Pour une fois, le battage médiatique est exact: The Artist est une image honnête en noir et blanc, silencieuse, présentée dans le format d'image à l'ancienne de l'Académie plutôt que sur écran large. Si vous n'avez jamais vu de film muet, c'est un excellent point de départ. Si vous êtes un amateur, The Artist est un trésor de références de films, de blagues, de pastiches et de références à des cinéastes à la fois célèbres et obscurs. Et si les Weinstein appliquent le même marteau-support que celui qu'ils ont utilisé avec Shakespeare in Love, il y a de fortes chances pour que ce soit le premier silence à remporter un Oscar depuis Tabu il y a 80 ans.
Nous les appelons films muets aujourd'hui, mais ils étaient presque toujours accompagnés d'une forme de musique et d'effets sonores. À l'origine, Thomas Edison considérait les films cinématographiques comme un complément à son phonographe, et son personnel a expérimenté le son synchronisé dès 1895 - vous pouvez voir les résultats sur le site American Memory de la Bibliothèque du Congrès.
Le langage ou la grammaire du film qui a évolué à partir de ces jours est encore utilisé aujourd'hui: les gros plans, les intersections, les pistes et les panoramiques seraient tous familiers aux premiers réalisateurs. Mais regarder un film muet est différent de regarder un film sonore. D'une part, vous devez vous concentrer davantage: vous avez très peu de marge de manœuvre, aucune possibilité de détourner les yeux de l'écran. Vous devez faire attention tout le temps. Les personnages se font connaître par l'action et non par le dialogue. Les administrateurs silencieux étaient donc toujours à la recherche de morceaux d'affaires ou même de costumes qui permettraient d'identifier rapidement les types de personnalité. Les acteurs avaient tendance à être plus expressifs physiquement, avec leurs mains et leurs corps, mais aussi leurs sourires et leurs grimaces.
Dujardin avec Missi Pyle comme Constance.
Certains considèrent le silence comme une forme de conversation plus primitive, mais les meilleurs cinéastes ont réussi à établir avec les téléspectateurs un lien qui transcendait les limites du support. Des réalisateurs comme FW Murnau, Buster Keaton, Carl Dreyer et Jean Renoir ont fait du silence un élément de leur arsenal. Souvent, leurs personnages ne pouvaient pas parler, que ce soit à cause de la situation dans laquelle ils se trouvaient ou de leur réticence naturelle. Lorsque les nouveaux mariés s'embarquent pour leur lune de miel dans The Crowd de King Vidor, leurs sentiments sont indéniables, malgré l'absence de dialogue. Le dernier rire de Murnau se déroule sans aucun intertitre pour dialoguer.
Presque tous les grands réalisateurs des années 1930 ont été formés au silence, et s’il existe une caractéristique distinctive qui unit des artistes aussi disparates que John Ford et Alfred Hitchcock, c’est leur capacité à raconter une histoire en termes purement visuels. Ce qui est dit dans des films comme The Searchers ou Psycho est important, mais vous n'avez rien à entendre pour comprendre l'histoire.
La musique était un élément crucial des premiers films muets: elle pouvait colorer les émotions d’une scène, améliorer le rythme, aider à identifier les personnages et leurs motivations. À mesure que l'industrie se développait, les films de prestige recevaient des partitions élaborées qui étaient interprétées par des orchestres complets dans les théâtres primeurs. Des films encore plus modestes avaient des feuilles de repère qui recommandaient des chansons ou des thèmes musicaux pour des scènes.
La transition des silences aux talkies à la fin des années 1920 est courte et pénible. Les carrières ont été détruites, les techniques abandonnées, les subtilités perdues. Il a fallu des années à Hollywood pour retrouver sa base artistique. Les silences ont continué à se faire sentir jusque dans les années 1930, généralement pour des raisons économiques. En dehors de cascades comme Silent Movie de Mel Brooks, les cinéastes «talkies» ont tendance à assimiler les stratégies de silence au son. La fin de Topkapi de Jules Dassin est par exemple presque totalement silencieuse. Il en va de même pour l’ouverture de WALL-E de Pixar et un magnifique montage détaillant la vie d’un couple marié à Up .
Dans l’Artiste, le réalisateur Michel Hazanavicius emprunte généreusement à plusieurs films et réalisateurs muets, mais cite également des classiques du film tels que Singin 'in the Rain, Une étoile est née, Citizen Kane et The Thin Man . En un sens, ces références sont des raccourcis, des moyens de créer une atmosphère et une atmosphère pour les téléspectateurs, de les tenir dans des histoires et des personnages familiers et populaires tout en s'adaptant pour regarder un film sans dialogue. En mettant des moments bien connus de films sonores classiques dans des cadres silencieux, Hazanavicius souligne à quel point le présent est étroitement lié au passé. Par exemple, le célèbre montage du Citizen Kane à la table du petit-déjeuner, où le mariage de Kane se désagrège après une série de regards et des titres changeants des journaux, est une séquence silencieuse que Hazanavicius peut retravailler sans effort dans The Artist .
Le réalisateur a adopté une approche similaire dans OSS 117: Cairo, Nest of Spies, une parodie de James Bond mettant en vedette les auteurs principaux de The Artist 's, Jean Dujardin et Bérénice Bejo. OSS 117 et sa suite, Lost in Rio, étaient à la fois amusants et respectueux, mais divertissants à la fois. Si vous aimez les films d'espionnage, vous apprécierez peut-être davantage les blagues que quelqu'un qui n'en a jamais vu.
Dujardin pense à un avenir sans films muets.
De la même manière, si vous avez vu des films de Douglas Fairbanks, vous êtes mieux à même de juger à quel point Dujardin l'imite avec grâce et élégance. Si vous ne connaissez pas Fairbanks, vous connaissez toujours son type et Hazanavicius vous donne un autre "po" à l'histoire en vous rappelant Gene Kelly dans Singin 'in the Rain .
Une fois que vous avez dépassé les cascades de The Artist, vous vous retrouvez avec une histoire qui n'a souvent pas de sens narratif, qui devient morose et maudlin pendant une grande partie de sa seconde moitié, qui reste sur le personnage de Bejo et qui manque de cinétique. action qui a marqué les meilleures comédies silencieuses. L'artiste est résolument intermédiaire - divertissant, oui; bien fait, certainement; mais pas l'égal des films qu'il imite. D'un autre côté, ce n'est pas un «chef-d'œuvre» turgescent, ni une épopée monstrueuse et sans fin sur le sort de l'humanité. C'est accessible, amusant, peu exigeant, comme beaucoup de films grand public de l'ère du silence. Pourquoi ne pas découvrir à quel point des films comme My Best Girl avec Mary Pickford, ou encore The Mark of Zorro avec Fairbanks, ou l'un des courts métrages de grands comédiens tels que Keaton, Charlie Chaplin et Harold Lloyd peuvent être amusants?
Malgré les espoirs des cinéphiles, je ne pense pas que The Artist inspirera une flopée de fonctionnalités muettes en copie. Mais si au moins certains téléspectateurs sont persuadés que les silences ne doivent en aucun cas être effrayés et qu'il est même possible d’apprécier quelque chose, le jeu en valait la chandelle.
