Le kiosque caverneux du Metropolitan Museum of Art de New York est encombré de monde, mais Alex Katz est incontournable. L’artiste célèbre pour ses peintures figuratives lumineuses se tient près du bureau d’information vêtu d’un parka si orange qu’il a l’air radioactif. L’orange est l’une des couleurs préférées de Katz, et la veste, ornée de bandes réfléchissantes argentées, est le genre de vêtements que l’équipage peut porter pour diriger le trafic sous la pluie. Mais ce parka de fabrication française est carrément chic, un peu à la manière de son propriétaire, qui a au moins 10 ans de moins que ses 82 ans, une tête lisse (il le rase quotidiennement) et des traits aussi tranchants que ceux des personnages suaves qui peuplent son peintures.
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Le peintre figuratif parle du processus artistique, de son éducation et de ses influences
Vidéo: Derrière la toile avec l'artiste Alex Katz
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Il est venu au Met pour voir une exposition d'œuvres de Pierre Bonnard, le post-impressionniste français qui a eu une grande influence lorsque Katz a commencé. "Bonnard était très important au début des années 1950", déclare Katz. "Sa peinture allait dans la même direction que [Jackson] Pollock, à l'écart d'un plan confiné. Elle était recouverte de lumière, juste de lumière et de couleur." Il ajoute: "Ce sont de superbes peintures; ils ont une très bonne ambiance. Bonnard est génial avec les rouges et les oranges - il est très difficile d'obtenir une transparence avec le rouge!"
Maverick depuis le début, Katz a atteint sa majorité lorsque l'expressionnisme abstrait régnait encore, mais il s'est tourné vers la peinture de paysages et la figure humaine. Au fil du temps, ses peintures sont devenues plus grandes. "S'appuyant sur l'échelle monumentale, la composition et les lumières dramatiques des expressionnistes abstraits, il battrait la génération héroïque à leur propre jeu", a écrit le critique Carter Ratcliff dans une monographie de 2005 sur Katz.
"C’était une porte ouverte", a déclaré Katz aujourd’hui. "Personne ne faisait de la peinture de représentation à grande échelle."
S'inspirant des films et des panneaux publicitaires Cinemascope, ses images très stylisées anticipent également le Pop Art. Son évocation impitoyable de figures plates et lumineuses avait une qualité quotidienne qui les liait à l'art commercial et à la culture populaire. Au début, son travail était souvent interrompu. Clément Greenberg, le critique célèbre pour avoir défendu les expressionnistes abstraits, "a en fait fait tout son possible pour dire à quel point j'étais dégoûtant", a rappelé Katz dans un article qu'il avait écrit pour le New Criterion .
Mais l'opinion critique n'a jamais semblé compter pour Katz. "Alex est un homme de confiance et de clarté suprême", a déclaré Adam Weinberg, directeur du Whitney Museum of American Art. "Il a rapidement compris de quoi il s'agissait et était absolument intrépide et déterminé dans cette quête. Cette persistance lui a permis de surmonter les mouvements contradictoires du monde de l'art."
Aujourd'hui, la popularité de Katz est en train d'exploser. Ses évocations typiquement américaines de personnes lors de cocktails ou de la plage et ses paysages du Maine ont pris leur envol en Europe, notamment après que le collectionneur Charles Saatchi a présenté ses Katzes dans son musée privé à Londres il y a une décennie. Le peintre a également trouvé un nouveau public important chez lui aux États-Unis. Alors que la peinture figurative faisait son retour à la fin des années 80 et 90, une jeune génération d'artistes a commencé à voir Katz avec une nouvelle appréciation. "Les artistes regardaient leurs prédécesseurs, mais peu d'entre eux avaient continué à rester dans cette zone figurative de manière constante, avec son degré de détachement", explique Weinberg. "La fraîcheur est quelque chose que les artistes de toutes les générations admirent - cool dans le sens du détachement, mais [aussi] cool dans le sens de la hanche."
Comme Warhol avant lui, Katz n'a aucun problème à concilier les mondes de l'art et de la mode, qu'il s'agisse de créer des œuvres d'art pour le magazine W ou d'obtenir des mannequins tels que Christy Turlington et Kate Moss. "J'ai toujours été intéressé par la mode parce que c'est éphémère", dit-il. Katz lui-même a même conçu cette année pour le catalogue de printemps J. Crew.
L’octogénaire élégant est, de son propre chef, aussi occupé que jamais. Jusqu'à présent cette année, Katz a présenté des expositions à Milan et Catanzaro en Italie, à Paris, à Vero Beach en Floride, en Finlande et dans sa galerie new-yorkaise, PaceWildenstein, où il a récemment présenté une série de couchers de soleil monumentaux.
