Lee Krasner était une innovatrice constante, allant même jusqu'à couper et recycler des œuvres antérieures qui ne répondaient plus à ses normes élevées. Elle a adopté le style cubiste popularisé par Pablo Picasso, l'approche «globale» de l'expressionnisme abstrait et la forme colorée de collage évoquée dans les créations de fin de carrière d'Henri Matisse - mais sa polyvalence a longtemps été négligée par le monde de l'art, trop souvent classé elle est un personnage marginal dans les cercles expressionnistes américains, mieux connue comme l'épouse consciencieuse de Jackson Pollock.
Une exposition à venir à la Barbican Art Gallery de Londres vise à recadrer l'image de Krasner. Elle s'appuie sur près de 100 œuvres pour retracer la trajectoire de ses cinquante années de carrière. Intitulée Lee Krasner: Living Colour, la rétrospective présente des autoportraits anciens, des dessins au fusain, des peintures abstraites à grande échelle, des collages et des sélections de la célèbre série «Little Images».
Né aux immigrants russes en 1908, Krasner décida de devenir artiste à 14 ans en s’inscrivant au seul cours d’art local ouvert aux filles à l’époque. Comme l'a écrit Charlotte Flint, assistante de l'exposition, dans un billet de blog Barbican, le jeune natif de Brooklyn a rapidement abandonné les styles traditionnels, optant plutôt pour les audacieux mouvements modernes mis au point par Picasso, Matisse et d'autres artistes avant-gardistes.
Lee Krasner, "Mosaic Table", 1947, collection privée (© Fondation Pollock-Krasner. Gracieuseté de Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York). 
Lee Krasner, "Résumé n ° 2", 1947, Centre IVAM, Espagne (© Fondation Pollock-Krasner. Gracieuseté de l'IVAM) 
Lee Krasner, "Palingenesis", 1971 (© Fondation Pollock-Krasner. Avec l'aimable autorisation de la Kasmin Gallery, New York) «Reconnue pour sa rude indépendance, Krasner a été l’une des rares femmes à avoir pénétré dans l’école de New York dans les années 1940 et 1950 », écrit Meredith Mendelsohn dans un éditorial d’ Artsy . Krasner, déjà une figure bien établie de la scène artistique locale, a rencontré son futur mari lors d'une exposition en 1941 où toutes deux avaient des œuvres à l'affiche. Ils se marient en octobre 1945 et s'installent rapidement dans une ferme rurale située à East Hampton où ils pourront mieux se concentrer sur leur métier. Alors que Pollock était occupée à créer ses peintures au goutte-à-goutte panoramiques caractéristiques, elle s'est concentrée sur la production de ses toiles kaléidoscopiques.
Selon Rachel Cooke du Guardian, le couple s’était séparé de celui-ci au moment de l’accident mortel de Pollock en 1956. Après une journée de beuverie, l’artiste a tristement perdu le contrôle de la roue, se tuant ainsi qu’Edith Metzger, réceptionniste de Ruth Kligman (peintre et maîtresse de Pollock à l’époque), sous le choc; Kligman, qui était également dans la voiture, a miraculeusement survécu à l'accident.
Après la mort de Pollock, Krasner a emménagé dans son atelier - «il était inutile de le laisser vide», a-t-elle dit plus tard, et a commencé à réaliser d'énormes peintures qui l'obligeaient à franchir la grange tout en brandissant un pinceau à manche long idéal pour manœuvrer coins lointains.
«C'était presque comme si elle s'était dévoilée», écrit Cooke. "Désormais, elle pourrait travailler à une échelle sans précédent."
Selon Mendelsohn d’ Artsy, les "peintures sur terre " de Krasner - également connues sous le nom de "Night Journeys" - les toiles aux tons neutres datent de 1959 à 1962 - ont marqué un tournant dans sa carrière. Ennuyé par l'insomnie liée à la mort de Pollock et à celle de sa mère en 1959, Krasner changea de style, produisant des peintures avec ce que l'historien de l'art David Anfam appelle un «degré d'intensité psychologique» inédit, caractérisé par «une échelle émotionnelle et un mouvement féroce». œuvres, rendues dans des tourbillons chaotiques de brun, crème et blanc, diffèrent radicalement des peintures abstraites Color Field populaires à l'époque. Contrairement aux toiles muettes et sereines de Mark Rothko et Barnett Newman, les dernières créations de Krasner étaient gestuelles, ouvertement agressives, évoquant les peintures au goutte-à-goutte de son mari décédé.
Lee Krasner, "Imperative", 1976. Galerie d'art nationale, Washington DC (© Fondation Pollock-Krasner. Avec l'aimable autorisation de la Galerie d'art nationale, Washington DC) Après les «peintures sur fond d'ombre», Krasner est retournée dans le monde aux couleurs vibrantes - une démarche qui démontre sa volonté de réinventer.
"L'image fixe la terrifiait", a déclaré la conservatrice Eleanor Nairne à Sotheby's Joe Townend. «Elle pensait que c'était un geste inauthentique de penser que des images singulières pourraient contenir tout ce qu'elle était en tant que personne. Elle a traversé ces cycles de travail et ces rythmes, et ce fut souvent un processus très pénible. "
Au cours de sa carrière, Krasner est souvent revenue à des œuvres antérieures. Plutôt que d'admirer ses réalisations passées, cependant, elle les a complètement modifiées, coupant et réorganisant des fragments pour créer de nouvelles pièces.
Une œuvre néo-cubiste sans titre créée en 1984, l'année de son décès, est peut-être la meilleure illustration de la demande constante de Krasner en matière de réinvention. Comme l’a écrit Phillip Barcio d’IdeelArt, la toile (sa dernière œuvre connue) mélange peinture, dessin au fusain et collage, synthétisant les nombreux médiums que l’artiste a utilisés tout au long de sa vie dans une «déclaration simple, profonde et élégante».
Lee Krasner: Living Color est présenté à la Barbican Art Gallery de Londres du 30 mai au 1er septembre 2019.
