Dans un peu plus d’un an, le musée du Prado de Madrid fêtera son bicentenaire avec une programmation d’expositions à grand succès. La liste des artistes présentés se lit comme une édition éclair de "Who's Who", couvrant plusieurs continents, mouvements et époques, mais parmi les sélections prestigieuses, deux portraitistes de la Renaissance révolutionnaires se distinguent: Lavinia Fontana, un maniériste largement considéré comme le première artiste professionnelle et Sofonisba Anguissola, une femme noble italienne qui a été peintre de la cour du roi Philippe II d’Espagne.
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Selon Javier Pes, de artnet News, ce déménagement est une étape marquante pour le musée national d'art espagnol, deux ans à peine après que le Prado a dédié pour la première fois un spectacle à une peintre, la peintre de la nature morte Clara Peeters.
Fontana et Anguissola étaient tous deux italiens, mais chacun avait une éducation très différente: Fontana, née à Bologne en 1552, était la fille d'un peintre mineur qui l'avait encouragée à s'intéresser aux arts; pendant ce temps, Anguissola est née dans la noblesse crémone en 1532 et elle et sa sœur Elena ont été envoyées étudier la peinture sous Bernardino Campi.
Fontana, décédée en 1614, est l'une des premières femmes à avoir peint des nus féminins. Au cours de sa formidable carrière, elle a réalisé des commandes de retables religieux à Bologne, Madrid et Rome; des portraits saisissants et richement détaillés de puissants clients; et même bénéficié du soutien des papes Grégoire XIII et Clément VIII. À 25 ans, Fontana a épousé un collègue peintre, Gian Paolo Zappi, qui a pris la décision inhabituelle de placer la carrière de sa femme avant la sienne. Tandis que Zappi gérait le marché intérieur, s'occupant des onze enfants du couple tout en jouant le rôle d'assistant et d'agent de sa femme, Fontana jouissait d'un niveau de liberté créative sans précédent.
Anguissola arriva à la cour espagnole en 1559, faisant office de dame d'honneur de la troisième épouse de Philip II, la reine Elisabeth de Valois, et y resta jusqu'en 1573. Lauren Kilroy-Ewbank, professeure adjointe d'histoire de l'art à l'Université Pepperdine, note que Anguissola, qui a vécu jusqu'au début des années 90, a attiré l'attention des maîtres de la Renaissance et du baroque: Michelangelo aurait fait l'éloge de ses créations adroits, tandis qu'Anthony van Dyck l'a visitée en Sicile vers la fin de sa vie, désireux de peindre son propre portrait de l'artiste estimé . Et, dans la première chronique complète de l’histoire de l’art, Giorgio Vasari a écrit qu’Anguissola «a lutté contre les difficultés du design avec plus d’étude et une grâce plus belle que toute autre femme de notre époque».
L: Sofonisba Anguissola, "Autoportrait à l'épinette", 1561 et R: Lavinia Fontana, "Autoportrait à l'épeautre", 1577 (Wikimedia Commons) Les styles distinctifs adoptés par Fontana et Anguissola sont peut-être mieux illustrés par une paire d'autoportraits au thème similaire: dans l'oeuvre «Autoportrait à l'épinette» de 1561, Anguissola revêt sa ressemblance dans une robe sombre et sombre, minimisant ainsi l'accent mis sur elle. l'éducation mondaine - représentée par les doigts souples qui glissent sur les touches d'un instrument qui ressemble à un piano - avec un clin d'œil aux vertus féminines de la modestie et de la piété que valorise la société de la Renaissance. Comparativement, «L'autoportrait chez l'épinette» de Fontana, daté de 1577, trouve la jeune artiste vêtue de riches tons rouges, annonçant non seulement ses talents musicaux, mais aussi son art, évoquant un chevalet vide situé à l'arrière-plan de la scène.
Selon Katherine A. McIver, historienne de l'art qui écrit pour Woman's Art Journal, l'effet global de ces portraits est étonnamment varié compte tenu du sujet qui leur correspond. «Anguissola […] se présente comme une personne vertueuse et talentueuse, mais moins redoutable», note McIver. "Tout en travaillant dans les paramètres définis comme convenant à son statut et à son sexe, Fontana ne concède rien."
Anguissola a peut-être amoindri sa confiance en elle dans «Autoportrait à l'épinette», mais comme l'explique Katy Hessel pour Artsy, elle a également trouvé le moyen de subvertir l'autorité patriarcale. Un autoportrait de 1550 représente le professeur de l'artiste, Campi, en train de peaufiner un tableau de son élève. Initialement, la scène semble refléter un regard masculin conventionnel dirigé vers une femme, mais un examen plus approfondi montre qu'Anguissola «se moque de la tradition en montrant son maître en train de peindre les détails embellis de sa robe - le genre d'activité normalement confiée à un apprenti - comme elle-même, l'artiste, affirme sa propre apparence et celle de son maître.
Sofonisba Anguissola, "Autoportrait avec Bernardino Campi", v. 1550 (Wikimedia Commons) Le Prado n'a pas encore révélé les œuvres qui figureront dans son exposition du bicentenaire, mais Frieze indique que le musée de Madrid aura recours à des emprunts auprès d'institutions américaines, qui détiennent la majorité des peintures existantes des artistes. Selon artnet News 'Pes, le Musée national des femmes dans les arts de Washington, DC a déjà confirmé le prêt de deux œuvres de Fontana: «Portrait d'une femme noble» (1580) et «Portrait de Costanza Alidosi» (1594). Le Walters Museum of Art de Baltimore étudie actuellement une demande concernant l'œuvre de 1557 d'Anguissola intitulée «Portrait du marquis Massimiliano Stampa».
L’exposition de Madrid arrive à un tournant du calcul des artistes féminines oubliées: en juillet, la National Gallery de Londres a acheté un autoportrait du peintre baroque Artemisia Gentileschi pour environ 4, 6 millions de dollars. La pièce, «Autoportrait en tant que sainte Catherine d’Alexandrie», établit un record pour le travail de Gentileschi et, ce qui est choquant, n’est que la vingtième œuvre d’une femme à entrer dans la vaste collection de peintures européennes de la galerie.
Dans une autre actualité baroque, une artiste belge, Michaelina Wautier, dirige actuellement sa première rétrospective, une exposition co-sponsorisée par le musée ananois de Stroom et le Rubenshuis d'Anvers. À une époque où la plupart des artistes femmes étaient vouées à peindre des fleurs, Wautier a inversé les conventions entourant le corps nu en tournant son regard sur les membres charnus et charnus du dieu du vin, Bacchus.
"Les femmes artistes qui ont excellé au début de la période moderne l'ont généralement fait à contrecœur", a déclaré la réalisatrice de NMWA, Susan Fisher Sterling, dans une interview accordée à Pes. "Changer le récit enraciné est une tâche ardue mais qui prendra de l'ampleur à mesure que de plus en plus d'institutions rassemblent et exposent des œuvres d'art réalisées par des femmes."