"Je veux rivaliser avec les enfants!" a-t-il déclaré un après-midi assis sur un canapé en cuir dans son loft SoHo, à Manhattan, où il vit depuis 1968. Son studio est situé juste au-delà du salon. Un espace aéré, aux murs blancs, inondé de lumière du jour. Il n'y a pas de tache de peinture sur le sol en linoléum. "Je n'aime pas la pagaille", dit Katz. "Je n'aime pas la peinture sur mes vêtements, mes mains ou mes meubles."
Une série de toiles gigantesques fraîchement peintes est disposée autour du studio - chacune étant une frise de têtes énormes, certaines d'hommes, d'autres de femmes. Ces pièces rappellent ce que l'artiste faisait il y a des décennies, notamment dans une série de peintures murales qu'il a réalisées à Times Square en 1977. "J'ai travaillé à la réalisation de ce type de peinture" réaliste artificielle "", a-t-il déclaré. efforts. "Je veux faire quelque chose de plus grand qu'une peinture descriptive."
Pour réaliser l'une de ses grandes œuvres, Katz peint un petit dessin à l'huile d'un sujet sur un tableau de masonite; la séance peut durer une heure et demie. Il fait ensuite un petit dessin détaillé au crayon ou au fusain, le sujet revenant peut-être à l'artiste pour qu'il le corrige. Ensuite, Katz transforme le dessin en un "dessin animé", utilisant parfois un rétroprojecteur, et le transfère sur une énorme toile via un "ponçage" - une technique utilisée par les artistes de la Renaissance, qui consiste à utiliser un pigment en poudre introduit à travers de minuscules perforations pour reproduire le dessin. la composition sur la surface à peindre. Katz pré-mélange toutes ses couleurs et prépare ses pinceaux. Puis il plonge et peint la toile - 12 pieds de large sur 7 pieds de hauteur ou même plus - en une session épique de six ou sept heures. "Tout est fait humide sur humide", explique-t-il. Les peintures se mélangent et deviennent lumineuses.
De loin ou en reproduction, les images de Katz sont très lisses, mais de près, vous remarquerez les coups de pinceau et les petites touches de couleur contrastante qui attirent le regard. Plus que la technique picturale ou l'image représentée, son travail porte sur le style. "Je voudrais tout aussi vite que le style soit le contenu, le style plutôt que la forme", dit-il. "Le style est ce qui rassemble toutes les parties disparates."
Ada, la femme de Katz, entre dans son atelier et offre du café. On pourrait pardonner à une visiteuse d'avoir présumé l'avoir déjà rencontrée, tant elle est connue pour être la muse et la modèle de Katz tout au long de leurs 51 années de mariage. Les longs cheveux qui lui effleurent les épaules sont maintenant gris, mais les yeux sombres expressifs de son visage serein sont les mêmes que ceux qui se cachent sous un chapeau dans Red Coat (1982), sous un parapluie dans The Blue Umbrella (1972). et des six Adas portant le même fourreau de cocktail glamour dans l’une de ses œuvres les plus populaires, The Black Dress (1960). Son mari dit qu'elle est une version américaine du célèbre mannequin et maîtresse de Picasso, Dora Maar. Mais, Katz n'hésite pas à ajouter: "Quand j'ai vu des photos de Dora Maar, j'ai dit:" Picasso s'est trompé sur son cou et ses épaules! " Ada a un cou et des épaules bien meilleurs. "
Le discours de Katz porte encore des traces de son enfance dans le Queens, à New York. Fils d'un émigré qui avait perdu une usine qu'il possédait en Russie à la suite de la révolution soviétique, Katz "a sombré dans l'art", dit-il. Il étudiait l'art commercial dans un lycée professionnel local quand il a commencé à dessiner à partir de moulages de sculptures antiques et a été admis à la Cooper Union School of Art de Manhattan. Il a rencontré Ada, qui avait étudié la biologie à l'Université de New York, lors de l'ouverture d'une galerie en 1957. "Elle est d'une grande beauté", dit-il. "Les gestes sont parfaits. Elle est en quelque sorte une actrice. C'est aussi une italienne très forte, originaire du Bronx - tu ne peux pas battre ça." (Le couple a un fils, Vincent Katz, 49 ans, poète et critique d'art.) La vie sociale avec Ada dans les années 50 et 60 était centrée sur les poètes - Frank O'Hara, John Ashbery, Kenneth Koch - autant que les peintres. "Ils faisaient face à des expériences quotidiennes, de manière sophistiquée", se souvient Katz. (Dans le portrait de Katz en 1967, Koch semble légèrement inquiet derrière une grande paire de lunettes à monture de corne.)
