Très jeune, Jacob Lawrence savait qu'il lui manquait quelque chose dans son éducation. «J'ai toujours été intéressé par l'histoire, mais ils n'ont jamais enseigné l'histoire des nègres dans les écoles publiques. Parfois, ils l'ont mentionné dans les clubs d'histoire, mais je n'ai jamais aimé cette façon de le présenter. Il n'a jamais été étudié sérieusement comme un sujet ordinaire », a déclaré le célèbre artiste noir.
C’est cette absence d’histoires et d’histoire noires - et son désir de les considérer comme essentielles à la compréhension de l’expérience américaine - qui a inspiré le travail de sa vie: des scènes simples aux séries époustouflantes, son art raconte les histoires de la vie quotidienne à Harlem, des histoires de ségrégation dans le Sud et des histoires de libération, de résistance et de résilience qui faisaient partie intégrante de l'histoire afro-américaine et américaine.
Lawrence est né à Atlantic City le 7 septembre 1917, il y a 100 ans. Élevé pour un temps à Philadelphie, il a atteint sa maturité dans les années 1930 à New York, fortement inspiré par l'ethos culturel et artistique de la Renaissance de Harlem. Un certain nombre de ses œuvres font partie des collections des musées du Smithsonian.
À une époque où le monde de l'art traditionnel n'était pas ouvert aux artistes noirs, Lawrence se plongea dans tout ce que son quartier pouvait offrir: il suivit une formation au Harlem Art Workshop, étudia et partagea un espace de travail avec le peintre Charles Alston et fut d’autres, du sculpteur Augusta Savage, qui l’a aidé à trouver du travail dans le cadre du WPA Federal Art Project.
«C’était un homme tranquille qui écoutait, regardait, regardait, absorbait tout ce qui se passait autour de lui», a déclaré Virginia Mecklenburg, conservatrice en chef au Smithsonian American Art Museum, qui abrite près d’une douzaine d’œuvres de Lawrence.
Jacob Lawrence par Alfredo Valence, 1957 (Archives of American Art) Les sujets et le style de Lawrence étaient des choix délibérés et consciencieux. Il a formé sa pratique à une époque où les artistes noirs considéraient soigneusement leur rôle et leur responsabilité dans la description de l'histoire afro-américaine et de la vie contemporaine.
À Harlem, Lawrence a été entouré et formé par des artistes progressistes qui "ont admiré les rebelles historiques qui avaient prôné la lutte révolutionnaire pour faire avancer la cause des opprimés", écrit l'historienne de l'art Patricia Hill dans son livre, Painting Harlem Modern: L'Art de Jacob Lawrence . Il a été inspiré par eux pour raconter des épopées historiques centrées sur des personnages majeurs, qui ont tous été esclaves. Ses premières séries racontaient l'histoire de Toussaint L'Ouverture (1938), à la tête de la lutte pour l'indépendance d'Haïti, de Frederick Douglass (1939), grand abolitionniste et homme d'État, et de Harriet Tubman (fin 1940), célèbre chef d'orchestre du chemin de fer clandestin. .
Et comment il a raconté ces histoires importait autant que de choisir de les raconter. Tout au long de sa carrière, Lawrence a peint avec des couleurs vives et audacieuses et est resté attaché à un style figuratif expressif, se prêtant à la narration visuelle. Jacquelyn Serwer, conservateur en chef du Musée national de l'histoire et de la culture afro-américaine, qui présente le Dixie Café de Lawrence (1948) dans son exposition "L'art visuel et l'expérience américaine", a déclaré qu'il souhaitait s'assurer "que d'importants aspects de l'histoire afro-américaine documenté d’une manière qui puisse être appréciée et comprise par un très large public. »S'il adhérait trop aux tendances abstraites modernistes du milieu du XXe siècle, il risquait de limiter ceux qui pouvaient se connecter à son art. Pour Evelyn Hankins, conservatrice en chef du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, qui compte parmi ses collections le Vaudeville de Lawrence (1951), «l'engagement vis-à-vis de la figuration était politique».
Pour son travail le plus renommé, Lawrence s'est tourné vers un événement qui avait défini sa propre vie. Fils de parents qui ont déménagé pendant la Grande Migration - lorsque des millions d'Afro-Américains se sont échappés du sud de Jim Crow pour améliorer leurs conditions de vie dans le Nord et l'Ouest - il a peint les récits qui lui avaient été racontés. Au travers de 60 panneaux, il a montré, et énoncé dans les titres, la dure injustice raciale et les difficultés économiques auxquelles les Afro-Américains étaient confrontés dans le Sud et les opportunités qui les avaient amenés dans des lieux plus prometteurs.
La Phillips Memorial Gallery (maintenant connue sous le nom de Phillips Collection) et le Museum of Modern Art (MOMA) ont acheté la série Migration (1941) l'année suivant son achèvement. Alors que chaque musée a pris la moitié de la série pour ses collections permanentes - en le divisant par des panneaux pairs et impairs -, la série complète a été exposée à plusieurs reprises, la dernière en 2016 à la Phillips Collection. Non seulement Lawrence a-t-il connu un succès personnel majeur à 24 ans, mais la vente est importante pour une autre raison: c'est la première fois que MOMA achète une œuvre d'art d'un artiste afro-américain.
