La plupart des musées d'art cherchent à éblouir, à l'instar de la grotte d'Ali Baba, à l'exception du Smithsonian American Art Museum (SAAM) et de la National Portrait Gallery (NPG), qui rouvrent conjointement dans l'ancien bâtiment de l'Office des brevets le 1er juillet après une rénovation de 283 millions de dollars sur six ans, accueillez les visiteurs avec une étreinte chaleureuse. Faire une tournée des collections, c'est comme parcourir un album de famille ou monter dans un grenier riche en héritage. "L'un des éléments clés pour moi a été de trouver le bon équilibre entre connaissances et expérience", a déclaré Elizabeth Broun, directrice de la SAAM. "Il y a certaines personnes qui sont chez elles dans un musée d'art et d'autres qui pourraient être intimidées."
Eleanor Harvey, conservatrice en chef de la SAAM, a déclaré: "Nous avons passé beaucoup de temps à essayer de comprendre pourquoi les gens ont peur de l'art. Comment leur redonner le sens de l'exploration et de l'émerveillement?" La réponse: leur raconter une histoire. "Les gens adorent les histoires", poursuit Harvey. "Nous avons décidé de laisser l'art raconter comment nous sommes devenus le pays que nous sommes aujourd'hui. L'art n'est donc pas une tangente à votre vie, mais une illumination.
Les collègues de Broun et Harvey à la National Portrait Gallery sont arrivés à la même conclusion. Bien que le NPG soit un musée récent, il est né prématurément gris; lors de son ouverture en 1968, il était spécialisé dans les présidents et les généraux, des «hommes blancs à cheval», lance le directeur du musée, Marc Pachter. Au cours des décennies suivantes, la NPG a élargi sa gamme et, en 2001, a renoncé à l'exigence selon laquelle les sujets de portrait doivent être morts pendant au moins dix ans. "Nous avons fait une blague pour savoir si quelqu'un était assez mort", dit Pachter. La règle de la décennie morte visait à assurer une perspective historique, mais elle empêchait le musée de se connecter à son public. "Nous avons élargi, avec le pays, notre notion du contexte et de la définition de la grandeur", ajoute Pachter. "Ce que nous n'avons pas abandonné, c'est l'idée qu'il est toujours important de penser à la grandeur. La médiocrité est bien représentée ailleurs."
À travers des portraits d'Américains remarquables, vénérés (George Washington) ou notoires (Al Capone), le NPG tente d'explorer les moyens par lesquels les individus déterminent l'identité nationale. "Notre société est obsédée par le rôle de l'individu", dit Pachter, "de la culture de célébrités d'aujourd'hui aux héros du passé". En exposant l’art sous forme de groupes thématiques, le NPG et la SAAM visent à provoquer des discussions sur ce que signifie être un Américain.
Les deux musées partagent l'un des espaces les plus august de la capitale: le bâtiment néo-classique de l'Office des brevets, qui a été construit à partir de 1836 pour mettre en valeur l'ingéniosité des inventeurs. Au fil des ans, les gloires de son architecture ont été ternies par les modifications apportées pour satisfaire les exigences du moment; la fermeture des musées en janvier 2000 a permis une rénovation qui les a dépouillés. Les bureaux administratifs ont été bannis pour créer de nouvelles galeries qui occupent les trois étages principaux. Des centaines de fenêtres murées sont maintenant exposées, permettant à la lumière d'inonder à nouveau l'intérieur. Les fenêtres ont été réaménagées avec un nouveau verre soufflé à la main en Pologne afin de reproduire la légère ondulation des originaux et, ajouté à la technologie du XXIe siècle, complété par des filtres qui filtrent les rayons ultraviolets pouvant endommager les œuvres d'art. "Les gens seront surpris que le bâtiment qui ressemble à une grotte sombre soit maintenant probablement le bâtiment le plus joliment éclairé de la ville", a déclaré Broun.
