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Comment les artistes et la communauté LGBTQ ont créé une corbeille cool

Bien que le 17 août, la Journée nationale des magasins d’occasions, ait pour but de célébrer avec légèreté une habitude commerciale acceptable, le processus de fabrication de magasins d’occasions a impliqué des défenseurs inhabituels. Comme je le décris dans mon récent ouvrage From Goodwill to Grunge, les magasins d'aubaines ont vu le jour à la fin du XIXe siècle, lorsque des organisations dirigées par des chrétiens ont adopté de nouveaux modèles de philanthropie (et ont contribué à réhabiliter l'image des magasins de seconde main en doublant leurs magasins de brocage.

Aujourd'hui, il existe plus de 25 000 magasins de revente en Amérique. Les célébrités se vantent souvent de leurs scores d'occase, tandis que les musiciens ont fait l'éloge de biens usés dans des chansons comme Fanny Brice (1923), succès «Second-Hand Rose» et Macklemore et Ryan, «Thrift Shop», édition 2013.

Pourtant, au cours des 100 dernières années, les artistes visuels méritent sans doute le plus grand crédit pour la place du shopping d'épargne dans le milieu culturel.

Gloire au rejet

D'un urinal tout à fait sculpté du sculpteur Marcel Duchamp de 1917 au «pape de la corbeille», où le réalisateur John Waters a popularisé une esthétique de la corbeille, les artistes visuels recherchent depuis longtemps des objets d'occasion pour trouver une inspiration créative, tout en les utilisant pour critiquer les idées capitalistes.

Au cours de la Première Guerre mondiale, des artistes d'avant-garde ont commencé à utiliser des objets mis au rebut, volés ou glanés, ou achetés dans des marchés aux puces ou dans des friperies, pour lutter contre la commercialisation croissante de l'art. André Breton, Marcel Duchamp et Max Ernst ont été parmi les premiers à transformer directement des objets jetés en œuvres d'art connues sous le nom de «readymades» ou «objets trouvés», ou à canaliser l'inspiration de tels biens dans leurs peintures et leurs écrits.

Coïncidant avec (et émergeant de) le mouvement artistique anti-art Dada, qui a farouchement rejeté la logique et l’esthétisme du capitalisme, le mouvement entourant cette élévation d’objets d’occasion aurait bientôt un nom: le surréalisme.

Dans son ouvrage semi-autobiographique de 1928, «Nadja», Breton, «père du surréalisme», décrit le shopping de seconde main comme une expérience transcendante. Les objets jetés, a-t-il écrit, étaient capables de révéler «des éclairs de lumière qui feraient voir, vraiment voir». Exilé par le gouvernement français à Vichy dans les années 1940, Breton s'installa à New York, où il chercha à inspirer d'autres artistes et écrivains. en les emmenant dans les magasins d'aubaine et les marchés aux puces de Lower Manhattan.

Alors que la «fontaine» de Duchamp est peut-être l'œuvre d'art sculptural la plus connue dérivée d'un objet trouvé, sa «roue de bicyclette» toute prête (1913) apparaît encore plus tôt. Le «cadeau» de Man Ray (1921) présentait un fer plat quotidien avec une rangée de punaises en laiton fixées à sa surface.

Alors que les hommes semblaient dominer le surréalisme, des sources récentes soulignent l’importance de la baronne Elsa von Freytag-Loringhoven, qui, selon les érudits, aurait peut-être offert à Duchamp son fameux urinal en lui permettant de collaborer à la «Fontaine». La baronne excentrique et talentueuse a créé «Dieu» (1917), un siphon en métal en fonte renversé, la même année où Duchamp a présenté «Fountain».

«Fontaine» de Marcel Duchamp, 1917 «Fontaine» de Marcel Duchamp, 1917 (James Broad, CC BY-NC)

L'esthétique de la corbeille

Le surréalisme a connu sa plus grande renommée au cours des années 1920 et 1930, avec ses préceptes couvrant tout, de la poésie à la mode. Ensuite, dans les années 1950 et 1960, la ville de New York a vu naître une esthétique trash d'avant-garde, qui incluait des objets mis au rebut et la résurrection de thèmes et de personnages révolus de «l'âge d'or» du film hollywoodien. Le style est devenu connu sous le nom de «camp».

