voir quelque chose dans la rue, voir quelque chose dans un film, dans un magazine, tout vraiment. "
L'atelier de Doig, installé dans une distillerie de rhum rénovée à Port of Spain, la capitale de la Trinité, regorge de grandes toiles illustrant des paysages ressemblant à des jungls, des rivières maculées de peinture et des personnages ambigus. Lorsqu'il quitta Londres pour la Trinité en 2003, nombre de ses amis l'appelèrent "faire un Gauguin", du nom de l'artiste français Paul Gauguin, qui s'installa à Tahiti en 1891 pour ne faire qu'un avec la nature. Le style de Doig est parfois comparé à celui de Gauguin, mais son approche de la peinture est très différente. Sa méthode repose sur une sorte de traitement de l'information qui commence souvent par une photographie, dit-il, car peindre à partir de photographies l'éloigne de ce qui est réel ou vrai. "Pourquoi un tableau doit-il être véridique?" il demande.
Doig a réalisé plusieurs peintures à partir d'une vieille carte postale achetée dans un magasin de bocaux londonien illustrant une scène fluviale en Inde. "Quand je peins directement à partir de la nature", dit-il, "je suis trop occupé à essayer de bien faire les choses. Utiliser la photographie, ou une carte postale, me permet juste de prendre ce que je veux et de laisser le reste de côté. J'ai fait une photo du petit gourou dans la carte postale, et a pris une autre photo de cela, et je l'ai fait sauter pour qu'il devienne un blob flou, et j'ai peint à partir de cela, et il est devenu une sorte d'homme barbu, quelque chose de mystérieux et noir. Je ne sais pas s’il est religieux ou fanatique, mais il a quelque chose de spirituel. "
Il montre du doigt une toile représentant une silhouette fragmentaire escaladant un palmier, serrant son tronc contre le tronc et laissant entrevoir un vide abstrait de coups de pinceau, de gouttes et de fissures. "Ces gouttes et ces fissures sont le genre de belles choses uniques dans la peinture", dit-il. "Vous prenez des risques et ils vous sont donnés, mais je les détesterais pour devenir un maniérisme ou un gadget." Laura Heon, directrice du SITE Santa Fe, a toutefois été frappée par la figure lors de la présentation du tableau à la Biennale de 2006 du musée. "Dans un sens, c'est un retour à l'humanisme", dit-elle. "Il y a quelque chose de très généreux à faire une photo d'un être humain."
Une rétrospective majeure du travail de Doig ouvrira ses portes à la Tate Modern de Londres en février.
Dana Schutz
Dans les peintures de Dana Schutz, le faux et le réel sont difficiles à distinguer. "Je sais que mes images sont construites, mais j'y crois lorsque je peins", explique-t-elle dans son atelier d'un ancien bâtiment industriel transformé en coopérative d'artistes à Brooklyn. Schutz, 30 ans, aime créer des personnages et les intégrer à différents scénarios dans une série de peintures, où ils semblent prendre vie. Une de ces séries est celle de figures qu’elle appelle des "mangeuses de soi" - une forme dépouillée de personnes qui survivent en se nourrissant de parties de leur propre corps, puis en se reconstruisant. Les peintures, avec leurs images fantastiques et ce qu'elle appelle ses "couleurs extraverties" - roses et rouges vifs, violets électriques et greens de la jungle - ont été louées comme un nouvel expressionnisme, et il est facile de les interpréter en termes de maux sociaux. modèles anorexiques à la consommation vorace ou même un aperçu de la psyché de l'artiste. Mais Schutz n'est pas d'accord.
"Je ne suis pas un expressionniste", proteste-t-elle. "Ces peintures ne disent pas de moi ce que je ressens du tout." Les mangeurs de soi, dit-elle, "sont une solution imagée; vous pouvez les séparer et les réassembler. C'est comme s'ils venaient tout juste de devenir matériels."
Mais Schutz dit que ses peintures sont parfois inspirées par ce qu’elle voit sur Internet ou auxquelles elle pense à l’époque. "Je veux que ces peintures commencent quelque part dans l'imagination du public, où les gens sentent qu'ils pourraient connaître cette histoire, comme la chirurgie plastique ou la production-consommation, ou la manière dont nous créons des histoires alternatives pour nous-mêmes", dit-elle. "De plus en plus, je me sens comme la chose la plus radicale que l'art puisse faire est de donner à quelqu'un une expérience qu'il pense inconnue d'une certaine manière."
Pour Schutz, il n'y a pas de frontière nette entre la peinture abstraite et la peinture figurative. "Je ne pense pas à eux comme quelque chose de séparé." Dans une nouvelle peinture représentant un homme et une femme qui conduisent, les personnages de la voiture semblent presque plastiques, comme s’ils fondaient dans un paysage hawaïen très chaud. "La façon dont je pense à eux", dit-elle, "est-ce qu'à l'avenir, si vous nous regardiez, quelles caractéristiques resteraient-elles, d'une manière légèrement déformée ou généralisée?