N'étant plus accessibles par des portes séparées, les deux musées accueilleront les visiteurs par une entrée à portique imposante située sur la façade sud du bâtiment. Mais alors que les visiteurs des deux musées peuvent arriver ensemble, les musées eux-mêmes sont venus ici par des chemins divergents. SAAM a ses origines dans une collection d'art du XIXe siècle composée principalement d'art européen, constituée par un amateur d'art civique, John Varden. Au début, Varden exposait ces œuvres au public dans une galerie adjacente à son domicile, mais en 1841, il les avait installées au dernier étage du bâtiment de l'Office des brevets récemment ouvert. Soumis à la nation, les fonds Varden ont été transférés au premier bâtiment de la Smithsonian Institution, le château, en 1858, à partir duquel la collection grandissante a été transférée au bâtiment Arts and Industries en 1906 et au nouveau bâtiment d'histoire naturelle quatre ans plus tard. Puis, en 1958, le Congrès a présenté l’immeuble de l’Office des brevets au Smithsonian. En 1962, l’Institution décida de diviser l’espace du bâtiment entre sa collection d’œuvres d'art, considérablement élargie à partir du legs initial de Varden, et la National Portrait Gallery, créée par le Congrès la même année.
Au fil des ans, la SAAM, qui s'appelait autrefois la Collection nationale des beaux-arts, a réduit sa mission consistant à se concentrer sur l'art américain, en constituant l'une des plus grandes collections au monde. La profondeur des fonds permet aux conservateurs de présenter un récit nuancé pouvant provoquer une réaction du spectateur. Harvey explique: "Au Musée des beaux-arts et au Met, vous voyez une multitude de chefs-d'œuvre - des joyaux dans la tiare. Parfois, pour raconter une histoire complète, il vous faut plutôt une matrice d'événements et d'idées qui placent ces chefs-d'œuvre dans le contexte. À SAAM, nous sommes tous sur les conversations. "
Et quelle est la meilleure façon de commencer une conversation? Dans leurs nouvelles installations, les conservateurs de la SAAM ont choisi de commencer par les paysages. "L’une des premières choses que les gens demandent habituellement dans ce pays est" d’où venez-vous? " et l'idée est que cette information vous dit quelque chose ", explique Harvey. "Nous voulions montrer comment la physionomie de l'Amérique, de Niagara Falls à la Sierra Nevada, influençait notre développement en tant que pays et en tant que culture." Les visiteurs qui se tournent à gauche à l'entrée principale pour aller à SAAM seront accueillis par des peintures de la Hudson River School telles que Dover Plain d' Asher B. Durand , dans le comté de Dutchess à New York, et par la splendeur encore plus vaste de l'ouest américain, comme dans Victor Higgins ' Mountain Forms # 2 . Les conservateurs espèrent que les paysages inciteront les visiteurs à réfléchir à des problèmes plus vastes, tels que l'aménagement et la conservation des terres. Mais Broun souligne que SAAM n'est pas un manuel. "C'est 'Quelles sont les questions toujours pertinentes à chaque période?'" Dit-elle. "C'est plus une question d'expérience et d'intuition que d'information." Dans cette exposition introductive, les conservateurs ont également accroché un grand nombre de photographies de monuments publics prises par Lee Friedlander depuis les années 1960. Cette série se transforme en une autre exposition photographique, dans laquelle des Américains de tous âges et de toutes couleurs sont représentés dans les travaux de nombreux photographes. "Il existe des photographies d'un barbecue du 4 juillet, des enfants de Lewis Hine, des débutantes du milieu du siècle - pour vous rappeler que la photographie joue un rôle vernaculaire et que sans personnes, l'endroit ne veut rien dire."
