«The Jazz Age» évoque les flappers, Gatsby, les soirées épiques et, bien sûr, le jazz. Mais si la haute énergie définissait l’époque, il en allait de même pour sa tension: la vie nocturne trépidante se heurtait à la prohibition; une montée rapide de l'innovation américaine en conflit avec une aspiration à la tradition européenne; la grande prospérité a cédé le pas à la grande dépression. Les frictions de toutes ces contradictions ont façonné le siècle qui a suivi - dans la conception populaire peut-être plus que dans tout autre domaine de la vie américaine.
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Ces influences contrastées et le rôle important qu’elles ont joué dans les années 1920 font l’objet d’un nouveau spectacle intitulé «L’âge du jazz: le style américain dans les années 1920», la première grande exposition de musée à se pencher sur le style américain au cours de cette période où les énergies sont devenues combustibles.
Le spectacle, qui se déroule jusqu'au 20 août au Cooper Hewitt, au Smithsonian Design Museum de New York et est co-organisé avec le Cleveland Museum of Art, met en lumière cette époque importante où le style de vie et le style de vie américains se sont métamorphosés. Reflétant dans les meubles, les bijoux et le design de cette période, c’était une époque où les limites étaient testées et, dans certains cas, dépassées.
«C’est la source de tant de choses qui se passent dans les années 30 et au-delà», déclare Sarah Coffin, conservatrice chez Cooper Hewitt et responsable du design de produits et des arts décoratifs.
Les plus de 400 œuvres de joaillerie, mode, architecture, mobilier, textiles et bien plus encore brossent un tableau d'une ère de design extrêmement énergique, renforcée par des couleurs vives et l'innovation. Pour parcourir un sujet aussi vaste, le spectacle est organisé sur deux étages en thèmes généraux qui illustrent les principales tendances et tensions en matière de design qui ont marqué l’époque.
«Vous commencez par rassembler l'univers des objets, ce qui est bien plus que ce que vous pouvez montrer», explique Stephen Harrison, conservateur des arts décoratifs et du design au Cleveland Museum of Art, décrivant le processus de vannage auquel les organisateurs du spectacle ont été confrontés. «Ensuite, vous commencez à vous demander: quelles questions posent-ils? Quelles adjacences? Quelles relations développent? Et comme nous avons commencé à affiner nos idées, nous avons affiné nos objets. "
Le premier thème rencontré par les visiteurs est peut-être celui auquel ils s'attendent le moins: «La persistance du bon goût traditionnel».
L’âge du jazz n’était pas une question de nouveauté et de différence: c’était une époque où les Américains adoptaient les conceptions française et anglaise des XVIIe et XVIIIe siècles, cherchant des antiquités artisanales pour élever leur statut social.
«Beaucoup de gens dans ce pays ont continué à collectionner des antiquités, à acheter des reproductions et à faire des choses au goût traditionnel, tout au long de la décennie», explique Coffin.
Alors que le monde évoluait rapidement, les œuvres originales de créations coloniales américaines, ainsi que celles de la France et de l'Angleterre des XVIIe et XVIIIe siècles, témoignaient toujours d'un statut social. La ferronnerie traditionnelle magistrale d'un paravent Samuel Yellin, un coffre recouvert d'éléments de manuscrit persan peint par Max Kuehne et une secrétaire réalisée pour une reproduction de la maison de John Hancock d'après un modèle du Metropolitan Museum of Art sont des exemples d'œuvres d'époque. que collectionnent les musées, les collectionneurs et les ménages fortunés.
Mais de nouveaux styles européens ont également eu un impact sur les styles américains. Des événements tels que l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925, tenue à Paris, ont permis de faire connaître et de sensibiliser les Américains aux nouvelles conceptions faisant leurs débuts outre-Atlantique. Des musées à travers les États-Unis (Cooper Hewitt et le Cleveland Museum, ainsi que le Chicago Art Institute , le Newark Museum, le Metropolitan Museum of Art, le Brooklyn Museum) exposaient les œuvres, achetaient de nombreuses pièces et en mettaient certaines à la vente. talonné.
L'âge du jazz: le style américain dans les années 1920
Capturant l’impulsion dynamique de la musique jazz de l’époque, cette publication richement illustrée explore le goût et le style des Américains à l’âge d’or des années vingt. Après les années destructrices de la Première Guerre mondiale, cette décennie florissante a marqué une renaissance de l'innovation esthétique, largement cultivée par le talent et le mécénat américains.
Acheter«Au cours de cette période, ces musées ont soit créé des fonds pour l'acquisition d'arts décoratifs européens modernes, soit organisé des expositions de design européen moderne qui pourraient ensuite être vendues», explique Emily Orr, conservatrice adjointe du design américain moderne et contemporain chez Cooper Hewitt.
Pour les moins nantis, les répliques se sont rapidement répandues et facilement acquises - un sujet abordé dans la section de l'exposition «Un monde plus petit». L'un des grands véhicules de ce mélange d'influences était le grand magasin. Des lieux tels que Lord & Taylor et Macy's ont ouvert leurs propres ateliers au cours desquels des artisans ont créé des pièces de style européen et les ont rendues abordables pour le consommateur moyen.
