Ce billet fait partie de notre série en cours dans laquelle ATM invite un certain nombre de blogueurs invités de la Smithsonian Institution: des historiens, des chercheurs et des scientifiques qui gèrent les collections et les archives des musées et des centres de recherche. Aujourd'hui, Amy Henderson de la National Portrait Gallery intervient dans le cinéma en tant qu'art. La dernière fois qu'elle nous a écrit, David McCullough était en visite au Smithsonian.
Qu'est-ce que c'est “l'image en mouvement” qui nous arrête dans nos traces? Si quelqu'un publie une vidéo sur votre mur Facebook, n'êtes-vous pas plus susceptible de cliquer que de vous rendre sur d'autres liens? Pourquoi regardons-nous des films sur nos téléphones cellulaires? Pourquoi y a-t-il un centre commercial piétonnier à Times Square, où des millions de personnes sont assises sur des chaises de plage et contemplent des images renvoyées par un son surround? Dans les musées, les visiteurs encombrent toujours les galeries d'images en mouvement. Pourquoi la vidéo stimule-t-elle tant l'esprit?
Au début du 20e siècle, alors que le film était muet et que les acteurs étaient anonymes, les gens affluaient dans les théâtres pour regarder des projections scintiller sur le grand écran. Après l'avènement des "talkies", les studios hollywoodiens ont créé un univers parallèle d'étoiles "plus grandes que nature". Les femmes ont blanchi leurs cheveux blond platine en hommage à Jean Harlow dans Red Dust, et les hommes ont bu des martinis comme s'ils étaient William Powell dans The Thin Man. Nous voulions porter ce que les stars portaient à l'écran: au beau milieu de la Grande Dépression, la société de couture Butterick vendit 500 000 motifs de la robe à manches bouffantes que Joan Crawford portait en 1932 dans Letty Lynton, suggérant même des matériaux moins coûteux pour les égouts domestiques à remplacer la soie de la star du film. L'enlèvement semble sans limites.
Je suis fasciné par la façon dont les films définissent la culture. Avant le film, l'Amérique est relatée dans divers médias, mais rien ne bouge - tout ce que nous devons examiner de cette époque est statique, comme des papillons délicats épinglés dans une vitrine. Et, en fait, nous avons du mal à imaginer ces individus figés, bougeant, respirant, parlant, marchant, chantant, allant même à l’accomplissement de leurs routines quotidiennes. Lorsque je présente aux visiteurs l'exposition «Présidents de l'Amérique» de la galerie de portraits, je leur rappelle que nous ne savons pas vraiment à quoi ressemblait même nos pères fondateurs, à moins que différents artistes ne l'aient décrit. et on ne peut que deviner à quoi ils ressemblaient.
Le faucon maltais du romancier policier Dashiell Hammett a été adapté au cinéma en 1931. (Image reproduite avec l'aimable autorisation de la National Portrait Gallery (c) 1937, Edward Biberman) Je pensais au pouvoir du film de révéler récemment alors que je me préparais à présenter une projection du Faucon maltais à la galerie de portraits. Ce film de 1941 a marqué les débuts de John Huston en tant que réalisateur et la transition de Humphrey Bogart de gangster à la tête de casting. Il est indéniable que la Dépression est une ère noire dans les ombres; comme le roman de Dashiell Hammett datant de 1930 et portant le même nom, la narration du film se poursuit comme un film d'actualité; Sam Spade (Bogart), le Fat Man (Sydney Greenstreet) et Joel Cairo (Peter Lorre) sont dessinés avec audace et parlent dans un dialogue rapide qui renforce le rythme staccato du film. Le moment capturé de l'histoire laisse peu de temps pour la nuance ou la subtilité; le récit se déplace impitoyablement et sans relâche .
Ce temps staccato est un thème sur lequel je souligne lorsque je guide les visiteurs dans l'exposition de la Galerie du Portrait des années 1920 aux années 1940, années qui ont vu l'émergence de l'Amérique moderne. Entre 1890 et les années 1920, 23 millions d'immigrants étaient arrivés sur les côtes américaines; la plupart étaient originaires d'Europe méridionale ou orientale. Peu parlaient anglais. Durant cette période, le visage du pays a changé. En même temps, le paysage pastoral d’Emerson et de Thoreau s’est transformé en paysages urbains: le recensement de 1920 a montré que, pour la première fois, l’Amérique était plus urbaine que rurale. New York a émergé en tant que vaste centre de la culture de consommation, un four à panneaux et au néon attisant - selon l'une de mes phrases préférées - «une machine à désirs époustouflante». Cette ville a donné son pouls aux rythmes de Gershwin, la chorégraphie de Martha Graham. et la fiction dure de Dashiell Hammett.
Les «images animées» étaient une métaphore parfaite de la culture du staccato en rapide évolution de l'Amérique. Émergeant dans le dynamisme de la vie de rue à New York, les films remportent un succès immédiat en tant que divertissement éphémère lorsque des entrepreneurs comme Adolph Zukor, Louis B. Mayer et William Fox installent des théâtres en vitrine dans les immeubles pour immigrants du Lower East Side. La langue n’était pas un obstacle, les films muets avaient donc un public tout prêt.
La capacité des films à nous transporter est restée l’une des principales attractions de ce média. L'ironie est que, même si le film est un document culturel remarquable qui fige le temps, il nous éloigne également du quotidien.
Allison Jessing, une coordinatrice de programme qui organise des séries de films ici à la Portrait Gallery et au Smithsonian American Art Museum, m'a confié que "le film peut être aussi subversif, puissant et émotionnellement résonnant que la peinture, la sculpture ou toute autre forme d'art traditionnel". Elle estime que les théâtres Smithsonian devraient être considérés comme des galeries à part entière, «exposant des chefs-d’œuvre de la même manière que nous exposons des œuvres qui reposent sur un socle ou sont suspendues à un mur». L’un des moyens utilisés par Jessing consiste à emprunter le -up entertainment »des premiers entrepreneurs du cinéma. À cette fin, les musées ont acheté un grand écran gonflable de 16 pieds pour projeter des films dans la cour de Kogod. Allison utilisera le grand écran pour une série plus grande que nature appelée «Courtyard Cinema Classics».
Un écran contextuel de 16 pieds diffusera bientôt des films dans la cour de Kogod. (Photo par Allison Jessing) Le 15 novembre, le premier film de la série sera présenté: un Yankee du Connecticut en 1949 dans King Arthur's Court, une comédie musicale à thèmes dans le temps, mettant en vedette Bing Crosby et Rhonda Fleming. Je suis ravi de présenter ce film, qui est basé (très approximativement) sur le roman éponyme de Mark Twain datant de 1889; Je peux porter mon boa.
La projection de films dans les musées prouve une fois de plus que Sam Spade avait raison: ce sont là les objets dont les rêves sont faits.