"Peut-être sommes-nous en train de réaménager la silhouette", poursuit-elle. "Faire de la peinture sur la peinture a l'air tout simplement fou. Tout ce qui parle de la peinture. Je pense que les artistes veulent maintenant donner un sens et produire un effet. C'est très différent du 20ème siècle."
Une exposition des œuvres de Schutz ouvre ses portes en novembre à la Galerie des beaux-arts contemporains de Berlin, en Allemagne.
Neo Rauch
À Leipzig, l'artiste allemand Neo Rauch, âgé de 47 ans, influence une génération de peintres de l'après-guerre froide avec des peintures ambiguës mêlant réalisme et fantaisie, de l'ordinaire à l'étrange. S'inspirant des styles graphiques des bandes dessinées et de l'art commercial du bloc de l'Est, du réalisme social de l'Allemagne de l'Est communiste, de ses propres images de rêve et d'éléments de son paysage urbain, Rauch décrit le genre de personnages que l'on pourrait trouver sur des affiches de propagande, mais il les installe Des scènes qui, dit-il, sont "plausibles de manière confuse" - à la fois familières et étranges.
Rauch décrit ses peintures comme des allégories avec une iconographie personnelle qui reste privée. Il a récemment confié à un intervieweur du Metropolitan Museum of Art de New York que ses décisions en tant que peintre risquaient de défier la raison, même la sienne. Mais ce qu’il inclut dans une peinture a sa propre réalité, dit-il, car "malgré tout le désir d’interprétation, la peinture devrait conserver le privilège de placer ce qui ne peut pas être verbalisé dans une structure évidente". Rauch décrit son processus de fabrication d'une peinture comme une lutte pour concilier ce qui est reconnaissable et ce qui est inexplicable. "Pour moi, a-t-il dit, " peindre signifie poursuivre un rêve avec d'autres moyens ".
Une exposition de l'œuvre de Rauch est actuellement présentée au Metropolitan Museum of Art de New York (jusqu'au 14 octobre).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, à l'instar de son collègue Dana Schutz, diplômé de l'école d'art de l'Université Columbia, a installé son studio dans un loft industriel reconverti à Brooklyn. Ses peintures, inspirées de la peinture d'histoire française française de la fin du 19ème siècle, combinent des éléments figuratifs avec des techniques dérivées du graffiti et de l'expressionnisme abstrait.
"Adolescent, alors qu'il grandissait dans le centre-ville de Philadelphie, j'étais d'abord un graffeur", dit-il. "J'ai eu toutes sortes de problèmes, j'ai été arrêté, mais j'ai toujours eu un pied en cours d'art." Finalement, le père d'un ami l'a emmené dans des galeries d'art à New York. "C'est vraiment la seule façon dont j'aurais su que le monde de l'art avait jamais existé", dit-il.
Furnas, 34 ans, peint ses toiles à plat, comme Jackson Pollock. Mais au lieu de gouttes de peinture à l'huile à la Pollock, il crée des flaques de peinture à base d'eau qu'il empile les unes sur les autres pour créer sa forme. Pour une série sur la guerre civile, il a rempli une seringue de peinture acrylique rouge qu'il a jetée sur ses toiles pour représenter le sang. "Les huiles ne sècheraient jamais à temps pour la façon dont j'utilise la peinture", dit-il, "à plat sur le sol, dans des flaques. Une grande partie de cela remonte au graffiti. Une des choses que j'ai aimée dans le graffiti, c'est qu'elle Vous pouvez enlever un aérosol de capuchons de bombe aérosol, par exemple un nettoyant pour comptoir, et le mettre sur un aérosol de peinture pour obtenir un effet complètement différent de la buse ... Je ne me suis jamais ennuyé même des chevalets ou des pinceaux. J'ai une énorme collection de bouchons de bombe aérosol, comme certains de ces peintres à l'huile ont des pinceaux. Dans mon travail, il y a une sorte de mélange volontaire de ce qui se trouve dans la quincaillerie et de l'art. "
À l'école d'art de Columbia, Furnas s'est rebellé contre une génération d'enseignants plus âgés qui étaient, dit-il, "des artistes conceptuels et postmodernes, presque pas de peintres". Il considérait la peinture comme un acte d'expression hors de la mode. Il souhaitait également que son travail soit accessible aux téléspectateurs sans qu'il soit nécessaire que les universitaires l'interprètent. "Je ne voulais pas que ces gens en costume noir parlent de mon travail", dit-il. "Je ne voulais pas d'intermédiaire." Il a décidé de "retourner aux sources du modernisme", dit-il, "à Courbet, Géricault et Manet, à la peinture d'histoire française de la fin du XIXe siècle. J'ai pu ré-enquêter sur le genre et le traiter différemment. Donc, je suis devenu ce genre de consommateur de magasins d’économies modernistes! "
Une exposition des œuvres de Furnas est prévue pour le printemps à la galerie Stuart Shave / Modern Art de Londres.