Une fois entrés, ceux qui tournent à droite, vers la National Portrait Gallery, se retrouveront également dans un environnement familier et contemporain. Dans deux expositions, "Americans Now" et "Portraiture Now", les "visiteurs" pourront voir des portraits de personnes semblables à eux et se rendre dans les galeries historiques avec cette information visuelle pour entamer un dialogue sur des vies historiques ", déclare Brandon Fortune, conservateur adjoint de la peinture et de la sculpture du NPG. "On ne peut pas aller à Benjamin Franklin sans passer devant de grandes photos d'adolescents. Nous en sommes très fiers." Outre la photographie, que le NPG a commencé à collectionner en 1976, le musée a adopté des approches non conventionnelles du portrait: hologramme du président Reagan et triptyque vidéo de David Letterman, Jay Leno et Conan O'Brien. "Ce sont tous des systèmes de transmission de la personnalité", déclare Pachter. "Je pense que venir à la galerie est une rencontre entre des vies. Tu ne viens pas juste pour regarder les coups de pinceau."
Dans une sorte d'ouverture à l'opéra - dans des galeries appelées "American Origins" -, le NPG parcourt les siècles de 1600 au 1900 au premier étage, avant d'arriver, le deuxième, à l'exposition dont la plupart des visiteurs avant la rénovation se souviendront le mieux. : "Les présidents de l'Amérique." Dans la précédente installation, la collection était confinée à la salle des présidents, mais cet espace imposant aux colonnes de pierre ne concerne plus que les dirigeants du pays, de Washington à Lincoln, et une galerie environ deux fois plus grande retrace l'histoire, y compris un portrait officiel, William Jefferson Clinton de Nelson Shanks, dévoilé le 24 avril.
Le prix de la collection présidentielle - de l’ensemble du NPG - est sans doute le tableau complet de Washington réalisé par Gilbert Stuart, connu sous le nom de portrait de Lansdowne. Stuart l'a peint de la vie en 1796, peu avant la fin de son second mandat du premier président. Bien que deux autres versions existent, c'est l'original. Il représente Washington dans un simple costume noir, tenant une épée de cérémonie gainée dans la main gauche et allongeant le bras droit, ce qui peut être un geste d'adieu. "La Constitution décrit à peine la présidence", a déclaré M. Pachter. "Cette peinture est le document qui définit." Ironiquement, le portrait de Lansdowne a passé la majeure partie de sa vie en Angleterre. Il a été commandé par un riche couple de Pennsylvanie, les Bingham, au marquis de Lansdowne, qui avait sympathisé avec la cause américaine. Au XIXe siècle, le tableau fut vendu au comte de Rosebery, dont il descendit aux mains de Lord Dalmeny, l'héritier actuel du comté.
Dès son ouverture, le musée avait exposé le portrait de Lansdowne en prêt prolongé. Lorsque Dalmeny a annoncé son intention de le vendre aux enchères en 2001, Pachter était consterné. "C'est un grand peintre qui réalise le portrait d'un grand Américain au moment idéal", dit-il. "C'est notre image idéale. La perdre était la chose la plus horrible que j'aurais pu envisager." Il s'est rendu chez Dalmeny, qui l'a offert au Smithsonian pour 20 millions de dollars - "beaucoup d'argent", admet Pachter, "mais peut-être moins que ce qu'il aurait obtenu aux enchères." Pachter a suivi les ondes de la radio et de la télévision pour faire connaître le sort du musée et, après neuf jours à peine, a trouvé la délivrance grâce à un bienfaiteur. La Fondation Donald W. Reynolds de Las Vegas (Nevada), une organisation philanthropique nationale fondée en 1954 par le regretté entrepreneur médiatique, a fait don du prix d'achat intégral ainsi que de 10 millions de dollars supplémentaires pour rénover la salle des présidents et accueillir le Lansdowne en train de peindre lors d’une tournée nationale. En octobre dernier, la fondation a fait un don supplémentaire de 45 millions de dollars pour l'ensemble des travaux du bâtiment de l'Office des brevets. "C’était, " dit Pachter, "d’utiliser l’un des mots de George Washington, " providentiel "."