Au début des années 1960, le Theatre of the Ridiculous, un genre de production théâtrale underground et avant-gardiste, prospéra à New York. Largement inspiré par le surréalisme, Ridiculous rompt avec les tendances dominantes du jeu d'acteur naturaliste et des décors réalistes. Parmi les éléments importants figuraient des parodies de thèmes classiques faisant fléchir le sexe et une stylisation orgueilleuse.

Le genre s’appuie notamment sur du matériel d’occasion pour les costumes et les décors. Acteur, artiste, photographe et cinéaste underground, Jack Smith est perçu comme le «père du style». Son travail a créé et caractérisé la sensibilité ridicule, et il s’en remettait presque de façon obsessionnelle aux matériaux d’occasion. Comme Smith a dit un jour: «L’art est un grand magasin d’épargne».

Il est probablement mieux connu pour son film sexuellement graphique «Les créatures en flammes» de 1963.Sensant une censure effrayante avec des gros plans de pénis flasques et de seins ébranlés, le film est devenu le point zéro des batailles anti-porno. Ses démonstrations surréalistes d'étranges interactions sexuelles entre hommes, femmes, travestis et hermaphrodite ont abouti à une orgie nourrie de drogue.

Selon Smith, «Flaming Creatures» a suscité la désapprobation non pas à cause de ses actes sexuels, mais à cause de son esthétique d'imperfection, notamment le port de vieux vêtements. Pour Smith, le choix de vêtements déchirés et dépassés était une forme de subversion plus grande que l'absence de vêtements.

Comme Susan Sontag le souligne dans sa célèbre évaluation du camp, le genre n’est pas simplement une sensibilité légère et moqueuse. C'est plutôt une critique de ce qui est accepté et de ce qui ne l'est pas. Le travail de Smith a réfuté la tendance réflexive des artistes à rechercher la nouveauté et la nouveauté, et a contribué à populariser une esthétique étrange qui s'est poursuivie dans des groupes comme The New York Dolls et Nirvana. Smith a été inspiré par une longue liste d'artistes, d'Andy Warhol et Patti Smith à Lou Reed et David Lynch.

Rébellion glacée

En 1969, des articles de l'énorme cache d'objets d'occasion de Smith, notamment des robes de chambre des années 20 et des piles de boas, ont trouvé leur chemin dans les garde-robes d'une troupe de drag psychédélique de San Francisco, les Cockettes. Le groupe a connu une année de popularité folle - marquant même un spectacle très attendu de la ville de New York - autant pour leurs costumes déguisés que pour leurs productions satiriques originales. Le terme «genderfuck» en est venu à signifier l'esthétique du groupe d'hommes barbus, glacés et mendiants, style incarné par le chef légendaire des Cockettes, Hibiscus.

Stills of Hibiscus du documentaire de 2002 «Les cockettes» Alambics d'Hibiscus du documentaire de 2002 'Les Cockettes' ('Les Cockettes')

Les Cockettes se séparèrent l’année suivante à propos d’un litige portant sur l’admission des accusés, mais leurs membres continuèrent à influencer la culture et le style américains. L'ancien membre des Cockettes, Sylvester, deviendrait une star du disco et l'un des premiers musiciens ouvertement homosexuels. Divine, plus tard membre du groupe Cockettes, est devenue la muse acclamée de John Waters, dans une série de «films trash», y compris «Hairspray», qui a rapporté 8 millions de dollars US sur le marché intérieur, ce qui a presque atteint le courant dominant du théâtre ridicule. À ce moment-là, une esthétique dégoûtante faisant appel aux biens d'occasion devint un symbole de rébellion et une expression de la créativité pour d'innombrables enfants de la classe moyenne.

Aujourd'hui, pour beaucoup, l’achat d’épargne est un passe-temps. Pour certains, c'est un moyen de perturber les idées oppressives sur le genre et la sexualité. Et pour d'autres, l'épargne est un moyen de réutiliser et de recycler, un moyen de subvertir subtilement le capitalisme traditionnel (bien que certaines chaînes d'épargne gigantesques aux pratiques de travail controversées tendent à récolter les plus grands avantages monétaires). À la tête de la charge, les artistes ont associé des articles de seconde main à la créativité individuelle et au dédain commercial. Ce qui a commencé avec les surréalistes se poursuit aujourd'hui avec les hipsters, les amateurs de vintage et les étudiants diplômés qui célèbrent les options offertes et le potentiel d'économie des marchandises mises au rebut.


Cet article a été publié à l'origine sur The Conversation. La conversation

Jennifer Le Zotte, professeure adjointe de culture matérielle et d'histoire à l'Université de Caroline du Nord à Wilmington

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