Le 2 décembre 2016, une soirée dansante dans un entrepôt connu sous le nom de Ghost Ship à Oakland, en Californie, a brûlé, faisant au moins 36 morts. Ce fut l'incendie le plus meurtrier de l'histoire de la ville.
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À ce jour, la cause de l'incendie n'est pas connue. Malgré tout, les premières réactions de la presse sont apparues dans une longue liste de représentations "vous l'ont dit". La disposition de Ghost Ship a été décrite comme une trappe à feu, un piège mortel et un «labyrinthe» encombré. La communauté a été qualifiée de complexe, de commune et d’autres étiquettes qui présument en outre que cette catastrophe est sur le point de se produire. C'était inévitable.
Les musées, en particulier ceux de la région de la Baie de San Francisco, ont exprimé leur sympathie pour l'événement et le SFMOMA a ouvert ses portes gratuitement quelques jours plus tard pour que les personnes touchées puissent «réfléchir, se pleurer et se guérir».
D'autres dans le domaine des musées ont travaillé à combler le fossé entre les institutions et les espaces de base. Dans les jours qui ont suivi l'incident de Ghost Ship, Kimberly Drew, responsable des médias sociaux au Metropolitan Museum of Art, a référé ses collègues à un document généré par le public, créé par la militante des arts, Susan Surface, qui contenait de nombreuses suggestions de lieux communautaires. réduire les risques. Lauren Zelaya, conservatrice au Brooklyn Museum, a expliqué que le populaire programme First Saturdays du musée était un effort délibéré des fabricants locaux pour tester leurs projets sous la sécurité et les conseils d'un lieu institutionnel.
Mais si ces gestes sont importants pour toute tragédie majeure, les musées et les institutions artistiques sont en grande partie restés éloignés de cet incident. Cela perpétue l'hypothèse selon laquelle des espaces tels que Ghost Ship sont marginaux - et même non pertinents - dans le monde de l'art formel.
En fait, la réalité est tout le contraire.
Les entrepôts et les ateliers de bricolage ont vu le jour dans les années 1960, alors que l’industrialisation américaine s’apaisonnait, laissant les grandes usines vides, inutilisées et abordables. Les quartiers qui sont maintenant connus comme des paradis pour les musées, les théâtres et les galeries, tels que SoHo à New York, le centre-ville de Los Angeles et le quartier de la Mission à San Francisco, ont tous commencé comme des lieux de rassemblement accessibles pour les artistes et leurs mécènes. Loin des environnements prestigieux, majestueux et peut-être même vétustes des musées, les lieux de bricolage sont à l’origine d’une esthétique jadis rejetée, telle que des appareils en briques et en métal apparus qui deviennent des symboles populaires de «l’espace créatif».
Des équipes d'urgence se tiennent devant le site d'un incendie dans un entrepôt, qui a coûté la vie à 36 personnes à Oakland, en Californie, le lundi 5 décembre 2016. (Marcio Jose Sanchez / AP) Récemment, les musées ont réinventé certains de leurs programmes pour atteindre de nouvelles données démographiques et s’inspirent agressivement des espaces créés comme alternatives. Il n'est pas rare de trouver un programme de musée sous la forme d'un spectacle éphémère, d'une broche d'artiste ou d'une soirée bloc.
La PS1 de Long Island City a fonctionné pendant 30 ans en reconnaissant que les institutions manquaient de volonté et d’infrastructures pour soutenir de manière adéquate les artistes locaux et émergents, jusqu’à son acquisition par le Museum of Modern Art en 2000 et renommée MoMA PS1. Le Asian Pacific American Center du Smithsonian a récemment introduit le modèle de laboratoire de culture, un clin d'œil à la façon dont les espaces de bricolage et de base servent uniquement les communautés créatives.
Les musées et les espaces de bricolage ont une histoire longue et complexe et il est essentiel que les musées n'interprètent pas la tragédie récente de Ghost Ship comme un échec inévitable pour les artistes amateurs et les conservateurs, mais plutôt comme le reflet de la réticence des institutions à partager les ressources et les informations de manière adéquate. avec leurs homologues créatifs. De nos jours, certains programmes de musées peuvent ressembler aux espaces de bricolage qui les ont inspirés, mais cela devrait être vu comme une opportunité.
Voici six manières pour les musées, les galeries et les institutions culturelles de tirer parti de leurs connaissances et de leurs ressources pour créer des espaces dédiés au bricolage:
Partager les documents de sécurité et d'accessibilité
Les musées peuvent apporter leur aide en apportant leur expertise en matière de sécurité, en partageant le personnel et les protocoles, et en proposant de rendre publics leurs manuels et procédures de sécurité et d'accessibilité, qui serviront de modèles. Certaines institutions pourraient s'opposer à la possibilité de rendre leurs documents accessibles, car ces documents sont longs et compliqués, en particulier pour les étrangers. Il est vrai que la pile de codes de sécurité, de licences, de révisions et de formations peut sembler prendre le pas sur la créativité. Toutefois, des indications minimales par le biais de la terminologie de base, des acronymes et des points clés peuvent aller très loin.