Bien que la SAAM n'ait pas ramassé un poisson aussi gros que le Lansdowne, elle a également procédé à des acquisitions éclatantes lors de la rénovation, y compris Industrial Cottage, une peinture Pop Art de 15 mètres de long réalisée par James Rosenquist; Le Bronco Buster, une sculpture en bronze de Frederic Remington; et Woman Eating, une sculpture en résine et fibre de verre de Duane Hanson. La SAAM a également commandé une nouvelle œuvre, MVSEVM, de David Beck, artiste de San Francisco, une armoire à trésors avec tiroirs qui s’inspire de la grandeur néo-classique de l’Office des brevets.
Alors que la transformation des bureaux en galeries a permis d’étendre une superficie supplémentaire de 57 000 pieds carrés, la récupération des fenêtres du bâtiment a entraîné une perte d’espace sur les murs, ce que les conservateurs de la SAAM ont saisi comme une occasion de présenter davantage de sculptures. "Nous avons la plus grande collection de sculptures américaines, point", déclare Harvey de SAAM. "Ce n'est pas une note de bas de page, une réflexion après coup, un appendice. Cela fait partie de l'histoire de l'art américain." La SAAM exposait autrefois la plupart de ses sculptures dans les longs couloirs du bâtiment. Maintenant, la sculpture est dispersée dans les galeries.
Il en va de même des meubles, qui n’avaient pas été exposés auparavant dans le musée. "Il ne s'agit pas de devenir Winterthur [le domaine du Pont près de Wilmington, Delaware]", explique Harvey. "Dans l’histoire coloniale, à l’exception de John Singleton Copley et de quelques autres peintres, vous feriez mieux de vous procurer des meubles.
Au moment où un visiteur atteint la collection contemporaine de SAAM au troisième étage, les distinctions entre beaux-arts et arts décoratifs commencent à s'estomper. Un tableau de 22 pieds de David Hockney représentant des formes abstraites imbriquées, éclairées par une série programmée de lumières colorées, partage l'espace avec l'assemblage néon festonné de vidéastes Nam June Paik, composé de téléviseurs en forme de carte des États-Unis. "Nous nous sommes beaucoup concentrés sur les œuvres d'art contemporaines qui, à notre avis, sont profondément expérimentales", a déclaré le réalisateur Broun. En outre, la définition de ce qui constitue un artiste américain est interprétée de manière large. Le NPG décrit des citoyens non américains qui ont influencé l’histoire américaine - Winston Churchill et les Beatles, par exemple - et SAAM inclut des artistes étrangers, tels que David Hockney, né en Grande-Bretagne, qui ont eu un impact important sur la culture américaine. "Hockney est à Los Angeles depuis les années 1970", dit Harvey, "et il n'y a pas d'art de LA dans les années 1980 sans lui."
Comme la plupart des grands musées, la SAAM n'aura jamais assez d'espace pour exposer l'essentiel de ses trésors. Pour y remédier, la rénovation comprend un centre d’études et de stockage innovant qui contient quelque 3 300 œuvres (plus de trois fois plus que dans les galeries d’exposition) et qui est entièrement accessible aux visiteurs. Peintures, sculptures, objets d'artisanat et miniatures peuvent être scrutés dans 64 vitrines situées aux troisième et quatrième étages, avec des kiosques interactifs pour fournir des informations sur les pièces individuelles.
En plus d'élargir la collection visible, le Centre for American Art de la Fondation Luce, comme le centre de stockage et d'étude, a pour objectif de renforcer la compréhension du visiteur pour le rôle du conservateur. "Nous avons 41 000 oeuvres", explique Broun. "N'importe quelle autre équipe aurait choisi d'en faire une dans les galeries. C'est un moyen de permettre au public de voir non seulement ce que vous choisissez, mais ce que vous n'avez pas choisi." Dans le même esprit, les conservateurs de NPG soulignent également que les expositions de musée dépendent des préférences et des sélections de la personne qui les assemble. Chaque année, par exemple, une galerie sera consacrée à une vie individuelle d'un conservateur: pour l'installation d'ouverture, le poète et historien de NPG, David Ward, a créé une exposition sur Walt Whitman, qui soignait des soldats blessés dans le bâtiment de l'Office des brevets. pendant la guerre civile. "Je veux que les gens comprennent que ces vies sont perçues à travers différents miroirs", a déclaré Pachter. "Ce pourrait être celui de l'artiste, celui du conservateur, mais ce sont des représentations, pas la vie elle-même."