Katherine Lee
Dans une ancienne caserne militaire transformée en studios d'artistes au Collège de Santa Fe, Katherine Lee, 22 ans, se demande comment sa génération câblée se penchera sur l'art. "Nous lisons tant de messages visuels instantanés", dit-elle, "comme des messages publicitaires - lisez-le et obtenez-le - et je veux qu'un tableau soit intéressant plus longtemps qu'une pause publicitaire. Je pense qu'il y a une peur du récit, et vient de l'idée de «l'obtenir». Les gens sont tellement habitués à la publicité qu’ils veulent que ce qu’ils voient dans une peinture soit pré-pensé par quelqu'un d’autre. Mais la publicité fait un si bon travail qu’il faut peut-être trouver une nouvelle stratégie. "
Un paysage mystérieux, presque noir, avec une tache de lumière lointaine, est épinglé au mur du studio de Lee. Il a l'atmosphère sombre et la profondeur d'un paysage du 19ème siècle, mais Lee l'a peint à partir de plusieurs photographies en utilisant un mélange de graphite, d'huiles et de pots de peinture en aérosol. Le feuillage sombre suggère une jungle ou une forêt et il y a quelque chose qui ressemble à un parapluie rouge au milieu de tout cela. Mais il n'y a pas de personnes. Il est difficile de savoir quoi que ce soit de la scène, et c'est exactement ce qu'elle veut. "Ce parapluie dans la forêt suggère que quelque chose se passe", dit-elle. "J'aime l'idée que tout agisse comme un contenu potentiel. Je ne pense vraiment pas à ce que cela signifie quand je le fais, parce que je sais que cela va avoir son propre sens."
Lorsqu'elle peint des figures humaines, comme dans une image à l'huile et en graphite d'un couple romantique qu'elle appelle Untitled Love, Lee veut que la peinture intéresse autant le spectateur que l'image. "Ce n'est pas vraiment de la peinture figurative", dit-elle, "parce que ce n'est pas vraiment à propos de ces personnes. Quand j'ai commencé la peinture, c'était vraiment à peu près la figure, mais très vite cela a semblé trop plat. Je suis vraiment frustré et en quelque sorte détruit La plupart de la peinture, et c’était beaucoup mieux. J’ai pris un pinceau et tout effacé violemment. En résumant tout, le tableau s’ouvre, il gagne beaucoup de contenu potentiel au lieu de s’expliquer explicitement. "
Les peintures de Katherine Lee seront exposées lors d'une exposition de thèse à la Galerie des Beaux-Arts du Collège de Santa Fe en mai.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, 32 ans, récemment diplômée de la School of the Arts de l'Université de Columbia, est un peintre dont le travail ajoute au nouvel enthousiasme suscité par la peinture contemporaine mêlant abstraction et représentation. Dans son atelier de Brooklyn, les toiles sont couvertes de grands coups de pinceau abstraits rappelant celui de Kooning, mais elles incorporent le genre de figures qu'un peintre comme Matisse aurait pu imaginer. Neel dit que sa propre sensibilité est façonnée par le flot d'images qui l'entoure, de la publicité à la télévision en passant par les films, les vidéos et Internet. "Nous consommons des images presque dès le jour de notre naissance", a-t-elle déclaré, estimant que l'art doit désormais faire face à cet environnement.
Petite-fille d'Alice Neel, peintre figurative du XXe siècle, Elizabeth surfe souvent sur Internet pour trouver des images avant de commencer à peindre. Elle ne projette pas de photographies sur une toile, mais fait des croquis des images qu’elle souhaite utiliser. Parfois, dit-elle, les aspects purement formels de la réalisation d'une peinture - l'échelle de ses coups de pinceau, par exemple - peuvent changer son intérêt pour la photo et la renvoyer sur Internet pour de nouvelles images et idées. "Je pense que la peinture peut avoir une merveilleuse dualité; elle peut être à propos de soi et du monde", dit-elle, "et c'est un bon passage dans une peinture lorsque cela se produit".
Le collectionneur britannique Charles Saatchi a acheté plusieurs peintures de Neel et en inclut certaines dans sa série d’expositions en cours, "Le triomphe de la peinture", dans sa galerie londonienne. Neel aura une exposition personnelle au Deitch Projects à New York au printemps 2008. Son travail est visible sur le site Web de Deitch Projects.
L'écrivain et peintre Paul Trachtman vit au Nouveau-Mexique. Son article sur les dadaïstes a été publié dans le Smithsonian de mai 2006 .