Katz est peut-être plus connu pour ses portraits, mais il s’est également consacré à des paysages, des œuvres audacieuses précisément parce qu’ils manquent de personnel et "jettent les cordes vitales" de l’intérêt humain, a noté le critique David Cohen. "Ils travaillent selon les propres termes de Katz ou pas du tout." Beaucoup sont des évocations du Maine, où il va peindre chaque été depuis 60 ans, et où il a une maison et un atelier sur un petit lac.
"C'est une vanité en quelque sorte", dit Katz. "C'est comme si vous pouviez peindre la même rivière deux fois différemment. Je peins souvent au même endroit. C'est comme si on peignait Ada encore et encore - pour voir si vous pouviez obtenir autre chose du même sujet."
Le Colby College Museum of Art, situé à Waterville, dans le Maine, a consacré une aile de 10 000 pieds carrés aux œuvres de Katz, dont il a fait don pour la plupart. En outre, il a acheté pour le musée de nombreuses œuvres d'artistes tels que Jennifer Bartlett, Chuck Close, Francesco Clemente, Elizabeth Murray et, plus récemment, Marsden Hartley (originaire du Maine). Il y a cinq ans, il a organisé à Colby un spectacle de jeunes stars de l'art telles qu'Elizabeth Peyton, Peter Doig et Merlin James, qui travaillent sur le même territoire figuratif tracé par Katz.
L'atrophie de Katz est difficilement gagnée. C'est un super-jock, qui court et fait "des tonnes" de pompes et de sit-ups quand il est chez lui à New York; dans le Maine, il s'entraîne, dit-il, jusqu'à quatre heures par jour - courir, faire du vélo et nager. Jusqu'où peut-il courir? "Aussi loin que je le souhaite. Je peux surperformer physiquement beaucoup de jeunes de 21 ans", dit-il.
Il dit qu'il rivalise également avec des artistes de la moitié de son âge "pour le public", bien que leurs armes soient limitées. "Mon sujet n'est pas particulièrement intéressant", dit-il avec un sourire. "Ce n'est pas un sujet brûlant - tu sais, pas de crucifixion, pas de violence, pas de sexe." Ses outils sont la couleur et la lumière, et sa propre vision dégagée du monde. "J'essaie de faire de la peinture une apparence simple", dit-il, citant avoir vu un portrait de Velázquez représentant une infanta de Habsbourg dans une exposition itinérante du Metropolitan Museum à l'âge de 20 ans: "Ce n'était rien, c'est si simple! Quelque chose pourrait être si simple et tellement. Juste un fond vert, une petite fille - tout était parfait. Il n'y a pas de scénario. C'est immédiat. Il a peint directement. Il l'a vu, il l'a peint. "
Une peinture Katz, malgré toute sa fraîcheur, projette un sentiment. "Les images sont supposées être lyriques, elles sont censées vous donner une place", dit-il. "Je veux faire quelque chose qui ressemble à votre condition plus heureuse. Les images impressionnistes sont fondamentalement cela: la peinture impressionniste est un mensonge heureux."
Les bons mensonges de Katz sont ces beaux visages intemporels à la peau parfaite, ou les arbres d'un été dans le Maine, toujours feuillus et verts.
Pourtant, parfois, même l'élégante Ada peut paraître grave, au bord des larmes. Et les paysages peuvent être sombres, notamment ses scènes nocturnes ou nocturnes hantées, avec leurs couches de ténèbres nuancées bien plus sombres que la plupart des portraits nets et colorés. Dans la récente série de couchers de soleil, par exemple, Katz capture le temps qui passe. Il était difficile de faire les esquisses à l'huile, rapporte-t-il. Seulement 15 minutes environ sur un porche du Maine avant la tombée de la nuit. Dans ces grandes peintures, vues ensemble, le temps passe vite et le ciel devient une orange impossible, se reflétant dans le lac. Ensuite, dans le tableau suivant, le lac est devenu gris foncé. Ces images, avec des arbres noirs au premier plan, sont élégiaques - leur sujet est les dernières minutes de lumière auxquelles personne ne peut s'accrocher.
Heureusement, il y a de la consolation, même ce que Katz appelle une sorte d'éternité, dans l'art même. "C'est la différence entre une peinture et un coucher de soleil", dit-il. "La peinture restera avec vous, mais le coucher de soleil disparaîtra." Et ainsi, Katz reste concentré sur le moment, peignant comme s'il n'y avait pas de lendemain.
L'écrivain Cathleen McGuigan vit à New York.
La photographe Stephanie Sinclair est également basée à New York.