La caractéristique la plus inhabituelle du bâtiment reconfiguré est peut-être le Lunder Conservation Centre, situé au troisième étage, sur la mezzanine et le penthouse au quatrième étage, en hauteur. Au centre, partagé par la SAAM et le NPG, les visiteurs du musée peuvent regarder à travers les murs de verre pendant que les conservateurs analysent et, très soigneusement, restaurent les œuvres d'art. "Je pense que les gens sont véritablement fascinés par ce qui se passe dans les coulisses d'un musée", a déclaré Harvey. "Cela leur donne une fenêtre, littéralement."
Une autre tentative pour éliminer les barrières entre le public et l’art est un concours national de portrait que le NPG a inauguré l’année dernière. Nommé en l'honneur d'un docent bénévole de longue date qui l'a assuré, le concours de portrait d'Outwin Boochever a attiré plus de 4 000 candidats, de tous les États, au cours de sa première année. Le gagnant, qui sera annoncé peu de temps avant l’ouverture du musée, recevra 25 000 $ et une commission pour représenter un Américain de premier plan.
Les deux musées présentent des œuvres d'artistes qui ne sont jamais devenus des noms familiers. En effet, à la SAAM, il existe un certain nombre de pièces distinguées d'amateurs autodidactes. "L’art est une passion et un désir de communication", déclare Harvey. "Je pense que c'est un jour triste quand tu arrêtes de faire de l'art pour les réfrigérateurs. Tu continues de chanter sous la douche. Tu ne devrais pas arrêter de faire de l'art." L’œuvre la plus populaire de la SAAM est probablement celle d’un homme qui a suivi ce credo avec un zèle religieux. Le trône de la troisième Assemblée générale du millénaire du ciel des Nations est une construction époustouflante de meubles, ampoules électriques et autres rebuts que le concierge de Washington, James Hampton, a enveloppé dans du papier d'aluminium et a été assemblé sans être observé dans un garage loué, à partir des années 1950 environ. seulement après la mort de Hampton en 1964, cette création scintillante pourrait être la suite de meubles d’un hôte paradisiaque dans un paradis de tessels à loyer modéré.
En représentant l’individualité féroce et isolée de la vision d’un artiste, le Trône de Hampton complète parfaitement une galerie consacrée à huit œuvres d’Albert Pinkham Ryder. "Ryder est presque emblématique pour notre bâtiment", déclare Broun. "Ce bâtiment, qui ressemblait à une époque classique, était tourné vers l'avenir, tout comme Ryder. Il peignait des récits narratifs tirés de la Bible et de l'histoire anglaise du XVIe siècle. Parallèlement, il travaillait avec de nouveaux types de peinture et d'explorer les moyens par lesquels la peinture lui-même transmet la signification de l'image. Ainsi, si vous travaillez assez longtemps avec une couche sur une couche marécageuse, vous obtenez une signification inattendue. " Parce que Ryder a expérimenté avec agitation de nouvelles façons de lier ses pigments, nombre de ses peintures se sont assombries avec le temps et leurs couches se sont fissurées. Néanmoins, il était une figure prophétique pour les générations suivantes de peintres. Visionnaire, inventivement téméraire, menant une vie à la fois noble et tragique, il était aussi particulièrement américain. Pour un visiteur errant dans les galeries de l'office des brevets renaissantes, la salle Ryder est un lieu de choix pour faire une pause et contempler les mystères de notre identité nationale.
Arthur Lubow a écrit sur l'artiste norvégien Edvard Munch dans le numéro de mars de Smithsonian . Timothy Bell vit à New York et se spécialise dans la photographie d'architecture.