L’environnement dangereux de certains espaces de bricolage n’est généralement pas dû à un manque de volonté de rendre les espaces sûrs, mais plutôt à un manque de capacité ou de sensibilisation. Alors que les établissements d’art bénéficient de personnel qui allie expertise créative et administrative, de nombreux projets de bricolage sont axés sur la vision et permettent aux producteurs d’apprendre au fur et à mesure de leurs progrès. Cette méthode d’essais et d’erreur est souvent efficace et inoffensive, mais nous avons appris que les conséquences peuvent aussi être désastreuses.
Éduquer les opérateurs de bricolage sur les meilleures pratiques
Organisez des ateliers et partagez des méthodes pour assurer la sécurité publique même en cas de capacité et de ressources limitées.
Même les artistes ayant une formation artistique officielle peuvent ne pas être familiarisés avec les procédures standard en matière d'évacuation (voies de sortie d'urgence), de taux de combustion (inflammabilité des matériaux) et de réglementations ADA (accessibilité). Les musées peuvent proposer des tutoriels (un peu comme les très populaires edit-a-thons et séminaires sur les subventions de Wikipedia) ou publier des webinaires ou de courtes vidéos avec des astuces.
Collaborer avec les décideurs
Les musées peuvent mieux servir ces communautés en nouant des contacts et en collaborant avec les artistes. Les personnes qui ont pris l'initiative de créer des projets, malgré des connaissances et des ressources limitées, constituent le pouvoir des projets à la base. Ils sont habitués à apprendre des informations à la pièce et à observer les autres.
Fournir des encouragements sous la forme de postes de volontaires, de contrats de travail et même de possibilités d’embauche ne peut que renforcer les musées et la communauté artistique environnante d’une manière mutuellement bénéfique. En développant des liens avec ces producteurs, les musées tirent parti des compétences - adaptabilité, pensée critique et rayonnement local - qui permettent aux productions de bricolage de réussir.
Assister à des événements
Les professionnels des musées peuvent être de puissants porte-parole pour les programmes locaux, mais cela commence par une expérience personnelle. Beaucoup des hypothèses sur les aléas d'événements tels que ceux de Ghost Ship proviennent de personnes qui n'y ont jamais participé. Bien que la couverture de la tragédie par Ghost Ship par la presse puisse conduire à rapprocher un entrepôt d'un champ de mines, la vérité est que la plupart des productions prennent en compte des considérations de sécurité élémentaires, même si elles ne sont pas conformes à un protocole formel.
Les professionnels des musées peuvent donner des conseils lorsqu'ils observent des événements et partagent leur expertise pour améliorer la sécurité et l'accessibilité dans ces lieux.
Artistes payants
Il y a beaucoup à dire sur les conditions sociales qui poussent les artistes et les créateurs à recourir à une infrastructure instable et à écarter les protocoles de sécurité, mais la plupart de ces problèmes peuvent être imputés à la capacité économique. À l'instar des professionnels d'autres domaines, les artistes travaillent pour maximiser leurs ressources, même limitées.
La plupart des musées ont un certain niveau de rayonnement local dans leurs missions, mais les artistes et les collaborateurs locaux sont souvent invités à offrir leurs services gratuitement ou à des tarifs très bas. Les artistes sont priés de renoncer ou de réduire leurs frais lorsqu’ils collaborent avec de petites organisations à but non lucratif, mais de faire de même lorsqu’ils travaillent avec des institutions à budget important, en supposant que les artistes bénéficieront d’une compensation immatérielle ou d’une «exposition».
Le paiement de salaires équitables aux artistes leur permet non seulement de continuer à vivre et à travailler dans des villes de plus en plus chères, mais leur permet également d’intensifier leurs projets de manière créative et logistique. Les musées devraient reconsidérer leurs taux de rémunération des artistes, étant entendu que cela contribue non seulement à des besoins essentiels comme le loyer et la nourriture, mais également à des lieux de qualité, du matériel d’exposition et des ressources en matière de sécurité.
Le calculateur fourni par WAGE (Artistes de travail pour une plus grande économie) est un excellent guide pour déterminer des tarifs raisonnables pour les artistes sur la base du budget annuel de toute organisation.
Soyez un pont vers les contacts et les ressources
Même si un musée n'a pas les ressources financières pour payer des artistes, il a probablement des relations avec des organisations gouvernementales locales et nationales, des entreprises partenaires et des institutions désireuses de travailler avec des artistes. Dans certains cas, les gouvernements locaux offrent des subventions peu connues, des avantages fiscaux ou des logements et espaces de travail subventionnés, afin de favoriser la création de zones d'activités pour les artistes. Parce que les artistes sont plus susceptibles de rechercher de l'aide auprès des musées que de leurs hôtels de ville, les musées peuvent tirer parti de leurs relations pour aider les artistes dans le besoin à trouver des ressources existantes mais sous-utilisées.
Alors que les éléments des programmes de bricolage continuent d'inspirer la pratique muséale, il est important que les musées n'engendrent pas les projets existants et émergents avec l'attitude «nous pouvons le gérer à partir d'ici». Au contraire, une ligne de communication ouverte et des échanges mutuels peuvent permettre aux opérations locales de s’épanouir dans des arènes urbaines de plus en plus difficiles, tandis que les musées peuvent accéder à la communauté locale de clients pour laquelle ils ont été créés.