The Library, 1960 (Don de SC Johnson & Son, Inc., SAAM) Une grande partie de sa production prodigieuse a été réalisée dans des peintures de genre et dans la représentation de scènes de tous les jours; il a tiré ce qu'il savait de sa vie à Harlem. Un exemple, The Library (1960), représente quelques personnages noirs lisant des livres faisant référence à des œuvres d'art africaines. Les conservateurs spéculent que la salle de lecture "pourrait montrer à la 135th Street Library - aujourd'hui le Centre de recherche sur la culture noire de Schomburg - la première collection importante de littérature, d'histoire et de gravures afro-américaines du pays ouverte en 1925". C'est dans cette bibliothèque que Lawrence a passé heures consacrées à ses épopées historiques, explorant l’histoire et le patrimoine des Noirs. En peignant cette scène, il a mis en lumière la découverte et l'apprentissage catalysés par la Renaissance de Harlem.
Si The Library offre une vue sur une oasis comparée du Nord, un coup d'œil à Lawrence's Bar and Grill (1941) illustre bien la dure réalité du Sud. L’artiste s’est rendu pour la première fois dans la région lorsque sa femme, son collègue artiste Gwendolyn Knight, et lui-même se sont rendus à la Nouvelle-Orléans en 1941. Bien qu’il ait décrit la ségrégation de Jim Crow dans sa série sur la migration, l’exposition personnelle à la dure loi du Sud a ébranlé Lawrence. il a ensuite exploré l'expérience de plusieurs œuvres.
En soulignant la barrière artificielle entre les deux courses, Bar and Grill met en évidence le mensonge de la différence mais de l’égalité: les clients blancs sont maintenus confortables et froids de leur côté, suivis par le barman, tandis que les clients noirs sont relégués au rang de section spacieuse et négligée, emblématique de leur statut de deuxième classe au Sud.
Bar and Grill, 1941 (legs de Henry Ward Ranger par la National Academy of Design) La Seconde Guerre mondiale met à nouveau Lawrence en contact étroit avec le racisme du Sud: intégré dans la Garde côtière en 1943, il se forme à St. Augustine, en Floride. Il a ensuite été affecté au premier navire intégré de la Marine, où il a pu peindre dans le cadre de son déploiement.
Lawrence et Knight reviendront ensuite dans le sud en 1946, où il enseignera un cours d'été au Black Mountain College, une école d'arts libéraux en Caroline du Nord. Invité là-bas par l'instructeur en chef, l'artiste abstrait allemand Josef Albers, lui et Gwendolyn se sont éloignés d'Asheville, conscient du racisme qu'ils pourraient y rencontrer. Au cours de leur descente, Albers a même réservé un wagon privé au couple afin d'éviter d'avoir à effectuer le «déplacement humiliant de wagons intégrés aux wagons Jim Crow une fois qu'ils ont dépassé la ligne Mason-Dixon».
Après avoir documenté les luttes de libération historiques, Lawrence s'est rapidement tourné vers l'exploration du mouvement contemporain des droits civiques. Comme l’écrivait l’historienne de l’art Ellen Harkins Wheat, «en réaction à cette ère de troubles et de bouleversements anti-guerre. . . Lawrence a produit un corpus qui témoigne de ses manifestations sociales les plus manifestes. »Dans le cadre d'une collecte de fonds pour le Comité de coordination non-violente des étudiants (SNCC), Lawrence a peint des scènes de contre-sit-in, de coureurs de la liberté et de manifestants en conflit avec la police.
Durant ses six décennies en tant que peintre pratiquant, Lawrence a influencé de nombreux autres artistes. Il a commencé à enseigner à l'Institut Pratt en 1956 et, lorsque les Lawrences vivaient au Nigéria au début des années 60, il offrait des ateliers à de jeunes artistes à Lagos. Après avoir enseigné à la New School, à la Art Students League et à l’Université Brandeis, il s’est finalement rendu à Seattle en 1971 pour occuper un poste de professeur à l’Université de Washington. La célèbre carrière de Lawrence fut remplie de jalons: il fut représentant pour les États-Unis à la Biennale de Venise de 1956 et reçut à la fois la médaille Spingarn de la NAACP en 1970 et la médaille nationale des arts en 1990. Il mourut peindre et exposer son travail, même pendant une brève période passée dans un établissement psychiatrique, en convalescence après le stress et l'épuisement.
Un siècle après sa naissance, son travail reste pertinent et pertinent, grâce à son remarquable récit. «La dimension humaine dans son art fait que les personnes qui ne s'intéressent pas à l'art, ou qui n'ont aucune expérience ou connaissance réelle de l'art, regardent le travail de Lawrence et. . . voir des histoires qu’ils pourraient trouver dans leur propre vie », dit Mecklenburg.