«C’est très difficile pour les gens de s’orienter aujourd’hui, mais le président du Metropolitan Museum a écrit l’introduction d’un catalogue d’une exposition qui s’était déroulée chez Macy's», explique Coffin. «Le musée a compris que son travail consistait à diffuser auprès du public américain les valeurs d'un bon design, et ainsi de le rendre public, et à faire savoir au consommateur américain qu'il le soutiendrait: il ne pouvait s'agir que d'un musée.»
Cela a créé une interaction particulière entre l'exclusif et le grand public, ainsi que privé et public. Coffin montre une remarquable paire de doubles portes du sculpteur Séraphin Soundbinine et du designer Jean Dunand qui ancrent l'exposition.
Solomon Guggenheim a commandé les portes, chacune d'elles représentant un ange au sommet d'un gratte-ciel soufflant dans une corne. Après avoir visité la Foire de Paris de 1925 et vu le travail de laque de Dunand, Guggenheim fut convaincu que la salle de musique de son domicile de Port Washington avait besoin d'un tel morceau.
«Vous ne pouvez en aucun cas imaginer que les personnes qui possédaient ce type de mobilier de style baronnial dans cette maison pourraient avoir le goût de le faire», déclare Coffin. "Mais apparemment, ils ont décidé qu'ils voulaient faire cela."
Une fois les portes terminées, les Guggenheim les mettent à la vue du public dans une galerie avant même de les ramener à la maison. C'était une première incursion dans l'achat et la conservation d'art qui allait bientôt se développer (leur première acquisition d'art moderne aurait lieu un an plus tard).
Bien sûr, nous ne pouvons pas penser aux années 1920 sans tenir compte de la culture rauque et qui pousse les frontières. La section «Bending the Rules - Stepping Out» (Transformer les règles - Sortir) exprime ce sens du possible et de l'évolution des normes et montre comment le jazz et le monde social qui l'entoure ont façonné le design. Des vases avec des danseurs de jazz et un textile appelé Rhapsody, ainsi que des extraits de films de Duke Ellington et d’autres artistes du Cotton Club résonnent avec l’énergie de cette époque. Des bijoux qui complètent les nouvelles modes: longs colliers que porteraient les clapets, un collier en rubis sculpté de Van Cleef & Arpels, une boucle de ceinture de 1926 ornée d'un motif de scarabée (la tombe du roi Tut a été fouillée en 1922, de sorte qu'un regard égyptien s'est emparé de bijoux ), et une paire de pièces Cartier appartenant à Linda Porter, épouse du compositeur Cole, ainsi que d’autres accessoires pour le maquillage et la cigarette, reflètent toutes la libération de l’esprit libre de l’époque et le changement des mœurs sociales.
Ce style de vie sans soucis était aussi une importation européenne. Archibald Motley, un artiste de la Nouvelle-Orléans, résume bien ce que Coffin a écrit: l'artiste a passé une année à Paris avec une bourse Guggenheim et la scène représente l'énergie de l'époque: un club de race mixte, des gens qui dansent, de la musique en train de jouer, une femme fume une cigarette et le vin coule à flot.
L’influence européenne découle non seulement d’une plus grande facilité et d’un plus grand intérêt pour les voyages, alors que de plus en plus d’Américains visitent et étudient à l’étranger, mais aussi des effets en cascade de la Première Guerre mondiale. De nombreux designers s'étaient réfugiés aux États-Unis avant et pendant la guerre, apportant leurs propres influences et intérêts. Des émigrés tels que Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen et Richard Neutra apportaient avec eux l'expérience de l'abstraction européenne ainsi que l'admiration pour Gratte-ciel américains et énergie cosmopolite. Ceci est peut-être mieux illustré dans le spectacle par Skyscraper Bookcase Desk de Frankl. L'influence s'est étendue aux matériaux que ces Européens ont également utilisés.
«Les Européens ont été les premiers à plier le chrome pour leurs meubles. C’était ce signe immédiat du nouveau, mais il s’agissait également d’un prix abordable et d’un désir de propreté par rapport à des formes victoriennes richement détaillées et ornées», explique M. Orr. "Il était également utilisé dans les voitures et les radios et symbolisait l'avenir."
La chaise en porte-à-faux est une icône majeure de cette époque. L'adaptation de la forme dans une variété de matériaux montre comment l'industrialisation a façonné l'époque. Conçu à l'origine pour être emballé à plat et fabriqué en série, il a été transformé en bois et en cuir et adopté par les studios Walt Disney pour ses salles de projection.
«Le designer industriel est une figure de cette période, suscitée par un si grand nombre de fabricants de tous les médias qui souhaitent mettre à jour leurs lignes traditionnelles pour le consommateur moderne», déclare Orr.
Comme le dit Harrison, «nous voulions définir le goût en comparant ces éléments d’aspect moderne à ceux de forme, d’innovation et de technologie modernes».
«L'âge du jazz: le style américain dans les années 1920» est visible jusqu'au 20 août au Cooper Hewitt, du Smithsonian Design Museum à New York.
